Gente Maja

miércoles, 30 de diciembre de 2009

Escondidos en canciones (4)


Retomando Escondidos en canciones os dejo una canción, creo que por primera vez en esta sección, dedicada a un actor: Steve McQueen. La canción es de Sheryl Crow, pertenece al disco C'mon C'mon y suena así:

http://www.youtube.com/watch?v=qlywcuw-1TU


Steve McQueen

Well I went to bed in Memphis
And I woke up in Hollywood
I got a quarter in my pocket
And I'd call you if I could
But I don't know why
I gotta fly
I wanna rock and roll this party
I still wanna have some fun
Iwanna leave you feeling breathless
Show you how the west was won
But I gotta fly
I gotta fly

Like Steve McQueen
All I need's a fast machine
And I'm gonna make it all right
Like Steve McQueen
Underneath your radar screen
You'll never catch me tonite

I ain't takin' shit off no one
Baby, that was yesterday
I'm an all American rebel
Makin' my big getaway
Yeah, you know it's time
I gotta fly

Like Steve McQueen
All I need's a fast machine
And I'm gonna make it all right
Like Steve McQueen
Underneath your radar screen
You'll never catch me tonite

We got rock stars in the White House
And all our pop stars look like porn
All my heroes hit the highway
'Cause they don't hang out here no more

You can call me on my cell phone
You can page me all night long
But you won't catch this free bird
I'll already be long gone

Like Steve McQueen
All we need's a fast machine
And we're gonna make it all right
Like Steve McQueen
All we need's a fast machine
And we're gonna ride it, all right
Like Steve McQueen
Underneath your radar screen
You'll never catch me tonite

Sheryl Crow.


Hoy me ha comio la lengua el gato. Saludos ;)

jueves, 24 de diciembre de 2009



24 Veces por Segundo os desea Feliz Navidad

martes, 22 de diciembre de 2009

La Gran Aventura de Silvia


La gran aventura de Silvia o, en su titulo original, Sylvia Scarlette (EE.UU, 1935) es una pelicula de George Cukor protagonizada por Katharine Hepburn, Cary Grant y Brian Aherne.

Basada en la novela de Compton MacKenzie, La gran aventura de Siliva, nos cuenta como un padre y su hija, Henry y Sylvia Scarlett (Brian Aherne y Katharine Hepburn) se ven obligados a huir de su pais tras descubrirse los negocios sucios del padre. Sylvia, huérfana de madre, se hace pasar por un chico para poder huir con su padre sin levantar sospechas.
En el barco en el que viajan, Henry le confiesa a un desconocido, Jimmy Monkley, (Cary Grant) que lleva escondida una cierta cantidad de dinero. Una vez en la aduana, Jimmy le delata para que no se fijen en él, que también practica el contrabando.
Más tarde, los tres vuelven a coincidir en un tren, Jimmy les explica el truco y los tres deciden asociarse para ganar dinero fácil en Inglaterra como timadores y estafadores.

Es curioso, después de decir varias veces en este blog, que mi actriz favorita es Katharine Hepburn, que mi primera publicación de una pelicula protagonizada por ella sea precisamente esta.
No es una pelicula que tuviese mucha repercusión. De hecho, no fue taquillera en su época, pero creo, y si no que alguien me corrija, que fue la primera pelicula protagonizada por el duo Hepburn-Grant a la que le seguirían grandes éxitos como La fiera de mi niña, Vivir para gozar o Historias de Filadelfia. Sin duda, las geniales interpretaciones son lo mejor de la pelicula. Se nota la complicidad entre los actores y eso hace que disfrutemos mucho más la misma. Y aunque, tanto Grant como Hepburn hacen unas interpretaciones magníficas, destaca más Katharine por tener el papel más complicado, aunque la verdad es que viéndola actuar en los dos personajes que de ella requiere este film, como Sylvia y como Sylvester, yo diría que estaba mucho más cómoda como Sylvester. Se nota que estaba mucho más cómoda dentro de unos pantalones y una chaqueta que dentro de un vestido de los de aquella época, sólo hay que verla saltando vallas o corriendo. Si no hubiera sabido que dentro de ese traje estaba Katharine, hubiese jurado que era un chico.
En la vida real era una gran atleta, cosa que le sirvió en esta pelicula, y ya no sólo para interpretar, sino para salvar su propia vida y la de su compañera de reparto Dennie Moore, pues según contaba, en la escena en la que la doncella interpretada por Dennie Moore se está ahogando y ella tiene que lanzarse mar adentro para salvarla, la marea estaba muy mal aquel dia y Dennie se estaba ahogando de verdad y por poco se ahogan las dos si no llega a ser por el estado físico de Katharine y su experiencia como nadadora.
Como curiosidad, decir que para representar este papel, Katharine rememoró su infancia en la que, y esto es una anécdota real contada por ella misma, se cortó el pelo como un chico y obligó a toda la familia a que la llamaran Jimmy.
Pero eran malos tiempos para la muy comentada ambigüedad sexual y estética de Kate, y aunque ahora disfrutemos viendo en la pantalla a una actriz tan grande caracterizada como Sylvester, estamos hablando del año treinta y cinco y de Estados Unidos, aunque la pelicula parezca francesa y de los años cincuenta. Claro que también estamos hablando de George Cukor y tanto Cukor como Hepburn eran seres adelantados a su época.

Cary Grant, por su parte, creo que inmortalizó con esta pelicula su atuendo de afable galán. Hasta como estafador nos resulta encantador y amigable.

Quizás podriamos calificar esta pelicula de comedia, aunque no sería del todo cierto, pues George Cukor incluye en esta comedia ciertas dosis de dramatismo marcados por los celos, la locura, el suicidio o ciertos temas de relevancia como los juegos de identidad sexual o el ideal amoroso. No es una pelicula enteramente dramática, cómica ni romántica pero toca todos estos aspectos.
Sobretodo es especialmente divertida gracias a unos sagaces diálogos, unas interpretaciones geniales de unos personajes muy marcados y una historia entretenida.

Uno de los actores que tiene gran relevancia en esta pincelada dramática de la pelicula es Brian Aherne (Henry Scarlett) el cual va tomando más protagonismo en la pelicula a medida que avanza el metraje. Su personaje sin duda lleva casi todo el peso de la carga dramática del film.

En definitiva y a lo que me refiero diciendo todo esto es que creo que muy pocas peliculas de aquella época contaban historias sólo por contarlas. Esta no es una pelicula que haya marcado una época pero sin duda merece la pena un visionado o dos. Se garantizan sonrisas y alguna carcajada.

En la foto Katharine Hepburn hecha todo un chicazo.

Un saludo =)

lunes, 14 de diciembre de 2009

Escondidos en canciones (3)


Creo que hasta hoy no le he hecho justicia al titulo de la sección. Hasta este momento, las actrices que han aparecido por aquí, más que escondidas eran el titulo de la canción. Las canciones se hicieron por y para ellas.

En esta canción, aparece otra gran actriz, pero la canción no es por ni para ella, simplemente se nombra a ella... y a sus famosos guantes. Supongo que ya lo habreis adivinado... sí, se trata de Margarita Carmen Cansino o, si lo preferís, Rita Hayworth.

La canción se llama Tan Joven y Tan Viejo, su autor Joaquín Sabina y la joya de disco donde aparece se llama Yo, Mi, Me, Contigo que contiene otras joyitas como El Rocanrol de los Idiotas, Contigo, Y Sin Embargo, Aves de Paso o Jugar por Jugar.
Hoy no tengo mucho que contar sobre esta canción, no trata sobre Rita Hayworth, no habla de ella ni es un homenaje, pero es una preciosidad y cumple el requisito de la sección, que era que escondiese el nombre de algun protagonista de la época dorada del cine, así que mejor dejo de escribir porque mi admiración por Sabina es muchísimo más grande que mi admiración por Rita Hayworth y esto se iba a convertir en un monólogo sobre el de Úbeda, y no es de lo que se trata.

Tan Joven y Tan Viejo:
http://www.youtube.com/watch?v=ud7EDpfMhkI


La letra:

Lo primero que quise fue marcharme bien lejos; en el álbum de cromos de la resignación

pegábamos los niños que odiaban los espejos
guantes de Rita Hayworth, calles de Nueva York.

Apenas vi que un ojo me guiñaba la vida
le pedí que a su antojo dispusiera de mí,
ella me dió las llaves de la ciudad prohibida
yo, todo lo que tengo, que es nada, se lo dí.

Así crecí volando y volé tan deprisa
que hasta mi propia sombra de vista me perdió,
para borrar mis huellas destrocé mi camisa,
confundí con estrellas las luces de neón.

Hice trampas al póker, defraudé a mis amigos,
sobre el banco de un parque dormí como un lirón;
por decir lo que pienso sin pensar lo que digo
más de un beso me dieron (y más de un bofetón).

Lo que sé del olvido lo aprendí de la luna,
lo que sé del pecado lo tuve que buscar
como un ladrón debajo de la falda de alguna
de cuyo nombre ahora no me quiero acordar.

Así que, de momento, nada de adiós muchachos,
me duermo en los entierros de mi generación;
cada noche me invento, todavía me emborracho;
tan joven y tan viejo, like a rolling stone.

Joaquín Sabina.


Espero que esta canción os endulce un poco el lunes. Saludos a tod@s.



viernes, 11 de diciembre de 2009

Escondidos en canciones (2)


La canción sobre la que hoy escribo tenia muchas ganas de que apareciera por aqui, y es que es especial porque he tenido la suerte de escucharla en directo, y no sólo eso; fue la canción que abrió el concierto de Suzanne Vega que tantos años esperé. Y más aún, fue la canción que primero me llamó la atención cuando me regalaron por primera vez un disco de Suzanne Vega.
No sé exactamente cuántos años hace que me regalaron este disco, pero hace años yo escuchaba mucho esta canción sin saber quien era esa Marlene a la que Suzanne se refería. Años más tarde leí en algún sitio que Suzanne había escrito la canción inspirándose en un póster de Marlene Dietrich que tenía en su habitación. De repente le puse cara a mi Marlene imaginaria de Marlene on the wall y la volví a escuchar como el primer dia y la canción adquirió un nuevo siginificado. Y ahora soy yo la que tiene una foto de Marlene en la pared...

Enlace del video:

http://www.youtube.com/watch?v=tHZV7NOqEY4

La letra:

Marlene On The Wall

Even if I am in love with you
All this to say, what's it to you?
Observe the blood, the rose tattoo
Of the fingerprints on me from you

Other evidence has shown
That you and I are still alone
We skirt around the danger zone
And don't talk about it later

Marlene watches from the wall
Her mocking smile says it all
As the records the rise and fall
Of every soldier passing

But the only soldier now is me
I'm fighting things I cannot see
I think it's called my destiny
That I am changing

Marlene on the wall

I walk to your house in the afternoon
By the butcher shot with the sawdust strewn
"Don't give away the goods too soon"
Is waht she might have told me

Marlene watches from the wall
Her mocking smile says it all
As the records the rise and fall
Of every man who's been here

But the only one here now is me
I'm fighting things I cannot see
I think it's called my destiny
That I am changing

Marlene on the wall

(Suzanne Vega)

El disco en el que aparece esta canción se llama Suzanne Vega, y además de esta canción también aparecen otras muy buenas como The Small Blue Thing o The Queen and the Soldier.


Os dejo también las palabras de Suzanne Vega sobre su admiración por Marlene Dietrich que, por lo que leo, creo que le surgió como a la mayoría de los que admiramos a Marlene: shock.

Suzanne on the title of the song:
"This song is called "Marlene on the Wall" and it was written for a poster of Marlene Dietrich that was on my wall at one time"

In concert: WDR2 Radio Session, Koln, Germany, February 28, 2002


"The idea of using a poster as a reference point is a very pop idea. It's a song about Marlene Dietrich. You kind of get that from it, or it's a song about a relationship. As opposed to "Today I am a small blue thing" in which some people think I'm speaking in code, or it's a riddle they have to break. It's more like "Let's pretend," like a kid's game. If you were a small blue thing, what would you be? Well, you'd be like a marble or an eye. It's pretty straight-forward."

Interview with Paul Zollo in Song Talk, Vol. 2, #16, Winter 1991, also published in "Language", 5:1 August 1992, (http://www.vega.net/songtal1.htm) trancription by Steve Zwanger


Suzanne explaing the motivation to write the song:
"It was written for the actress Marlene Dietrich. That's the Marlene that I am talking about in this song. And the very first time that I ever saw Marlene Dietrich was one night when I was watching television, I was in my apartment sitting in the East Village in New York City which is where I'm from. So there I was and I turned on the TV set. It was one of those old sets that take a while to warm up. So I turned on the knob and you get the little tiny dot in the middle of the screen. And I hear this man's voice saying, "You have lead many men to death with your body." I was like "Alright!". because I didn't see anything, you know, I didn't know who the guy was, who he was talking to. And for a split second I had this fantasy, what if someone came to my door and said that to me? What would I say? And I thought that I would probably apologize. I would probably be like "Oh, I'm terribly sorry, are you sure it was me? It might have been so-and-so down the hall." So, I was curious to know what who ever he was talking to would say. Of course right then the picture came on and there's Marlene Dietrich's beautiful face in close-up. And her answer, of course, which is the only proper and logical one "Give me a kiss". So right from that moment I was just hooked. I watched the rest of the movie. I became a huge Marlene Dietrich fan. The photograph on the wall I'm singing about in the song, is one that someone had given me, back in the days when I was hanging out at Folk City. They gave it to me because they knew that I was a fan of her's. I had it framed and had it on my wall. The song is written from the point of view of the photograph of Marlene Dietrich looking down into my bedroom at that point when I was in my early twenties."

In concert: El Rey Theater, Los Angeles, CA, USA, November 20, 1996 (http://www.vega.net/elreytr96.htm) transcription by William C. Andrews


Suzanne on the character of Marlene Dietrich:
"I loved Marlene Dietrich for her image. Just her image. And that cruel streak which I find attractive. Then I read biographies and feel sad. Along with her cruel streak there's all this other stuff that I wish I didn't know." ….kindness to me is only powerful if it has the cruel streak behind it. If someone is kind all the time under all circumstances, they're just simple-minded. Kindness is only worth something if you have the cruel streak to back it up."

Salon.com interview, by David Nowman, February 17, 1999


Suzanne on the song:
"Well, it's accessible and people do like it, but for me, personally, inside myself, I feel I had something in mind, and I kind of did it, it was stylish, it was interesting, but I didn't feel it was quite the bulls-eye that some of the others were. The idea of using a poster as a reference point is a very pop idea. It's a song about Marlene Dietrich. You kind of get that from it, or it's a song about a relationship. "

Interview with Paul Zollo in Song Talk, Vol. 2, #17, Spring 1992, also published in "Language", 5:1 August 1992, (http://www.vega.net/songtal2.htm) trancription by Steve Zwanger


Feliz viernes a tod@s.

miércoles, 9 de diciembre de 2009

Escondidos en canciones (1)

¿No pensais que a este blog le falta algo? A mi me falta un poco de música. Pero no creais que cambio la temática del blog, ni mucho menos. Hoy empiezo una sección que no sé para cuanto dará y que, seguramente, iré intercalando con otras publicaciones.

En esta nueva sección aparecerán canciones en las que se esconde el nombre de algún actor, actriz, director... A veces estarán escondidos, a veces su titulo mismo nos lo dirá. Existirán muchas canciones interesantes que desconozca así que espero que participeis aportando lo que querais, eso sí, que tenga que ver con el cine clásico. Espero que os guste. Si pensais que es una pérdida de tiempo, también podeis decírmelo, sinceramente.

Abrimos este apartado con una canción que descubrí por primera vez en un disco doble llamado Vuelo 605. Vuelo 605 era el nombre del programa de radio del locutor Ángel Álvarez, que se editó para conmemorar sus más de treinta años al mando del programa. Una de las canciones que aparecían en este disco era Bette Davis Eyes, cantada por una tal Kim Carnes.

La canción fue escrita en 1974 por Donna Weiss y Jackie DeShannon, pero no sería hasta 1981, cuando Kim Carnes hizo una versión de la misma, cuando la canción se convirtió en un éxito.
El disco en el que aparece, Mistaken Identity, vendió alrededor de ocho millones de copias.

Bette Davis Eyes fue bien acogida por el público en general y por la propia Bette Davis en particular, quien agradeció a Kim Carnes hacerla partícipe de "los tiempos modernos"
Pero no sólo se nombra a Bette Davis pues, en la canción, también aparecen los nombres de Jean Harlow y Greta Garbo. Al parecer, la chica de la que nos habla la canción tenía el pelo dorado de Jean Harlow y, lo que yo traduzco, como el halo de misterio de Greta Garbo, pero sobre todo, los ojos de Bette Davis.

El año pasado, la actriz Gwyneth Paltrow hizo una versión de esta canción, pero yo sin duda me quedo con la voz rota de Kim.

Os dejo el enlace del video, porque mi ordenador lleva dos horas procesando el video. Espero que la próxima vez pueda insertar el video bajado directamente.

http://www.youtube.com/watch?v=EPOIS5taqA8

Y aquí la letra:

Her hair is Harlow gold
Her lips a sweet surprise
Her hands are never cold
She's got Bette Davis eyes

She'll turn her music on you
You won't have to think twice
She's pure as New York snow
She's got Bette Davis eyes

And she'll tease you
She'll unease you
All the better just to please you
She's precocious
And she knows just
What it takes to make a pro blush
She's got Greta Garbo's stand off sighs
She's got Bette Davis eyes

She'll let you take her home
It whets her appetite
She'll lay you on her throne
She's got Bette Davis eyes

She'll take a tumble on you
Roll you like you were dice
Until you come up blue
She's got Bette Davis eyes

She'll expose you
When she snows you
Off your feet with the crumbs she throws you
She's ferocious
And she knows just what it takes
To make a pro blush
All the boys think she's a spy
She's got Bette Davis eyes

And she'll tease you
She'll unease you
All the better just to please you
She's precocious
And she knows just
What it takes to make a pro blush
All the boys think she's a spy
She's got Bette Davis eyes

She will tease you
She'll unease you
Just to please you
She's got Bette Davis eyes

She'll expose you
Then she snows you
She knows you
She's got Bette Davis eyes

(Donna Weiss/Jackie DeShannon)

Saludos para todas y todos y viceversa.

sábado, 5 de diciembre de 2009

Audrey Hepburn, la biografía.

Ahora que vienen unos cuantos días de puente y, según dicen, de lluvia, es un buen momento para hacernos un viaje a un sitio de montaña a una cabaña con chimenea o para leer un buen libro, entre otras cosas. Si no tenemos dinero para lo primero, seguro que para lo segundo sí.

Audrey Hepburn la biografía es un libro escrito por Donald Spoto. He de admitir que al ver la mayoría de las peliculas que Audrey portagonizó tenía la sensación de que leería la biografía de una mujer débil, criada entre algodones, una niña mimada convertida en estrella. Nada más lejos. Muchos conocen a la princesita de Vacaciones en Roma, a la excéntrica señorita de Desayuno con diamantes. Las peliculas de Audrey en su mayoría nos mostraban a Audrey en una vida fácil y cómoda. (salvo excepciones como Historia de una monja o Sola en la Oscuridad, por ejemplo) Nadie nos dijo que Audrey pasó su infancia en Holanda durante la Segunda Mundial, que su padre la abandonó cuando era pequeña, que su madre tuvo que cambiarle el nombre para despistar a los nazis, porque sonaba demasiado inglés, que uno de sus hermanos fue llevado a un campo de concentración y el otro se perdió en los ataques de resistencia o que un tío y un primo fueron fusilados.
Tampoco que los nazis le quitaron la casa a su familia y que pasó tanta hambre que llegó un momento que estaba tan famélica que no podía mantenerse en pie llegando a pesar cuarenta y cinco kilos para metro setenta de estatura. De hecho, dicen que nunca recuperó la masa muscular desde entonces.
Tampoco nos dijo nadie que entró a formar parte ya de pequeña de la resistencia, que se unió a un grupo de niños que organizaban bailes en casas propias y que el baile era la excusa para que los niños trasladaran la información entre los miembros de la resistencia ni que se adentró en el bosque siendo una niña para ayudar a un miembro de la resistencia británico que se había escondido en el bosque sin que los alemanes lo supieran y al que había que sacar de allí, y ella fue, porque hablaba inglés a darle nombres de refugio y gente que podía ayudarlo. Cuando volvía al pueblo después de ayudar al paracaidista británico se topó con soldados alemanes que le preguntaron en alemán de donde venía. Ella, fingiendo que no entendía lo que les decía, les sonrió y les dio un ramillete de flores. O, por ejemplo, que saltó una vez de una camioneta que se dirigía a un campo de concentracion cuando el vigilante se despistó.

El sueño de Audrey no era ser actriz, era ser bailarina y, desde luego, su físico le acompañaba para ello, pero su destino no. La sensación que me da al leer la bigrafía es que Audrey fue una actriz por accidente, que nunca quiso ser actriz, que siempre quiso ser bailarina y que, por eso, nunca estaba contenta con sus papeles y siempre pensó que su carrera de actriz le quedaba grande. Tampoco ayudó que su madre nunca le apoyase y nunca le dijese unas palabras alentadoras.
Su timidez, dulzura y humildad hacen de Audrey una actriz muy especial, ya sea por sus circunstancias o por su personalidad. Y no lo dice sólo esta biografía, todos los comentarios que he podido leer o escuchar en libros o documentales destacan la amable personalidad de Audrey.

Esta biografía nos habla de la persona y la actriz, pero yo destaco a la persona, a la niña que participó ayudando a la resistencia, a la maravillosa pero, sobre todo, humilde actriz, a la mujer que mantuvo económicamente a su padre y a la pareja de este durante toda la vida de ambos aún habiéndola abandonado, a la Audrey que, desde que hizo su última aparición en el cine hasta su muerte, dedicó toda su vida y sus esfuerzos a Unicef.

Dejo esta foto, porque aunque ser la reina de la elegancia está muy bien, esto está mucho mejor.

Maravillosa e irrepetible Audrey.

domingo, 29 de noviembre de 2009

¿Qué fue de Baby Jane?


¿Qué fue de Baby Jane? es un pelicula de 1962 dirigida por Robert Aldrich y protagonizada por Bette Davis y Joan Crawford. Un drama que nos habla, entre otras cosas, de celos, envidia, odio, éxito, fama, decadencia, locura y juguetes rotos.

Un drama terrorífico, inquietante, demente, perturbador, una obra maestra. Basada en la novela de Henry Farrell con guión de Lukas Heller, Robert Aldrich supo contar con maestría esta inquietante historia, que se hace más inmensa e inconmensurable con las interpretaciones de Bette Davis y Joan Crawford; precisamente dos de las mejores actrices del cine que no se encontraban precisamente en el mejor momento de sus carreras. De hecho, a principios de los años sesenta, Bette Davis era considerada solo una gloria del pasado así que se encontraba sin trabajo, pero se le ocurrió poner un anuncio anónimo en un diario de Hollywood solicitando empleo y fue contratada para trabajar en esta película con el que recibió una nominación al Óscar.

La pelicula comieneza con una gran metáfora de una muñeca rota, una muñeca Baby Jane. Baby Jane Hudson (Bette Davis) fue una estrella infantil caprichosa y adorada por su padre que tuvo tanto éxito de niña que incluso se hacían reproducciones de ella misma en muñecas de tamaño natural. No le sucedía lo mismo a su hermana, Blanche Hudson, ignorada por su padre y por el público de la época.
Sin embargo, años más tarde, será Blanche la que coseche éxitos como actriz en el cine, y Baby Jane Hudson falta de talento, será olvidada por el público y se verá obligada a ser mantenida por su hermana, algo que nunca podrá superar.

Tras un misterioso accidente de coche, Blanche quedará postrada en una silla de ruedas al cuidado de su hermana Jane. Las dos actrices vivirán desde entonces retiradas el final de sus vidas, complaciéndose la una en atormentar a la otra, inválida.

Con una gran carga dramática, esta película que no sé si califiicar directamente de terror psicológico es una obra maestra del cine; imprescindible aunque sólo sea por ser testigo de ese gran duelo interpretativo entre Davis y Crawford, que como muchos de vosotros sabréis se odiaban en la vida real. Tanto es así que en una escena en la que el personaje de Davis golpea al de Crawford en la cabeza, ésta le golpeó tan fuerte que Crawford necesitó puntos ; o en otra en la que Davis debia arrastrar a Crawford, Crawford se colocó piedras en los bolsillos para que Davis se dañara la espalda.
Como anécdota un poco menos gore, la que dice que durante el rodaje, Bette Davis tenía una máquina dispensadora de Coca Cola instalada en el set para así enfadar a Joan Crawford, ya que su esposo era un alto ejecutivo de Pepsi.
Esto sin contar las maravillosas frases que Davis dedicó a Crawford como: «No la mearía aunque estuviese ardiendo en llamas» o «Ha dormido con todas las estrellas de la MGM, menos con la perra Lassie» o la tan humorísticamente negra: «Uno nunca debe decir cosas malas sobre los muertos, sólo se deben decir cosas buenas... Joan Crawford está muerta, ¡qué bien!»

No sé si esto tuvo algo que ver en que las dos hicieran unas interpretaciones tan soberbias, sobre todo Davis, que tiene el personaje más complejo, porque desde luego, aún no he visto una pelicula en que Bette Davis interprete mal. De hecho, creo que lo mejor de la pelicula son las interpretaciones de estas dos grandísimas actrices y lo peor también son las interpretaciones, pero en el sentido de que son tan buenas que se comen las interpretaciones de los personajes secundarios.

Aparcando un poco el tema interpretativo, también hay que hacerle justicia a la fotografía de Daniel Heller, que no tuvo reparos en mostrar la decadencia física y la vejez de la dos actrices en unos contrastes de luces y sombras maravillosos. Otra de las anécdotas de ésta película y, haciendo referencia a la fotografía feísta que tanto ayuda a la película, es que Bette Davis se negaba a quitarse el maquillaje después de cada día de rodaje, con la intención de acumularlo para que su personaje se viera más ajado y tétrico a medida que iba perdiendo la razón.
Uno de los síntomas de ésta pérdida de la razon de Baby Jane Hudson es su "regresión" a la infancia, cuando se viste como cuando era una niña y canta su famosa canción "I've written la etter to Daddy", que si una agudiza bien el oído la puede oír constantemente durante toda la película convenientemente distorsionada a medida que la historia se vuelve más negra y agobiante. Una banda sonora muy inteligentemente pensada por Frank DeVol.

No quiero olvidarme de los personajes secundarios, sobre todo de Víctor Buono, el bobalicón pianista que casi se convierte en nuestra única vía de escape de la tétrica casa de las hermanas Hudson y que recibió una nominación al Oscar por esta película.

Imprescindible película con una gran transfodo en el que, si sabemos ver más allá de la sórdida historia, nos habla sobre la condición humana, las relaciones familiares, las mieles y hieles del éxito, la envidia, los celos, el equilibrio o más bien, desequilibrio mental. Todo ello, bajo la batuta de un director de cine crítico, las interpretaciones de dos de las mejores actrices que ha dado el cine, una maravillosa fotografía y unos diálogos inteligentes y llenos de humor negro. Con estos ingredientes y un maravilloso final con una escena que mantiene la línea de toda la película: bella e inquietante, quien se resiste a verla.

Hoy es un buen día para verla. Disfruten del domingo.

PD: En la imagen Bette Davis con la actriz que interpreta a la pequeña Baby Jane Hudson.La imagen no pertenece a la pelicula.

domingo, 22 de noviembre de 2009

Sola en la Oscuridad.


Creo que es la primera vez que escribo en el blog sobre una pelicula en technicolor, si no me falla la memoria. Y es que la pelicula sobre la que escribo hoy se estrenó en 1967.

Dirigida por Terence Young y producida por Mel Ferrer, es una adaptación de Robert Howard-Carrington y Jane Howard -Carrintgton de la obra escrita por Frederick Knott.

Sola en la Oscuridad, originalmente titulada Wait Until Dark comienza con una escena en la que un, a simple vista inocente, señor mayor introduce droga en el interior de una muñeca, que le entrega a una modelo, Lisa (Samantha Jones) para que la lleve a su destino. Pero Lisa se da cuenta al llegar al aeropuerto de destino que está siendo vigilada y se ve obligada a darle la muñeca a un desconocido, Sam Hendrix (Efrem Simbalist Jr.) en el aeropuerto. Sam, un fotógrafo profesional, se lleva la muñeca a su casa creyendo que Lisa irá a recogerla y se despreocupa de ella, hasta el punto de perderla, sin saber las consecuencias que esto conllevará pues, al cabo de un tiempo, Mike Tarman (Richard Crenna) y Carlino (Jack Weston), dos delincuentes que tratan de recuperar la droga, se dan cita en el apartamento del fotógrafo con Roat (Alan Arkin), un despiadado criminal al que no conocen, que les dice que ha asesinado a la modelo por haberle intentado traicionar. Entre los tres trazarán un plan para intentar recuperar la muñeca, pero cuando están en plena negociación, llega Susie (Audrey Hepburn) la pareja de Sam, una mujer invidente con los sentidos y la inteligencia bastante agudizados.

Sola en la Oscuridad es una gran pelicula de suspense. Es un thriller de los que te mantienen pegados a la silla, de los que te dejan con el ganchito a mitad de camino hacia la boca. Hacía tiempo que no veía una pelicula que me mantuviera tan atenta y tan tensa como ésta y hacía tiempo que no veía a Audrey Hepburn como la gran actriz que en el fondo era, si le hubieran dado más oportunidades de demostrarlo con papeles como este. Aunque nunca estuviese contenta con sus interpretaciones debido a su gran inseguridad, en esta pelicula hizo un gran trabajo. Ni siquiera se quiso poner lentillas que ayudaran al espectador a creerse que el personaje de Susie era invidente y lo hizo maravillosamente sin ellas.

La maravillosa fotorgrafía de Charles Lang, utilizando de forma exagerada la luz sobre el rostro de Audrey es absolutamente maravillosa. Es una de las grandes bazas de esta pelicula, la fotografía, que creó un maravilloso juegos de luces, sombras, contraluces, claroscuros, oscuridades parciales y oscuridades absolutas. Al igual que la banda sonora de Mancini, que sabía perfectamente llevar al espectador a donde el director pretendía a través de su música, en este caso al estado de tensión permanente.

Son muchos los aspectos que hacen de esta una gran pelicula: una excelente fotografía, una música adecuada, una iluminación excelente, unos diálogos inteligentes y de los que no sobra ni una linea para que el espectador pueda seguir la historia sin dificultad, porque eso sí, puede que la historia sea demasiado enrevesada, pero el resultado es muy bueno, gracias también y como he dicho antes a una maravillosa Audrey Hepburn, que hizo uno de los mejores papeles de su vida y a unos secundarios muy acertados, sobre todo el malo malísimo Roat (Alan Arkin) que interpreta muy bien sus tres papeles en esta pelicula, siendo igual de odioso en los tres. El duelo entre la inteligencia y la agudeza sensitiva de ella y la fuerza bruta de él es uno de los mejores momentos de la pelicula.

Y por último y no menos importante la gran dirección de Terence Young, que supo adaptar una obra de teatro al cine con gran inteligencia, sin más decorado que un piso y algunas veces la calle, sin que la pelicula resulte aburrida en absoluto.

Además de ser una pelicula de suspense, Sola en la Oscuridad es el ejemplo de superación de una mujer discapacitada que, aunque cree que su ceguera la limita bastante, tiene que hacerse valer por sí misma o morir en el intento. Como ella misma dice "¿quieres que sea la campeona del mundo de los ciegos"? Pues bueno, al menos quedó subcampeona, poruqe vamos, a mi me hubiesen matado en el minuto uno.

Como curiosidad, decir que cuando fue estrenada en los cines, éstos disminuían la luz todo lo posible y después se apagaba una luz según se iban apagando las luces del apartamento en la pelicula, hasta que la sala se iba quedando completamente a oscuras.

Muy recomendable, sin duda.

Que disfruteis del domingo.


viernes, 20 de noviembre de 2009

Lauren Bacall recibe el Oscar honorífico.


No creo que yo haya sido la única extrañada ante esta noticia. Y no por el hecho de que Lauren Bacall reciba un Oscar honorífico de la Academia, sino porque creo que una actriz mítica como Bacall, que recibe un Oscar honorífico (y único en su carrera) a los ochenta y cinco años, merece recibirlo desde el centro del escenario con una ovación de la audiencia, puesta en pie.

Lauren Bacall, que comenzó su carrera con apenas diecinueve años con la pelicula Tener o no tener, dirigida por el gran Howard Hawks y co-protagonizada por Humphrey Bogart, tiene una lista de clásicos a sus espaldas y a sus años como Cayo Largo, El Sueño Eterno y Mi desconfiada Esposa. Con la mirada más intimidatoria de todo el cine, Lauren se merecía algo más que recibir su Oscar honorífico en una cena. La cena en cuestión es la Governor's Awards, que reconoce a veteranos de la industria, y la encargada de entregarle el premio fue Angelica Houston.

No obstante, desde la Academia aseguran que Bacall recibirá un homenaje en la ceremonia el siete de marzo.

Además de Bacall, también fueron premiados con la estatuilla el realizador Roger Corman y el director de fotografía Gordon Willis.

Creo que no soy la única que está en desacuerdo con estos premios entregados fuera de tiempo, pues la mayoría de la gente no se entera de nada. Así que desde aqui, y sé que me lee, agradezco a mi querido amigo Fran por tenerme al tanto de estas noticias. Sabes que mi afición al cine clásico sin nuestras charlas no sería lo mismo.

Buen fin de semana a todos.

domingo, 15 de noviembre de 2009

El Invisible Harvey


Los Pooka, dicen, son extrañas criaturillas, duendes que aparecen en los caminos apartados y, en forma de animal, se ofrecen mansamente a los viajeros, llevándolos a través de profundas sendas bajo un fantástico sortilegio, hasta extraviarlos y arrojarlos luego a un cenagal.

Harvey era un pooka que se le apareció en forma de conejo blanco de dos metros a Elwood P. Dowd, un hombre que prefirió ser bondados a inteligente; la bondad hecha persona, la amabilidad y la cortesía reencarnadas en Elwood gracias a la maestría de un genio de la interpretación llamado James Stewart. Hasta ahí no habría ningún problema, sino fuera porque Harvey sólo está dentro de la imaginación de Elwood y además es su más fiel compañero a la hora de ingerir martinis. Elwood, que vive con una hermana y la hija de ésta, nos es presentado como un obstáculo y vergüenza para su familia de la alta sociedad. Por esto, su hermana Veta (Josephine Hull) decide internarlo en un psiqiátrico con inesperado resultado.

Titulada originalmente Harvey y basada en la obra teatral de Mary Chase con un guión de Mary Chase y Oscar Brodney y dirigida por Henry Koster en 1950, Harvey es una comedia que, a simple vista, puede parecernos, sólo eso, una simple comedia más bien tonta para pasar el rato. No hay críticas propiamente dichas en esta película, sin embargo, el concepto de salud mental se cuestiona por completo. A Elwood se le señala por ser un loco, por no ser "normal" pero sólo tenemos que fijarnos en como actúa el resto de personajes y como actúa él para saber que el más "normal" de todos ellos es Elwood, aunque vea a su conejo blanco de dos metros. Al final, el loco es el ejemplo de lucidez. Es más, yo creo que todos terminamos viendo a Harvey en la pelicula, gracias al énfasis de James Stewart.

Elwood ve a un conejo de dos metros, ¿por eso merece ser encerrado? Elwood es feliz, no hace daño a nadie, yo diría que al reves, hace a la gente más bondadosa. Como dice él mismo: Hace años mi madre solía decirme: “En este mundo, Elwood, tienes que ser..” – ella siempre me llamaba Elwood – “En este mundo, Elwood, tienes que ser o muy listo o muy bondadoso”. Bueno, durante años fui listo. Yo recomiendo ser bondadoso.

Contaba Stewart en una entrevista que en la versión original, Harvey medía 1'90, pero que al medir él mismo 1'90 se modificó la altura inicial de Harvey en 2'09 (curioso dato el de los 9 centimetros) para que Stewart pudiera mirar hacia arriba. El actor estaba muy orgulloso de esta pelicula, y no es para menos pues, como siempre, está inmenso en la pantalla, aunque no ganara el Oscar. La que sí se llevó el Oscar como mejor actriz secundaria fue Josephine Hull, la hermana de Elwood en la pantalla, que ya había interpretado el mismo papel en Broadway años antes. La actriz que interpreta a Myrtle Mae, Victoria Horne da un poco de grima pero bueno, creo que de eso se trataba.

El reparto en general es sensacional, el ambiente y el mensaje de la pelicula recuerdan mucho a Fran Capra, que ya es decir algo, sin demerecer al propio director Henry Koster.

Me voy a la cama, a ver si sueño con pookas. Buenas noches.

jueves, 12 de noviembre de 2009

Hallada una película de Chaplin desconocida


Al parecer, las compras en eBay traen regalos, como los huevos Kinder, bastante interesantes.

Yo he comprado un par de veces y en mis productos no venía ninguna sorpresa, pero al leer esto, creo que al igual que Charlie Bucket en Charlie y la fábrica de chocolate, lo seguiré intentando. Y es que Morace Park, que así se llama la afortunada criatura, compró una lata para guardar peliculas al módico precio de 3'5 en la conocida página de subastas, y en su interior encontró una bobina de negativos titulada Charlie Chaplin in Zepped. Aunque ya se está rodando en Los Ángeles un documental sobre el sorprendente descubrimiento parece que, tal y como pone en la noticia de la que a continuación pondré el enlace, en el film aparece Chaplin tomándole el pelo a un zepelín con el objetivo de quitar a la gente el miedo a los ataques aéreos.

Y mis preguntas son: ¿absolutamente nadie había abierto esa lata?, ¿Chaplin nunca comentó la existencia de esta pelicula?, ¿quien era el dueño de la lata? en fin, son misterios por ahora sin resolver.

Para terminar, tengo que decir que yo sabía que Charles Chaplin, esté donde esté, allá en el olimpo de los genios, era y siempre será uno de los mejores directores, guionistas y actores, pero que estrene pelicula llevando muerto treinta y un años ya es demasiado.


Ala, os dejo, que voy a comprarme una latita.

Aquí teneis la noticia:

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Hallada/pelicula/Chaplin/desconocida/elpepuculcin/20091106elpepucul_2/Tes

lunes, 2 de noviembre de 2009

Recordando a Kate


"Katharine Hepburn inspira porque habla directamente al corazón de una manera muy inteligente. La razón por la que ha conservado ese poder es que durante el útlimo medio siglo ha proporcionado - sobre todo - un tesoro de imágenes que representan valores humanos imperecederos: valor, independencia, verdad, idealismo y amor. Ella es lo romántico."

-¡Por Dios! - exclámó Kate-. No soy lo romántico. Esa es Marilyn.

-No -repliqué- Monroe es sexo y objeto de deseo...y una víctima. Usted me dijo que siempre que la había visto le había recordado una "hoja solitaria arrastrada por el viento".

- La Garbo, entonces -propuso Kate.


- No -dije- Creo que ella es el misterio...y también una víctima.

- Bueno, entonces no entiendo que quiere decir.

- Eva Lovelace, Jo March, Terry Randall con sus aspiraciones artísticas -dije-. Alice Adams con sus ambiciones sociales; Linda Seton, Tracy Lord, Tess Harding, Pat Pemberton, Bunny Watson, golpeadas por el amor, Rosie Sayer, Jane Hudson, Lizzie Curry, todas desesperadas por el amor; Mary Tyron, Christina Drayton, Ethel Thayer, incluso Leonor de Aquitania, todas recordando la gloria temprana de su amor. ¿No lo ve? Todas son soñadoras, creen en lo que hacen, son aventureras, mujeres valerosas que permanecen fieles a sí mismas pero logran cambiar y crecer y aportar algo a los otros. Eso es lo que quiero decir con lo romántico.

-De acuerdo -dijo-. No discutiré con usted.

-Bien, fantástico.


-¿Siempre ha de tener la última palabra?


-Sí.


[Recordando a Kate, de A. Scott Berg]

Recordando a Kate es una biografía de A. Scott Berg, sobre su amiga Katharine Hepburn. Me parece que es muy importante recalcar que Scott Berg era su amigo, porque ésta biografía más que eso, una biografía donde un autor recopila información sobre la vida de alguien, es una gran ventana a los recuerdos de Berg sobre Katharine, a las conversaciones que ambos mantuvieron durante dos décadas, a los casi cien años de vida personal y siete décadas de vida profesional (la más larga de una actriz en la historia), una vida que ella guardó celosamente hasta su muerte, pues la única condición que Katharine puso a Berg era que su biografía fuese publicada cuando ella muriese pues pensaba que las biografías eran la aceptación del fin de la vida profesional, y ella sólo estuvo dispuesta a bajarse del escenario a los 85 años, cuando sus problemas de salud empezaron a hacer grandes estragos en su estoica vitalidad.

Recordando a Kate es la biografía más no-biografía que he leido, pues está construida con los recuerdos y las conversaciones de la propia Kate, reflejando su personalidad, sus pensamientos sobre la vida, sobre su vida, sobre su carrera profesional, sobre sus valores y sus principios, que no eran pocos, y de esta forma el autor parece ser un mero transmisor de lo que él vivió al lado de Kate, una mujer fuerte, valiente, decidida, de gran y fuerte carácter, independiente y sobre todo muy, muy inteligente. Además de la única actriz ganadora de 4 premios Oscar (de los que no recogió ninguno, fueron donados al Empire State Building de Nueva York. Hepburn admitió siempre que, si no iba a recogerlos, no debía tampoco tenerlos.) y 12 nominaciones.

Hoy me despido con estas dos frases:

Frank Capra
: Hay mujeres y luego está Kate

George Cukor: Hay actrices y luego está Kate


¿Hace falta que diga que es mi actriz favorita o se me ve el plumero ya bastante?

Enlace del video del tributo de la Academia a Katharine Hepburn en el año 2004:

http://www.youtube.com/watch?v=DbgSq35Y-dg

Enorme...

martes, 27 de octubre de 2009

Ninotchka


"La Garbo ríe" que tendrá la Garbo. Rios de tinta corrieron por todos los periódicos de la época anunciando que por primera vez en la pantalla, la actriz más querida del cine reía a carcajada limpia, igual que se anunció años antes "La Garbo habla".

El año 1939 ha sido calificado como el año más glorioso de la historia del cine: Joan Crawford interpretaba en Mujeres junto a Norma Shearer, Rosalind Ruseell, Paulette Godard y Joan Fontaine; Greer Garson debutaba en Adiós Mr. Chips; Bette Davis actuaba en La Vida Privada de Essex, Amarga Victoria, La Solterona y Juárez; Jean Arthur actuaba con Jimmy Stewart en Caballero sin Espada y en Sólo los Ángeles Tienen Alas con Cary Grant; Irene Dunne hacía Tú y Yo con Charles Boyer; Ginger Rogers bailaba con Fred Astaire en La Historia de Irene Castel; Judy Garland actuaba en El Mago de Oz y hasta Blancanieves aparecía en la pantalla con siete enanitos. Ese fue también el año en que la Garbo se transformaba en Ninotchka.

Poco después de que estallase la Segunda Guerra Mundial, Ernst Lubitsch dirige y produce un guión de Charles Brackett, Billy Wilder, Walter Reisch de la historia de Melchior Lengyel en la que una estricta agente comunista rusa, Ninotchka, es enviada a París a investigar el caso de tres delegados comerciales rusos que fueron enviados a París con la intención de vender una valiosas joyas que le fueron confiscadas a la duquesa Swana, exiliada de Rusia y actualmente residiendo lujosamente en Paris, que han sido seducidos por el estilo de vida capitalista.

La agente Ninotchka, llega a París con sus firmes ideales comunistas, que poco a poco se van convirtiendo en humo gracias al...si, lo estais adivinando, l'amour!

Quizás yo sea una persona rara, pero Ninotchka me gustaba más cuando era una estricta y rígida agente comunista, que cuando se compra un sombrero parisino y se pinta los labios y todo este cambio en...¡un dia!

Es cierto que no puedo opinar porque no me gusta el champagne, pero si provoca esos cambios en una mañana de resaca, sabe Dios que nunca lo tomaré. Quizás sea verdad lo que le dice León (Melvin Douglas) la noche de la cogorza, "has recorrido el camino de las cabras (leche de cabra) al champagne desmasiado deprisa"

Lo siento pero, aunque este cambio radical, deja demostrar a la gran Greta Garbo, que no sólo era capaz de interpretar papeles serios con cara de funeral y que puede reir, emborracharse, enamorarse y cantar, creo que todo queda bastante forzado. Lubitsch, en un intento de explicar que los comunistas son rígidos y serios, que no disfrutan de la vida y que unos días en un país capitalista te vuelven así de simpática y feliz, se pasa un poco. Y aquí es cuando llegamos al gran tema de la pelicula, que subyace tras la historia de amor de Ninotchka y León, el dualismo capitalismo - comunismo. No, no es un secreto que EEUU y la URSS hayan tenido sus rivalidades durante todo el siglo XX, pero este acoso y derribo propagandístico en plena Segunda Guerra Mundial me parece algo más que simple cine. Y es más, me atrevería a afirmar, que Lubitsch no fue nada tonto, pues al tirar el cebo de "La Garbo Ríe" cuantas personas irían a ver la película.

Ahora bien, no voy a entrar en un debate capitalismo o comunismo, tampoco vamos a aprender nada ni a cambiar nuestros ideales viendo esta pelicula, al menos en el 2009. Pero sí debo decir, que no me esperaba que esta pelicula tuviera tanto transfondo político, aderezado eso sí, con unos diálogos geniales, sobre todo por parte de una Garbo que es mucho más graciosa seria que alegre, como la escena en que Ninotchka y León se encuentran en el semáforo. Hay muchas escenas memorables en esta pelicula, sobre todo gracias a la gran Garbo, a Melvin Douglas y a los tres socarrones comerciales soviéticos, todos y cada uno de ellos geniales con un guión genial (si es que lo que tocaba Billy Wilder...)

Una pelicula memorable, aunque sea porque la Garbo... era la Garbo.

Y hoy me permito no poner la portada de la pelicula, porque hay una escena que merece más la pena.

viernes, 16 de octubre de 2009

¿Será el Sombrero?


¿Puede haber alguna similitud entre Chaplin y Hitler?

Ambos nacieron en 1889...ya está.

La búsqueda de unos antecedentes familiares que pudieran justificar el desequilibrio de Hitler indujo a la construcción de diversas historias acerca de sus orígenes. Sin embargo, lo único que aparece probado es que nació en el seno de una familia acomodada siendo el tercer hijo de un matrimonio formado por el inspector de aduanas Alois Hitler y su tercera esposa, Klara Pólzl. Más tarde, cuando sus padres murieron vivió de la herencia que le dejaron dedicándose a su mayor afición, el dibujo. Tenía 18 años, ya era mayor de edad.

¿Que hay de la infancia de Chaplin?
Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades de origen judío.
Chaplin nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth. No era un buen momento para la familia. El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah Hill se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles.
El fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna Hill, que comenzó a dar muestras de extravío. Ella y los niños pasaron a vivir en el asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un sanatorio frenopático. Chaplin tenía 7 años....

Leyendo estos antecedentes y sabiendo que los primeros años de la infancia determinan la personalidad de la edad adulta, ¿quien tenía más posibilidades o "disculpas" de volverse loco?

Sigamos. Durante los años siguientes, Hitler entró en contacto con el antisemitismo mediante las teorías de Liebenfels. Consiguió el poder en Alemania después de la Primera Guerra Mundial y estableció una dictadura totalitaria.Perseguía una agresiva política exterior para ampliar el Lebensraum (espacio vital) alemán, y desencadenó la Segunda Guerra Mundial con la invasión de Polonia.Al final de la guerra, las políticas de conquista territorial y subyugación racial de Hitler habían llevado muerte y destrucción a decenas de millones de personas, incluyendo el genocidio de unos seis millones de judíos en lo que se conoce como el Holocausto.

¿A que se dedicaba Chaplin, con su misma edad?
Al año siguiente de la muerte de su madre, con 8 años se unióa un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde también hizo otras giras, teatros y circos. A los 23 años firmaba un contrato con su primera productora y un año después llega a Hollywood. El resto es historia, rueda 35 cortos donde perfila al inmortal Charlot.
En 1921 regresó por primera vez a Europa para el estreno de "The Kid" y recibió una recepción multitudinaria, al tiempo que la severa crítica europea lo consagró como un genio del cine...a los 32 años.
El resto es historia. Chaplin escribe, dirige, protagoniza y crea la música de numerosas peliculas calificadas de geniales que siempre quedarán en la memoria colectiva.

Entre ellas, en 1940, al desatarse la guerra y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó The Great Dictator (El Gran Dictador), una divertida y feroz parodia del nazi-fascismo, criticando al nazismo como una infamia absolutista y Chaplin lo hizo en pleno auge del nazismo cuando era peligroso y útil. (y cuando nadie se atrevió porque cuando nadie se atrevió a producir tal pelicula considerandolo un acto suicida ante el poderío de los alemanes, Chaplin la dirigió, produjo y protagonizó)
Chaplin no era judío, aunque su madre al parecer sí lo era. Cuando tras el estreno de "El Gran Dictador" un periodista le preguntó directamente si era judío, él respondió secamente: "No tengo ese honor..."

¿Cada uno tiene lo que se merece?
En los últimos días de la guerra, Hitler y su nueva esposa, Eva Braun, se suicidaron en su búnker subterráneo de Berlín, mientras la ciudad era invadida por el Ejército Rojo de la Unión Soviética.

Charles Chaplin vivió el final de su vida en su casa de Vevey, Londres, su ciudad natal, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona, su esposa. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood, para recibir un Oscar de honor por la totalidad de su obra.
Murió a los ochenta y ocho años, rodeado de su familia, el día de Navidad de 1977. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director apreciadas por la crítica y celebradas por el público, un publico que sigue adorando a Chaplin generación tras generación.


Será el sombrero...


Hoy me despido quitándome el sombrero... ante Chaplin.

viernes, 9 de octubre de 2009

Tienda de Locos


Tienda de Locos (The Big Store) 1941 (Director Charles Reisner)

Tommy Rogers (
Tony Martin), cantante de éxito, heredero de una parte de los almacenes Phelps, pretende vender su parte del negocio para crear un gran conservatorio. Pero no cuenta con los planes del señor Groover (Douglass Doumbrille), el otro propietario de la mitad de la herencia, que contratará asesinos a sueldo para que asesinen a Rogers y así hacerse con el negocio entero. Pero sus planes se verán obstaculizados por su prometida (y muy rica) señora Phelps (la omnipresente Margaret Dumont) que contratará al detective privado Flywheel (Groucho Marx) para que vele por la seguridad de Rogers. Éste, con la ayuda de su (valga la redundancia) ayudante y chófer Wacky (Harpo Marx) y del amigo de Rogers, el músico Ravelli (Chico Marx) organizará un caos en estos grandes almacenes, más que para proteger a Rogers, para conquistar a la señora Phelps (todo hay que decirlo).

Hay que reconocer que no es una de esas grandes peliculas que una espera de los hermanos Marx. La trama es facilona, el caos es un continuo absurdo, los números musicales excesivamente largos, por no hablar de los efectos especiales. Aunque bueno estamos hablando del año 41, así que tampoco nos pongamos tan exigentes con los efectos especiales.
Yo atribuyo todo este caos de pelicula a que fue la última que los hermanos Marx hicieron con la Metro, un poco como para quitarse un peso de encima...no lo sé. Pero lo cierto, es que a pesar de todo esto, los hermanos Marx siguen siendo los hermanos Marx y los gags y gestos de Groucho siempre acaban convenciendo...un genio es siempre un genio. Así como las escenas musicales de Chico y Harpo, como la escena de piano a cuatro manos de los dos o la escena de Harpo con el arpa y los espejos, que es sublime. Decían de Harpo que cuando tocaba el arpa en las peliculas se olvidaba de actuar, y su cara ya no interpretaba un personaje. Sin duda, las escenas musciales de los hermanos Marx nunca sobraban en las peliculas. Las que si sobraban, en esta en concreto, eran las del cantante Tony Martin, o algunas excesivamente largas en las que también cantaba Groucho.

Aunque, para ser justa, diré que sé que es un error hablar del gusto musical del año 1941 desde el año 2009 y, supongo, que Tony Martin en aquella época sería una estrella o un proyecto de estrella y que las escenas musicales gustarían en la decada de los 40. Como actor, no era destacable, y se hace un poco pedante. Pero lo cierto es que no hay actores muy destacables en esta pelicula, salvo los hermanos Marx y la simpática Margaret Dumont. Groucho y ella formaban una pareja muy pintoresca. Hay que decir también que ésta fue la última pelicula en la que Dumont apareció con ellos.

En definitiva, una de las peliculas más flojas de los hermanos Marx, pero estupenda para un dia de domingo lluvioso, por ejemplo. Pero taparse, que no pilleis un resfriado como el mio.

Achus!



martes, 6 de octubre de 2009

¡Por el amor de Dios!... ¡Bette Davis!



A la mañana siguiente entrevisté a Blanche Sweet, una de las primeras estrellas del cine mudo -su carrera empezó en 1909-, en su pequeño apartamento del centro de la ciudad. A punto de cumplir ochenta y ocho años, aún era una mujer bella, perspicaz y de lengua afiladad. Estaba llena de felices recuerdos de su época como una de las primeras actrices de Samuel Goldwyn. Pero asimismo le entristecía el modo en que su carrera había caído en picado con los primeros pasos del cine sonoro. Tras pensarlo un poco, afirmó con orgullo que su carrera, que había durado casi veinte años, en realidad era más larga de lo que cualquier otra actriz podría pedir en el medio, en cualquier época. -Ni siquiera las grandes- dijo-pueden durar más. Algunos hombres consiguen permanecer más tiempo, pero en el caso de las mujeres siempre es una cuestión de juventud. Pickford y Garbo supieron abandonar a tiempo. Gish se convirtió en una actriz de carácter; Crawford pasó a ser un dibujo animado, interpretando a asesinas de hacha. Y Bette Davis hacía anuncios de zumo de naranja. ¡Zumo de naranja, por el amor de Dios!-exclamó- ¡Bette Davis! Solo se me ocurre una -dijo Blanche Sweet- que consiguió cruzar el campo de minas y es...

-Sé a quién se refiere -dije sin revelar mi reciente relación-, y aún pisa fuerte.


A. Scott Berg.

Extracto de la biografía de Katharine Hepburn, Recordando a Kate.



Como he expuesto justo arriba, esto es un trozo del libro que estoy leyendo ahora, una biografía de Katharine Hepburn. La biografía se publicó en el año 2003 pero esa entrevista a Blanche Sweet tanto como las realizadas a la propia Katharine fueron realizadas en los años ochenta, por si no os salen los calculos o las formas de los verbos en presente. Y no es que el escritor tardara veinte años en escribirla, sino que la propia Kate expuso su deseo de que esta biografía no fuese publicada hasta su muerte.


De este testimonio saco dos conclusiones:

1) Que Katharine Hepburn ha sido la mejor actriz que ha pasado por el cine, cosa que llevo pensando ya muchos años.
2) Que odio el zumo de naranja y Bette Davis era extraordinaria.


Bette Davis, we love you.

miércoles, 30 de septiembre de 2009

¡Qué Bello es Vivir!




¡Qué Bello es Vivir!
(It's A Wonderful Life, 1946)

Este imprescindible clásico de 1946 cuenta la vida de un hombre, George Bailey, el cual ha dedicado prácticamente toda su vida al bienestar de su comunidad y su familia. Al morir su padre, dueño de un empresa de empréstito, George se ve obligado a asumir la responsabilidad de la empresa familiar sacrificando su sueño de ir a la universidad.

Pero la ambición del señor Potter, uno de los accionistas de la empresa, lo lleva al borde del suicidio tras perder (que en realidad lo perdio su tio) una importante suma de dinero con la magnífica frase de "vales más muerto que vivo". Tras ésta "inyección de autoestima", George decide que lo mejor para él y para su familia, y ante el inminente escándalo que se cierne sobre él y su empresa, es quitarse la vida. Pero en él último momento, a George se le aparece Clarence, su ángel de la guarda...


¡Qué bello es vivir! es una pelicula llena de valores; como el ayudar a los demás, el olvidarse de sí mismo, la bondad del ser humano y la importancia de la comunidad. Y sobre todo nos recuerda que recibes lo que das, es decir, la relevancia y trascendencia de estos valores.
Su director, Frank Capra y su actor principal, Jimmy Stewart, no dudaban en afirmar que era su película favorita y, sin duda, Qué Bello es vivir, es una de las peliculas más hermosas de la historia del cine.

Aparte de su mágnifico transfondo, esta pelicula cuenta con unos personajes lleno de matices, magnificamente caracterizados, de personalidad marcada. Reconocemos al bueno y al malo, como en los cuentos de Navidad. De hecho, se dice que la película es una versión muy libre de Canción de Navidad de Dickens. Es una lucha continua entre el bien (Bailey) y el mal (Potter). Un bien y un mal muy bien interpretados, en primer lugar, por su protagonista Jimmy Stewart en el papel de George Bailey. Porque es cierto que es una pelicula interesante por sí misma, por la historia que cuenta, pero es indiscutible que sin Stewart no hubiera sido la misma pelicula. Fue una elección genial porque Stewart era un actor de calidad inmensa y además porque creo que la pelicula pretende que el espectador se sienta identificado con el personaje de Bailey y Stewart me parece un actor muy cercano, no como Gable o Bogart, por ejemplo. La gente puede verse reflejada en el personaje de Stewart; una persona joven que quiere marcharse a la universidad, irse de su pueblo y tener un trabajo mejor. ¿Quien no ha deseado o desea esto? (levanto la mano)
Jimmy Stewart era un actor genial y cercano y nadie mejor que él para este papel de muchacho buenazo y simpático que era Bailey en esta pelicula.

La actriz principal Donna Reed interpreta a Mary, la tipica chica que el espectador quiere que acabe escogiendo George para casarse con ella (en plan maruja). Además, desde el principio la presentan como una de las dos opciones de futura esposa de Bailey, ella o la arpía manipuladora de turno. El final es feliz y George y Mary, terminan casándose y teniendo cuatro hijos repipis y odiosos de pelicula americana.
Donna Reed también realiza una interpretación magnífica. Claro que no se espera menos de alguien que ha ganado un Oscar por De Aqui a la Eternidad.

Por último, y para no extenderme mucho, mencionaré a Lionel Barrymore (Potter), el malo malísimo. Actor estereotipado casi siempre en el papel de gruñón, en ésta pelicula no fue para menos y es que con esa cara...que malvado era el señor Potter...

Y no me puedo olvidar de Henry Travers, el famoso ángel de la guarda, llamado Clarence. Porque si Lionel era la maldad personificada, Henry era la cara oficial del ángel de la guarda de todo el mundo. Memorable su momento en la pelicula gritando "¡ayúdame San José!" cuando un policia se le echa encima...

Todos estos y más personajes conforman una trama espléndida con unos diálogos magníficos y sobre todo muy humanos, que nos hacen pensar y reflexionar sobre nuestra propia vida durante y después de la pelicula.

Qué Bello es Vivir fue nominada a cinco Oscar: Mejor película, director, actor (James Stewart), montaje y sonido. Pero (no sé si lamentablemente) aquel año fue el año de Los Mejores Años de Nuestra Vida, del grandísimo William Wyler.

Al margen de los Oscar ganados, Que Bello es Vivir es una de las mejores peliculas de la historia del cine o al menos, una de las más humanas, pero esa nominación creo que aún no existe. Y para muestra un botón:

«No la hice para los críticos aburridos ni para los intelectuales pedantes. La hice para la gente sencilla como yo; gente que quizás había perdido a su marido, o a su padre, o a su hijo; gente que estaba a punto de perder la ilusión de soñar, y a la que había que decirle que ningún hombre es un fracasado» Frank Capra.


Hoy me despido... cantando: «Búfalo no puede dormir, no puede dormir, no puede dormir...»

martes, 22 de septiembre de 2009

Testigo de Cargo




Testigo de Cargo (1957) es una adaptación para el cine que el gran Billy Wilder (co-autor también del guión) hizo de la obra teatral de la, también grande, Agatha Christie.

Billy Wilder podría encontrarse con muchos problemas para realizar sus películas pero, sin duda, la falta de actores y actrices geniales no era uno de ellos. En esta pelicula podemos disfrutar de (según la opinión del propio Wilder) "el más grande de todos los actores" Charles Laughton, que en esta ocasión interpreta a un abogado obstinado a punto de retirarse, no por propia decisión, a causa de un infarto al corazón. La interpretación es magnífica, de hecho fue nominado por este papel para los Oscar de aquel año (seguramente sin el beneplácito de Hitchcock, que afirmaba tranquilamente que no era un profesional)... Además de ser uno de los personajes más importantes de la película, el personaje interpretado por Laughton, es el punto humorístico de la misma, si es que tienes tiempo para reirte viendo la pelicula.

Tyron Power es otro de los actores principales y, en mi opinión, la pelicula no hubiese sufrido una gran pérdida si el papel de Leonard Vole lo hubiese interpretado otro actor. Y no, no me cae mal por ser el padre de Romina Power (la curiosidad terrorífica del día) pero es que no me ha transmitido mucho que digamos. Lo siento, Tyron.

Y la última, que no por eso menos importante, gran protagonista femenina de Testigo de Cargo que no es otra que Marlene Dietrich, la mujer cuya sola presencia en la pantalla transmite respeto. Dietrich (utilizando el apellido por aquello de la importancia) interpreta a Christine, la esposa de Vole. Su personaje es el más clave, sin duda, en toda esta historia. Sin embargo, y si no fuera por su imponente presencia escénica, a través de su rostro impertérrito, no nos deja adivinar que es lo que esconde durante toda la película hasta que, al final de la misma, empieza a revelar secretos impactantes. De hecho, uno de los mejores momentos de la pelicula, para mi, es culpa de ella. La gran Dietrich consigue maravillarme otra vez. Por supuesto, Wilder no se privó como muchos otros directores de darle una escena de cabaret alemán, para que recordase sus inicios y para que los espectadores escuchen una voz inolvidable.

Y no hay que olvidar injustamente a Elsa Lanchester, nominada al Oscar por su histérico personaje en esta película.

Ahora bien, dejando a los actores y actrices a un lado, Testigo de Cargo tiene errores monumentales a los que, por lo visto, el director hizo la vista gorda y que son evidentes a los espectadores, aunque esos despistes (que no entraré a desvelar por si aguien quiere verla) se perdonan a cambio de unos diálogos tan bien trabajados, técnicos, fluidos y brillantes que mantienen al espectador pegado a la silla con unos giros sorprendentes que sólo pueden ser obra de Wilder o de Hitchcock, un clímax trepidante y unas interpretaciones magníficas.

Este espléndido clásico de suspense estuvo nominado a seis Oscar: Película, actor (Laughton), actriz de reparto (Lanchester), director, sonido y montaje. En mi opinión los de mejor actor, director y montaje son los más justificados, porque el guión como dije antes se sostiene con pinzas de papel.

Una vez más, Billy Wilder, creó un clásico con su chistera mágica de hacer clásicos de cine. Como lo haría el jodio...


Hoy, me despido a lo Dietrich. Auf Wiedersehen

El día del Estreno


Siento decir que se me dan fatal los discursos, empezamos bien...

Curioseando como iba esto me he dado cuenta que el destino de la mayoría de los blogs es el de vomitar los pensamientos de su creador, pero esa idea no me gustaba demasiado porque creo que hay que tener un don especial para escribir, o creértelo demasiado, y no creo estar en ninguna de las dos posiciones.

También pensé en hacer un posible blog musical, pero eso ya hay gente que lo hace bastante bien, y tampoco me motivaba mucho la idea. A decir verdad, creo que es difícil a estas alturas hacer un blog original y que no resulte trivial. Así que este blog es otro más de tantos, sin ninguna vanidad ni pretención de aleccionar a nadie, sólo por el simple gusto de escribir de uno de los temas que más me apasionan y en el que últimamente he vuelto a profundizar mucho, que no es otro que el cine clásico, y de vez en cuando, supongo que cine a secas.

Espero que os guste, y si no, prometo hablar de temas más interesantes como la mosca Dobsonfly.

Casi se me olvidaba explicar el titulo de mi blog (de hecho lo estoy editando ahora) aunque no estaba segura de hacerlo y dejar la incógnita en el aire. Pues es simplemente parte de una frase que me llamó mucho la atención y es: "La fotografía es verdad. El cine es verdad 24 veces por segundo".

Saludos cinéfilos a todos.