Gente Maja

jueves, 29 de abril de 2010

Jezabel


"Nunca un vestido rojo fue tan rojo en una película en blanco y negro"


En esta película Bette Davis demostró como una actriz de "rasgos irregulares" puede resultar sumamente atractiva y arrebatadora. Cuando hay arte y talento, lo demás está de más.

Según dicen, este papel le fue concedido por no conseguir el de Scarlet O'Hara en la mítica Lo que el viento se llevó. La verdad, es que las historias se asimilan: una belleza sureña, egoísta, caprichosa y vanidosa, con dos galanes tras ella y con el marco de la Guerra de Secesión detrás.

Los estudios Warner fueron muy astutos y supieron aprovechar esa fiebre sureña en que se embarcó el país para hacer de esta película un auténtico éxito de taquilla.
Esta película sólo podía ser dirigida por William Wyler, ya que como dijo Bette Davis años más tarde: " William Wyler corrigió todos mis malos hábitos".
La Davis, que era el terror de los directores, se comportaba como un corderito cuando estaba en manos de Wyler.



Bette Davis y William Wyler en un descanso durante el rodaje de "Jezabel"


Jezabel era el proyecto más ambicioso al que se enfrentaba William Wyler y para ello puso toda la carne en el asador. No escatimó tiempo ni dine
ro, pero finalmente el tiempo se le echó encima y la película seguía aún sin terminar, por lo que Jack Warner pensó en sustituirle, algo a lo que Bette Davis se negó rotundamente (evidentemente Jack se replegó pues conocía el carácter de la actriz y sabía que era mejor tener a la mejor estrella femenina del estudio de su parte).

Comenzó aquí la etapa dorada del director con títulos como Cumbres borrascosas, La carta, La loba (estas dos últimas junto a Bette Davis) o Los mejores años de nuestra vida.



Las estrellas masculinas son Henry Fonda y George Brent:
El primero está formidable, sensacional, no se puede esperar otra cosa de él. Estaba empezando a despuntar en Hollywood como estrella; su interpretación es admirable y se hace notar (a pesar de que toda la película está montada alrededor de su protagonista femenina).

Henry Fonda aceptó el papel sólo si quedaba libre el 17 de diciembre de 1937, fecha en la que se esperaba que naciese su hija, la hoy también estrella de cine Jane Fonda. Henry Fonda rodó sus escenas y secuencias antes que el resto, incluso primeros planos aislados que luego serían montados con los de Bette Davis, por lo que ella se vio obligada a dar réplica a un "no oponente". Ahí se demuestra su talla, valía, versatil
idad y que es una actriz como una catedral.


Al igual que en Lo que el viento se llevó, nos encontramos con dos galanes: el imposible amor de la protagonista, más sensible y caballeroso, y su más rudo y directivo pretendiente que no consigue el amor de la amada. La diferencia es qu
e mientras en Lo que el viento se llevó la estrella es el hombre a quien Scarlet no ama, aquí lo es al que Julie (Bette Davis) ama con todas sus fuerzas.


En Jezabel, George Brent hace de segundo galán, pero su forma de actuar es un tanto encorsetada y queda eclipsado por la omnipresente Bette Davis y por su compañero de reparto Henry Fonda.



Es importante también destacar la presencia y actuación de Fay Bainter (tía Belle), ganadora del Oscar a la mejor actriz de reparto por esta formidable interpretación.



Me resulta muy difícil el no comparar Jezabel con Lo que el viento se llevó. Tengo que reconocer que, personalmente prefiero la interpretación de Bette Davis en esta película a la de Vivien Leigh (no con ello quiero decir que esté mal, al contrario está sensacional), sin embargo, la fotografía, la música, la dirección artística y el vestuario son mucho mejor los de Lo que el viento se llevó (desde aquí adelanto ya una de mis próximas entradas).
Secuencias destacadas y curiosidades:

  • La entrada de Bette Davis fue cuidada hasta el último milímetro: debía aparecer vestida con traje de montar. William Wyler le enseñó a coger la cola del vestido con una fusta; hasta una treintena de veces rodaron esa escena. Bette Davis acabó harta, pero cuando vio el resultado quedó totalmente encantada.
  • Para la secuencia del baile, que en un principio
    debía ser rodada en medio día, finalmente fueron necesarias tres semanas.
  • Cuando Bette Davis, de blanco inmaculado se arrodilla ante su amado para pedirle que la perdone por su comportamiento. En ese momento, llega su prometida y se la presenta, dejando KO a Julie.
  • Mi favorita: cuando Julie canta, con una mezcla de rabia e impotencia, pero mostrando una alegría forzada y con los ojos llenos de lágrimas, una preciosa canción con los niños (hijos de los esclavos) de la plantación: sentada en el porche, con su vestido blanco, ese que no quiso el día del baile por pone
    rse el rojo... Sin duda alguna, esta escena demuestra el por qué ella es una de las grandes del cine.
Fay Bainter y Bette Davis con sus Oscars por Jezabel


¿Por qué se llama la película Jezabel? Pues tía Belle se lo explica a Julie tras un trágico suceso del que la joven es culpable:
Jezabel era un personaje bíblico, concretamente reina de Israel. Pues sobre ella recayó la ira de Dios al permitir el culto a religiones paganas, la idolatría, ser una tirana con sus súbditos, y por usar sus encantos sexuales para conseguir todo lo que se le antojaba (esta es la parte que más se ajusta al personaje de Julie, si bien aparece de forma muy velada debido al famoso Código Hays).

El Oscar de Bette Davis por Jezabel

En la imagen, el Oscar de Bette Davis por Jezabel. Este Oscar salió a subasta y fue adquirido por el director de cine Steven Spielberg, que lo donó a la biblioteca de la Academia.

Un beso y hasta la próxima entrada corazones.

viernes, 23 de abril de 2010

Larga jornada hacia la noche (Long day's journey into night)


Amo el cine clásico, lo amo por encima del cine actual e incluso por encima de otras artes, pero debo admitir que la mayoría de las veces el cine clásico es demasiado vanidoso. Ya sea por ser fruto de una determinada sociedad o por otros menesteres, el cine clásico nos presenta en la mayoría de las ocasiones a las actrices, más que a los actores, como seres perfectos con vestidos inmaculados y peinados glamurosos. Seres de otro planeta, mujeres endiosadas de Hollywood.

Quizás por eso me gusta tanto ver una pelicula donde una actriz representativa del cine clásico interpreta a un personaje decadente hasta llegar a veces a la demencia.
Ejemplo de estas interpretaciones en peliculas, llamémoslas, dramáticas, son la alcohólica y traumatizada Martha de Elizabeth Taylor en ¿Quién teme a Virginia Woolf?, la psicópata y demencial Baby Jane de Bette Davis en ¿Qué fue de Baby Jane? o la drogadicta y bipolar Mary de Katharine Hepburn en Larga jornada hacia la noche, que es la pelicula sobre la que hablaré hoy. Curiosamente las tres de los años 60.


Larga jornada hacia la noche (Long Day's Journey Into Night) (1962) es una pelicula dirigida por Sidney Lumet según la obra teatral autobiográfica del premio Nobel, Eugene O'Neill.


La pelicula nos narra un día de la familia Tyrone, una familia compuesta por Mary Tyrone (Katharine Hepburn), James Tyrone (Ralph Richardson) y sus hijos, Jamie (Jason Robards) y Edmun, el alter ego de O'Neill en la obra (Dean Stockwell).

Al principio la familia se nos muestra como otra familia cualquiera, sentados en el porche de su casa de campo, donde pasan la temporada estival, haciendo bromas como una familia bien avenida. Pero pronto empezarán a salir a flote secretos, reproches, tensiones, sospechas, desconfianzas y temores en los que viven sumidos sus personajes. Mary es drogadicta, adicta a la morfina, arrepentida de haberse casado con su marido, decepcionada con su vida familiar; James es un actor en terrible decadencia, tiene problemas con la bebida y es increiblemente avaro. Mientras que sus hijos, Jamie, el mayor, con una gran diferencia de edad respecto al pequeño, es un hombre violento, alcohólico que se haya en una constante lucha entre el rencor y el amor fraternal que siente por su hermano Edmund, un prometedor futuro poeta, enfermo de tisis.



A aquellos que disfruten con el cine teatral, les encantará esta pelicula, donde no se derrocha nada excepto talento interpretativo. La pelicula se filma en un decorado único, la casa de los Tyrone, para ser más exacta, el porche, el garaje y el salón, éste último escenario principal.


Al igual que es carácterisco de las peliculas adaptadas de obras teatrales el rodar en un único decorado, también lo es la abundancia de planos medios y las escenas rodadas en continuidad. De hecho, hay una sola escena que conforman el padre y los dos hijos (primero James y Edmun y después Edmun y Jamie) que supone la mitad de la pelicula, pues puede durar una hora aproximadamente, sin exagerar. Y debo reconocer que se me hizo demasiado extensa, a pesar de las magistrales interpretaciones de Richardson, Robards y Stockwell, que fueron galardonados los tres en Cannes en categoría masculina ex aequo (por igual). Así como Katharine Hepburn fue premiada como mejor actriz.

Según declaró Katharine Hepburn, ensayaron las escenas durante tres semanas y después todo se rodó de principio a fin, como en una obra de teatro.


Katharine Hepburn, a sus 55 años, demuestra sus tablas en el teatro como nunca antes la había visto hacerlo (y eso que tengo 19 peliculas suyas. Lo sé, me quedan aún muchas, eso es lo mejor.)
Sin embargo, la propia Katharine declaró que en esta pelicula Lumet le enseñó lo que era la "simplicidad" y que su modo de trabajar fue "no actúes, deja que el público te oiga".
En cuestión de segundos pasa de ser una mujer que se comporta "medianamente" normal a ser una drogadicta desesperada que necesita la morfina, pasando otras veces a ser una mujer deprimida que se ahoga en la nostalgia o una madre desesperada que no quiere escuchar que su hijo está enfermo. Y a veces, por las noches, su mente regresa al pasado y cree que vuelve a ser una niña internada en un convento.

Con este papel confundió un poco a público y crítica que no estaban acostumbrados a verla en esta clase de peliculas. Recibió críticas mejores y peores por este papel pero, según sus propias palabras, estuvo contenta con todas ya que para ella fue como si le diesen la aprobación como actriz.


Es impresionante ver como pasa de un registro a otro. Si la veis, acordaos de lo que os estoy diciendo en la escena donde le explica a la cocinera como conoció a James.
Mary es el personaje más polifacético y atractivo de la pelicula, sin duda.


James, interpretado por Ralph Richardson, es un personaje más lineal, aunque también muy interesante. Puede parecer demasiado gesticulante o sobreactuado en su interpretación, pero creo que lo hace a drede, como una espina que tiene clavada por su truncada carrera de actor o una deformación profesional del personaje.
Es tan avaro, que a punto está de pegarle a su hijo enfermo de tisis por encender una bombilla y está dispuesto a mandarlo a una granja de mala muerte para tísicos por ahorrarse unos dólares.



Jason Robards (Jamie Tyrone) que prácticamente acababa de empezar su carrera en el cine como actor se convirtió en el actor referente de Eugene O'Neill.
Aunque realiza una interpretación magnífica, su papel es el que me resulta menos llamativo.


Dean Stockwell parece el personaje más "normal" de la familia. Sin embargo, tendrá que vivir con la carga que supone que todos le culpen de la adicción a la morfina de su madre. Por otra parte, su enfermedad le hace vivir con el pensamiento de que no vivirá mucho tiempo. Está convencido de que la tisis terminará con su vida, como lo hizo con la de su abuelo, el padre de su madre. De ahí el miedo que siente Mary a escuchar la verdad.



Por si el ambiente de la pelicula no fuese demasiado agobiante con los decorados calustrofóbicos y la tensión entre los integrantes de la familia, que podría cortarse con un cuchillo, la música de André Previn nos pone más en situación con una música de piano que podría erizar a más de uno los pelos del cogote en una habitación oscura.


En ésta pelicula no hay Oscar que valgan, ni falta que le hacen. Sólo una nominación, para ser más exacta, la de Katharine Hepburn como mejor actriz en 1962. También fue nominada para los premios Laurel.
Su productora no fue la RKO ni la Metro, sino Republic Pictures (vaya usted a saber) y no había más estrella que Katharine Hepburn (por si fuera poco) que declaró que Ralph Richardson, Jason Robards y Dean Stockwell fueron los mejores actores con los que había trabajado.
Digo el detalle de la productora porque siempre he pensado que tienen mucha fuerza a la hora de nominar a sus peliculas como candidatas a la preciada estatuilla.

Como pasa siempre, las peliculas que en su época pasan más desapercibidas por no estar arropadas por una gran productora, con el tiempo se convierten en peliculas de culto. El tiempo pone a cada cosa en su sitio, que se dice.


Lo mejor de ésta pelicula: las interpretaciones, sobre todo la de Katharine Hepburn, y el ambiente de tensión psicológica que consigue crear en el espectador.

Lo peor: para aquellos que prefieren tener claro como termina la pelicula, tiene un final demasiado abierto. Se dice más con los juegos de cámara y las luces que con las palabras con las que Katharine Hepburn echa el telón con la mirada perdida en un primer plano, por lo que se deja una libre interpretación al espectador. Lo cual no es lo peor si te gustan los finales abiertos.


Os animo a verla, si la podeis encontrar. Creo que esta pelicula está pendiente de una edición doblada al castellano, así que me temo que no la encontrareis facilmente. La que yo tengo es una edición de Suevia en versión original subtitulada. Suevia tiene mala fama por el sonido de sus peliculas, pero os puedo decir que en ésta no he notado ningún problema, por si os interesa.

Un saludo =)

domingo, 18 de abril de 2010

De aquí a la eternidad (From here to eternity).


"No saben lo que hacen. Están provocando al mejor ejército del mundo" Robert E. Lee Prewitt (Montgomery Clift).

From Here to Eternity Poster

Para adentrarnos y entender un poco más la película y la frase anterior considero necesario reseñar, de forma breve (este no es un blog es de historia) los sucesos en los cuales se enmarca la película:

La mañana del 7 de diciembre de 1941 el Ejército Imperial Japonés ataca por sorpresa la base norteamericana de Pearl Harbor (Oahu, Hawái) con el fin de neutralizar y diezmar al ejército estadounidense y ocupar diversas colonias occidentales y zonas del sudeste asiático. El ataque causó casi 2500 bajas y la destrucción de decenas de barcos y aviones americanos.
Para entender el por qué de este ataque debemos retroceder a finales de los años 30, cuando tiene lugar la II Guerra Chino-Japonesa (pero eso ya os lo dejo a vosotros).



La historia comienza en los días previos al ataque japonés:

Robert Prewitt (Montgomery Clift) llega a su nuevo destacamento en Pearl Harbor, como soldado pero también como corneta del ejército. Antes de llegar allí se dedicaba al boxeo, pero tras un dramático suceso, se retira. El comandante de la base (conocedor de su destreza sobre el ring) lo requiere para que participe en los campeonatos militares de boxeo, lo que le podría suponer un ascenso, sin embargo, rechaza la proposición de su superior. A partir de este momento, comenzará una campaña de acoso y derribo contra él así como vejaciones continuas. Es entonces cuando entabla amistad con el soldado italo-americano Angelo Maggio (Frank Sinatra), así como la protección del sargento Warden (Burt Lancaster).
Mientras esto sucede, Warden mantiene un affair con la esposa del capitán (Deborah Kerr), quien se siente olvidada como mujer e infeliz como esposa. Y Maggio es vejado y torturado por sus continuos enfrentamientos con los mandos superiores.

Nadie tiene sospecha alguna sobre el inminente ataque japonés, por lo que los soldados pasan las noches en un "local de fiestas" de la zona, donde Prewitt inicia un romance con el personaje interpretado por Donna Reed.

Una característica común a todos los personajes de la obra es que todos están marcados por un pasado plagado de echos desgraciados; también que lo que les empuja a actuar son sus pasiones más profundas. Fred Zinneman supo construir muy bien un film de alto contenido en tensión psicológica.



Poco después de la publicación del libro del mismo título del escritor James Jones, el magnate de la Columbia, Harry Cohn, negoció la adquisición de los derechos de la obra. La cinta se enfrentaría a la censura del Código Hays, que eliminó las escenas de excesiva carga erótica, las torturas a los soldados reclusos en las cárceles militares y el castigo a los estamentos militares superiores que abusaban de su autoridad. Aún así, la película ofrece situaciones que consiguen saltarse este código, como por ejemplo, la afición de los soldados al alcohol y a las prostitutas (aunque esto último aparece de una forma velada).



"Nunca imaginé que pudiera ser así, nadie me había besado así antes..." Karen Holmes (Deborah Kerr).



El beso entre Deborah Kerr y Burt Lancaster ha pasado a la historia del Séptimo Arte como uno de los momentos cinematográficos más recordados por su intensidad y emoción; no sólo por la fuerte carga erótica (muy marcada en la puesta en escena de Zinneman: la playa, la arena, el agua y la espuma marina golpeando los dos cuerpos semidesnudos). Además esta escena se va intercalando con planos de Clift y Reed que se van conociendo poco a poco y salvando sus primeras diferencias.


31 planos, 3 minutos y 58 segundos son suficientes para hacer de esta escena una de las más sublimes del Cine.
Aquí os dejo algunos fotogramas:


El estreno en USA se convirtió en un impresionante éxito de taquilla y permitió a la Columbia no sólo recuperar su inversión de 2 millones de dólares, sino también generar unos beneficios que multiplicaron por 10 esa cantidad. Con Rita Hayworth (la estrella más rentable y esclavizada del estudio) alejada parcialmente de la gran pantalla debido a su inestable situación sentimental con el príncipe Alí Khan, parece que Harry Cohn supo bien como continuar cosechando triunfos y lo que más quería, dinero (durante parte de la década de los 40 y los 50 la Columbia fue el estudio que más dólares amasó y mayor número de estrellas contrató).




La noche del 15 de febrero de 1954 se celebró la gala de los Oscar donde De aquí a la eternidad se coronó como la gran triunfadora de la noche. En trece categorías estaba nominada y se llevó ocho estatuillas: película, director, guión, fotografía en blanco y negro, montaje, sonido, actriz secundaria y actor secundario: Donna Reed y Frank Sinatra respectivamente. Las categorías donde no resultó ganadora fueron: diseño de vestuario, música, actor principal (Montgomery Clift y Burt Lancaster) y actriz principal (Deborah Kerr).
Las grandes derrotadas de la noche fueron "Raíces profundas" y "Julio César".
Así mismo, también fue la ganadora absoluta de los Golden Globes.

Si hay algo que caracteriza a esta película es el elenco de estrellas que aparecen en ella, todas y cada una de ellas con unas interpretaciones memorables e inolvidables:

  • Montgomery Clift: su carácter y forma de actuar enigmática e introvertida quedaron plasmadas como bordadas en oro en esta interpretación. Antes de participar en esta película ya había participado en grandes obras como "Río Rojo", "La búsqueda" "La heredera" o "Un lugar en el Sol", junto a su amiga y confidente Elizabeth Taylor, quienes inventarían sin darse cuenta una nuevo estándar para el romance en el cine.
  • Burt Lancaster: actor autodidacta, era ya una estrella consagrada y un galán de cine. Gozaba de una gran admiración entre público y crítica. Para mí, uno de los mejores en este reparto inmejorable y sobresaliente.
  • Deborah Kerr: se estaba quedando un poco encasillada como mujer virginal e ingenua (la mujer típica que vemos en películas de los 50 y 60: ama de casa entregada a su hogar que hace pasteles de manzana que pone a enfriar en la ventana) y cuando le llegó este papel lo aceptó sin duda alguna, demostrando así su gran versatilidad y capacidad de actuar.
  • Frank Sinatra: movilizó a todas sus influencias (existen rumores que dicen que incluso hizo unas cuantas llamadas a sus amigos de la mafia) para conseguir este papel: se ofreció a Cohn diciéndole que incluso estaba dispuesto a rebajar su caché.
  • Donna Reed: quien ya había participado en la película de Frank Capra "¡Qué bello es vivir!", esta película y su magistral interpretación de prostituta con ansias de ascenso social, supuso para ella su salto definitivo al "Star System" de la época.
Podemos decir sin miedo a equivocarnos que se trata del reparto perfecto, no recuerdo tanto número de estrellas por metro cuadrado desde "Grand Hotel" en 1932.

Curiosidades:
  • Las escenas en las que Monty Clift aparece tocando la trompeta, fueron dobladas por el trompetista de jazz Manny Klein.

  • Otro momento de gran impacto visual (junto con el del famoso beso) es el del ataque japonés a la base de Pearl Harbor, para el que el ejército norteamericano cedió aviones de entrenamiento que fueron pintados como los del ejército enemigo.

El final de la película es poesía pura: los personajes interpretados por Deborah Kerr y Donna Reed abandonan la isla, y entre lamentos ven como el barco las aleja de sus amados y la tierra en que vivieron mientras Karen Homes lanza dos collares de flores al mar en honor a los fallecidos en el ataque.


Un beso, y hasta la próxima entrada corazones.

miércoles, 14 de abril de 2010

Eva al Desnudo (All About Eve)



Eva al Desnudo está reconocida como una de las mejores peliculas de la historia del cine.

Me entenderán ahora si les digo que me da "cosica" hablar sobre ella. Más aún cuando mi partener en el blog se niega a escribir sobre ella por tenerle demasiado respeto.
Aún así me atreveré, porque me niego a que esta maravilla no tenga su entrada en este blog.

Eva al Desnudo es una pelicula del director Joseph L. Mankiewicz, de 1950.

Considerada como una de las peliculas más oscuras sobre el mundo del espectáculo, el drama de Mankiewicz, que además de ser el director fue el guionista de la pelicula, se inspira en un relato aparecido en la revista Cosmopolitan, The Wisdom of Eve en 1946. Este relato narraba la historia de una joven promesa del espectáculo que utliza todas sus artimañanas para desbancar a una veterana actriz.
The Wisdom of Eve se convertiría también en una producción radiofónica.

Esto es precisamente lo que nos cuenta Eva al desnudo, la historia de una joven aspirante a actriz, Eva Harrington (Anne Baxter) que se introduce en la vida de un grupo de gente relacionada con el mundo del teatro a través de un recurso muy utilizado, dar pena. Con su trágica historia consgiue que Margo Channing le de trabajo como su asistente personal. Entre estas personas se encuentran la gran y consagrada actriz madura, Margo Channing (Bette Davis) el director de teatro y pareja de Margo; Bill Sampson (Gary Merrill), el autor de obras teatrales Lloyd Richrads (Hugh Marlowe) y su esposa Karen Richards (Celeste Holm)

La ambición por ser una gran actriz lleva a Eva a traicionar a Margo y a todos los que tiene a su alrededor.Sólo el crítico de teatro, Adisson DeWitt (George Sanders) adivina lo que se esconde detrás del personaje que ha creado Eva para llegar a conseguir lo que quiere.

Según su propio hijo, a Mankiewciz le horrorizaba la idea de que la vida de las actrices en el cine fuese tan corta. Le fascinaban las actrices. Los mejores personajes, los mejor construidos en todos sus guiones, eran los de las mujeres.

Un año antes había ganado un Oscar por la pelicula Carta a tres esposas.


Eva al Desnudo fue el éxito decisivo que consagró su talento por encima del de su hermano, Herman Mankiewicz, que obtuvo el Oscar al mejor guión original por Ciudadano Kane.
Cada vez que Joe iba a casa de su hermano Herman miraba aquella estatuilla como algo que él nunca conseguiría obtener.
Pero, igual que en Eva al Desnudo, en la vida real el éxito es muy efímero y la suerte muy caprichosa.
Mientras Joe empezaba a ser el chico de oro de Hollywood, Herman descendía de la cima del éxito, en parte, debido a problemas con el alcohol y el juego.


Cuando Joe le presentó el guión de The Best Perfomance, (que era como se iba a llamar en un principio Eva al Desnudo) a su productor, Darryl Zanuck, éste se mostró entusiasmado.


Un dia mientras se sentaban dispuestos a hablar sobre la pelicula, Zanuck escribió en un papel "Hoy hablaremos todo sobre Eva" y subrayó la frase "All About Eve", que sería su titulo definitivo.

Zanuck y Mankiewciz estaban entusiasmados con la pelicula y se mostraban de acuerdo en todo menos en una cosa, el reparto. Zanuck quería a Jeanne Crain para el papel de Eva Harrington, pero Mankiewciz se empeñó en que el papel debería ser para Anne Baxter que, a sus 26 años ya había ganado un Oscar por su papel en El filo de la navaja. Según Mankiewciz, Baxter tenía lo que él llamaba "virtuosismo de arpía".

Baxter, que nos engaña a todos como quiere al principio de la pelicula, realiza un trabajo extraordinario. Un personaje obsesivo y ambicioso como se han visto pocos en el cine.

Para el papel de Karen Richards, esencial pues es el nexo de unión entre Eva y Margo durante toda la pelicula, Mankiewciz quería a Celeste Holm, una de las mejores actrices del momento. Y, aunque Zanuck la había despedido, Mankiewciz le dijo a Holm: "o tú interpretas a Karen o no haré la pelicula" con lo que Zanuck se tragó su orgullo y tuvo que volver a contratar a Holm. A lo que una Celeste Holm anciana añade en un reportaje sobre Eva al Desnudo "ñañañañaaaña" y yo también.

Me encanta el papel de Celeste Holm y como lo borda.
Karen es la antítesis de Margo y Eva, la ama de casa que como dice el principio de la pelicula: "Jamás hubiera tenido nada que ver con el mundo del teatro si no se hubiera casado con Lloyd Richards."
Adorable. Simplemente adorable y encantadora.


El papel de Margo Channing era para otra actriz muy famosa que en aquella época tenía 46 años, Claudette Colbert. Quizás la recordeis de la pelicula "Sucedió una noche" o quizás la recordeis, simplemente.

Pero la desgracia quiso que Colbert se rompiese una vertebra en el rodaje de "Regresaron tres". El nerviosismo se apoderó de Mankiewciz y de Zanuck, no tenían actriz principal. Así que tiraron de la única actriz que estaba libre en ese momento, Bette Davis.


En 1950, la carrera de Bette Davis estaba en decadencia. A sus 41 años, se creía acabada.

Tras 18 años siendo la reina de la Warner, una discusión con Zanuck terminó con su contrato y una amenaza por parte de éste "No volverás a trabajar en esta ciudad".
No se hablaban desde 1941 cuando Bette Davis fue nombrada presidenta de la Academia de cine. Sus sugerencias como presidenta de la academia no fueron bien acogidas, así que dimitió y fue sustituida por Jean Hersholt, quien puso en práctica todas las propuestas que ella había sugerido.

Un dia, Zanuck se tragó su orgullo y llamó a Bette. Cuando descolgó el telefono Zanuck le dijo, "Bette, soy Zanuck" a lo que ella respondió "¿Que Zanuck?" y Zanuck dijo "Darryl, por supuesto". La respuesta de Bette fue "Déjate de bromas".

No sería la única vez que la carrera de Bette Davis, se vio amenazada. A principios de los años 60, siendo considerada una vieja gloria del pasado se le ocurrió poner un anuncio en el periódico buscando empleo, que os dejo aquí por curiosidad. Genio y figura...


Zanuck le ofreció el papel, le envió el guión y Bette aceptó.

A Mankiewicz le dijeron que qué locura había cometido pues Bette Davis tenía fama de corregir todos los guiones. Le dijeron textualmente "llegará con su libreta amarilla y un lápiz y lo modificará todo. Luego querrá dirigir. Te hará papilla y te tirará por el retrete".
Para sorpresa de todos, Bette fue la actriz más agradable para Zanuck en Eva al Desnudo. Según ella misma comentó "Mankiewciz me sacó de la tumba".

Era demasiado lista y perpicaz para saber lo que tenía delante. Decía que aquella obra había sido creada por un genio. No modificó ni una sola palabra.

Sin embargo, no fue tan agradable con las mujeres del reparto, especialmente con Celeste Holm. Según Holm, una mañana llegó al estudio y le dijo a Bette "Buenos días" a lo que Bette contestó "Mierda, buenos modales". A partir de entonces Holm no le volvió a dirigir la palabra y Bette la llamaba "zorra".

Una muestra del famoso temperamento de Bette es una anécdota según la cual todo el reparto de Eva al Desnudo se dirigia al sitio del rodaje y Celeste Holm preguntó "¿Como creereis que será trabajar con Doña Mandamás"? A lo que Merrill contestó: "Pensemos que sólo serán ocho semanas"

Merrill se casó con Bette Davis al terminar el rodaje. Pero a eso haremos referencia más adelante.

La cuarta actriz era Thelma Ritter, que interpreta a Birdie, la asistenta personal de Margo Channing.
Bette Davis, Anne Baxter, Celeste Holm y Thelma Ritter consiguieron todas ellas ser nominadas a los Oscar, siendo la pelicula que más nominaciones femeninas ha conseguido.

Pero ninguna lo ganó. Craso error de Anne Baxter, que convenció a la productora de que en vez de como actriz secundaria, fuese nominada como actriz principal.
En 1951 Eva al Desnudo fue la primera pelicula que nominaba a dos actrices como actriz principal.

La noche de la ceremonia, Bette Davis, Anne Baxter y Gloria Swanson (por El Crepúsculo de los Dioses, de temática parecida, por cierto) se levantaron al abrir el sobre. Pero ganó Judy Holliday por Nacida Ayer.

Bette y Gloria estaban empatadas en los votos a conseguir el Oscar. Si no hubiera habido una cuarta nominada el Oscar habría podido ser para una de ellas dos.
Anne Baxter reconoció que debería haber aceptado la nominación como actriz secundaria. A lo que Bette Davis respondió "pues la verdad es que sí."


La actriz Katharine Hepburn dijo una vez que Bette Davis debería tener los dos Oscar que tenía por Jezabel y Peligrosa por Eva al Desnudo y ¿Que fue de Baby Jane?
Bette se lo reconoció.

Y no es para menos pues, junto con el genial guión de Mankiewicz, la pelicula tuvo tanto éxito gracias a Bette Davis. Si quieren saber lo que es una actuación perfecta, lo que es llevar el talento de la actuación en cada poro, vean a Bette Davis en esta pelicula. Es tan genial que no se expresa escribiéndolo, se expresa cuando ves la pelicula y con un gesto o una palabra de la interpretación de Bette, el estomago te cosquillea un poco.

Se dice que el arte imitó demasiado a la vida. Y que Bette Davis, con la misma autoconfianza y el mismo miedo a envejecer, como Margo, interpretaba a Bette Davis.
Pero en realidad, el personaje de Margo Channing estaba basado en la esposa de Mankiewciz, también actriz.

Irónicamente, teniendo a las cuatro actrices nominadas el Oscar se lo llevó uno de los actores, George Sanders por el papel de Addison DeWitt.

El personaje de Addison fue para Mankiewicz la vía por la que expresar todo lo que quería decir y nunca se atrevió. Es el crítico de cine al que sólo le importa el dinero. El personaje más mordaz, sin duda.


Gary Merrill interpretó al director de teatro, Bill Sampson. Durante toda la pelicula sentimos lástima por él, por lo que soporta a Margo y por lo que la quiere. Por sus inamovibles principios y su lealtad.

La química entre Merrill y Davis fue tal que terminaron casándose al terminar el rodaje, aunque al empezarlo, ambos estaban casados. Se casaron horas después de que Merrill consiguiera el divorcio. El matrimonio duró diez años. Bette Davis le confesó a Anne Baxter que Gary se había casado con Margo Channing y no con Bette Davis y Bette se había casado con Bill Sampson en vez de con Gary Merrill.

Los asuntos amorosos en la vida de Bette siempre fueron bastante desastrosos. El problema, según ella, era que ningún hombre quería ser el Señor Davis. Y añadía "¿Que puedo hacer yo?"

Hugh Marlowe interpretó a Lloyd Richards, el autor de obras de teatro, que tiene para mi, algunas de las mejores frases de la pelicula como: "Alguien tiene que decirle al piano que no ha escrito él el concierto" le dice a Margo cuando están discutiendo sobre quien tiene más peso en el éxito de la obra, si el autor o la actriz.

La genial escena en la que Margo Channing discute con Lloyd Richards:





Desde luego, aunque Bette Davis, es Bette Davis, no se puede menospreciar en absoluto a ningúno de los actores ni actrices de la pelicula, todos son fabulosos. Incluso tenemos el cameo de una jovencísima Marilyn Monroe que intentaba abrirse camino como actriz, tanto en la vida real como en la pelicula. Una Marilyn a la que Zanuck había despedido poco antes por no ser fotogénica. Dejemos la poca visión comercial de Zanuck para otra ocasión.


Por algo, al igual que otros directores son conocidos por alguna cualidad especial ( Von Sterngberg por la iluminación, Lubitsch por su humor elegante...) Mankiewicz tiene fama de ser el mejor constructor de personajes y el que más ahonda en ellos.

No fue un director nada visual. Sus peliculas son muy lineales, no era muy innovador en el aspecto de la imagen, pero sus personajes están trabajados como pocos.

No obstante, la fotografía de esta pelicula obtuvo una nominación a los Oscar, a cargo de Milton Krasner.

Eva al Desnudo ostenta el record (empatada con Titanic) de nominaciones a los Oscar. Claro que si comparamos una pelicula tan ambiciosa como Titanic y con tantos efectos especiales con Eva al Desnudo, donde la escena de más acción es cuando Bette Davis baja las escaleras corriendo, no sé hasta que punto es comparable el mérito de ambas.

De estas catorce nominaciones, Eva al Desnudo obtuvo seis Oscar: mejor pelicula, director, guión, actor secundario, vestuario y sonido.

La banda sonora de Eva al Desnudo les sonará a cualquiera de ustedes aunque no la hayan visto, o eso creo. Es una obra de Alfred Newman.

El guión, gracias al que Mankiewicz se llevó a casa su preciada estatuilla, está lleno de mordaces conversaciones y frases geniales. No tiene desperdicio ni una sola coma. Como dijo Bette Davis, es la obra de un genio.

Una obra llena de crítica al mundo del espectáculo, (la jubilación forzosa de las actrices de Hollywood) a todos los que mueven los hilos de ese espectáculo (crítica personificada en Addison DeWitt) a la falsedad de los premios en la primera escena de la pelicula donde se entregan unos premios ficticios, los Sarah Siddon, que curiosamente después de la pelicula se convirtieron en verdaderos y además, su primer premio se lo otorgaron a Celeste Holm, que fue a recogerlo.
Mankiewicz no pudo indignarse más.

Me despido con un consejo que Mankiewciz le dijo una vez a su hijo: "Intenta siempre hacer una buena pelicula. Casi todos los directores hoy se esfuerzan por hacer un buen trabajo aunque no siempre lo consigan. Si no tiene éxito en taquilla, al menos te quedará una buena pelicula, si haces una mierda y no tiene éxito en taquilla, sólo te quedará la mierda"

Si no la han visto no se a que están esperando.

Saludos.

miércoles, 7 de abril de 2010

Berlín Occidente

Entrada escrita por White Gold y publicada por Truca por problemas técnicos.


Tengo que reconocer que no sabía como empezar la entrada de hoy (aunque llevaba dándole vueltas en la cabeza desde que escribí la anterior); no sabía como empezar e escribir sobre esta película. Así que lo haré definiéndola de esta manera: se trata de un clásico a descubrir.


Es mi segunda entrada y repito director: Billy Wilder. Aunque esta vez se le ha unido una actriz que transpira glamour, sensualidad y talento por todos sus poros: Marlene Dietrich.


Por tanto, si no habéis visto esta película, os recomiendo verla, pues ver esta película es como “apostar a caballo ganador”.




Basada en un argumento de David Shaw, que adapta una historia de Robert H. Shaw, se rodó en Berlín y en los estudios Paramount. Fue nominada a 2 Oscar (guión original y fotografía).


La acción transcurre en la zona de ocupación americana de Berlín, a lo largo de 5 días de 1947.

Narra como Phoebe Frost (Jean Arthur), congresista americana por Iowa, rigurosa, intransigente (a la par que ingenua en temas amorosos) viaja a Alemania como parte de una Comisión de seis miembros del Congreso de EEUU enviada a Berlín para informar sobre la moral de los militares que forman la fuerza de ocupación del sector americano de la ciudad. Pronto se desmarca de las visitas guiadas del coronel Plummer (Millard Mitchell), que no son más que una tapadera para entretener a los burócratas sobre lo indecente del comportamiento de su ejército, y decide entrar por sí sola en contacto directo con la realidad.


Es así como conoce al capitán John Pringle (John Lund), a quien solicita ayuda para investigar el pasado de Erika von Schluetow (Marlene Dietrich), una cantante de cabaret fría y sensual,; ya que quiere saber quién la está protegiendo, pues se le acusa de confraternizar con los nazis durante y antes de la Guerra.




La película construye una comedia agridulce, es decir, dramática, que enmarca un triángulo amoroso, con el telón de una Berlín arrasada y devastada por la Guerra.


Billy Wilder supo combinar muy bien ambos factores (como siempre) al satirizar a la Comisión, que trata los temas con rancia y exagerada superficialidad; usa expresiones de doble para referirse al mercado negro de bienes de primera necesidad, la miseria de la población berlinesa, la economía de trueque derivada de la falta de dinero y la corrupción.


Aporta imágenes de gran fuerza y crudeza: ancianos desamparados que venden enseres domésticos, la conquista de chicas con chocolatinas, la madre que empuja un cochecito de bebé con dos banderas americanas, el chaval con obsesión por la esvástica, el trueque de un pastel por un colchón, el cumplimiento de órdenes con más de un mes de demora, el Bundestag incendiado por Hitler y otras de gran impacto visual.




La música (F. Hollander) para mí es uno de los platos fuertes del film. Incorpora 3 canciones a cargo de M. Dietrich: “Illusions”, “Black Market” y “The Ruins Of Berlin” (¡mi favorita!). Añade también canciones como "Iowa Corn Song" (Jean Arthur y coro) y "Meadowlands" (soldados soviéticos).




Las interpretaciones de las dos actrices son formidables, sobresalientes, sublimes; en cambio la del actor protagonista y el actor de reparto (John Lund y Millard Mitchel respectivamente), sobre todo el protagonista, son…son, y punto. De echo, John Lund participó en la película por imposición de la Paramount que quería hacer de él un galán al más puro estilo Errol Flyn (Warner Brothers) o Tyrone Power (20th Century Fox). Sin embargo, tras el fin de su contrato en la Paramount, y viendo que arte tenía más bien poco, fue fichado por la Metro Goldwyn Mayer para participar en películas poco relevantes y en papeles para nada importantes.


Billy Wilder ironizó una vez refiriéndose a este film: “Tenía a una mujer que temía mirarse al espejo y a otra que no hacía otra cosa”.




La primera no es nada más y nada menos que la musa de Frank Capra: Jean Arthur.


La actriz fue una de las más destacadas estrellas de los años 30, de las más queridas y taquilleras. Sin embargo, era muy insegura y tremendamente acomplejada (sin embargo una vez que se metía en el papel que en ese momento representaba, todo parecía evaporarse). Una vez que la era Capra en la Columbia llegó a su fin, el estudio la desplazó a papeles de segunda. Pero un buen día, George Stevens puso sus pies en el estudio y Jean Arthur volvió a resurgir, de echo, en esta nueva etapa recibió su única nominación al Oscar por “El amor llama dos veces”.


En 1944 anunció su retirada del cine. Casi cuatro años más tarde Billy Wilder la llamó para interpretar este papel.


Y creo que más de una vez se arrepintió: con el tiempo, sus inseguridades habían ido en aumento y los celos que sentía hacia Marlene Dietrich por su estrecha amistad con el director fueron la mecha que encendieron la pólvora que estallaría una noche: “Una noche sonó el timbre de casa. Eran Jean Arthur y su marido. Antes de que pudiera decir algo, ella me gritó que había eliminado un primer plano suyo. Acababa de mirar con su marido las pruebas del día porque tenía la sospecha de que yo iba a eliminar ese maravilloso primer plano y que en efecto lo había echo.

Años después, tras un pase televisivo de Berlín Occidente recibí una llamada de Jean Arthur emocionada. Tenía 83 años y estaba emocionada. Quería disculparse ¡después de 40 años! Yo le pregunté por qué. Ella me dijo que la película era maravillosa y que ella salía estupenda y que todo estaba muy repartido entre ella y la Dietrich. Quería disculparse por tratarme mal durante el rodaje. Yo le contesté (…) que era mi trabajo ser maltratado por los actores.” (Billy Wilder).


Berlín Occidente fue su penúltima aparición en la gran pantalla. Su última aparición fue en “Raíces profundas” (1953). Sin duda alguna, una gran pérdida para el cine.




La otra actriz no es nada más y nada menos que Marlene Dietrich. Qué puedo decir de ella…simplemente me derrite.


“La abuela más glamourosa del mundo” (apelativo con el que la bautizó la prensa de la época) y la alemana más famosa del mundo, en ese momento ya era querida y admirada en su país adoptivo como pocas. En el año 43 se nacionalizó americana e hizo un parón en su carrera cinematográfica para marcharse al frente a apoyar a los soldados que luchaban en la II Guerra Mundial, a pesar de la insistencia del Fuhër para que volviera a Alemania. Ante su negativa fue declarada persona “non grata” por el III Reich.


Por su labor, en 1947 se le concedió la Medalla de la Libertad, el galardón más importante que conceden los Estados Unidos; poco después, en el año 1951, Francia le otorga el título de Caballero de la Legión de Honor. Algunos alemanes no le perdonaron su apoyo al bando aliado, y cuando ya en su madurez volvió a su país, fue recibida entre aplausos y abucheos.


Billy Wilder escribió el papel pensando exclusivamente en ella e inspirándose en el personaje que ella interpretó en 1930 y que la catapultó a lo más alto: Lola-Lola, de “El ángel azul”. Ambos se conocían desde los años 20, cuando vivían en Berlín (él tuvo que abandonar su país debido a sus orígenes en 1939). En 1957 volverían a coincidir en “Testigo de cargo”.



El director consideraba este film uno de los mejores de su carrera, algo que no suelen compartir sus estudiosos.


Este film es una aguda crítica social, con reminiscencias de Ninotchka, film de Lubitsch en cuyo guión intervino Wilder con Charles Brackett, también asociado al título que nos ocupa: la idea de una mujer de rígidos principios, que descubre la alegría de vivir, se repite.


En 1952 Billy Wilder volvería a dirigir una película sobre la II Guerra Mundial: Traidor en el infierno (aprovecho también para recomendaros esta película).

Frases:
• "¿Qué tal está la vieja y querida Iowa, señora diputada?". "62 por 100 para los republicanos, gracias". Conversación entre el Capitán Pringle (John Lund) y P. Frost (Jean Arthur).
• "Lleva usted un vestido precioso, pero ¿no se lo ha puesto al revés?".
Erika von Schlütow (Marlene Dietrich) a P. Frost (Jean Arthur).

Podríamos resumir todo lo que acabo de contar de la siguiente manera: se trata de una película que mezcla ironía, elegancia y encanto.


Un beso, y hasta la próxima entrada corazones.