Gente Maja

domingo, 26 de junio de 2011

Luz que agoniza (Gaslight, 1944)




George Cukor dijo una vez que siempre se olvidaba que Luz que agoniza era una pieza teatral adaptada al cine. Argumentaba que el guión era muy hábil, un melodrama puro y simple, dentro de la mejor tradición cinematográfica.

La historia se desarrolla en el Londres victoriano. A George Cukor le hubiese encantado filmar parte del metraje en Londres, sin embargo era inviable trasladarse a Inglaterra en plena II Guerra Mundial, por lo que fue rodada íntegramente en estudio. Es por ello por lo que abundaba la niebla artificial, lo único que no gustó al director. Pero la espesa niebla que se ve en las calles de la capital británica no tiene ni punto de comparación con la niebla que encontramos en la mente del protagonista, Gregory Anton (Charles Boyer), uno de esos tipos encantadores, lobo con piel de cordero, que al llegar a casa cuelgan en el perchero su disfraz y sacan a pasear al monstruo que llevan dentro. Paula (Ingrid Bergman) está tan enamorada de él que prefiere torturarse a desengañarse. Aunque por suerte para ella se cruzarán en su camino Miss Bessie Thawaites (Dame May Whitty) y un comisario de Scottland Yard, Brian Cameron (Joseph Cotten).

Cuando de madrugada, en ese siniestro caserón, las luces empiezan a apagarse y el tintineo de la llama de las lámparas de gas empieza a disminuir, el presagio es de que nada bueno va a ocurrir. Si a ello le sumamos los ruidos en el piso de arriba, los escalofríos de la protagonista son entendibles. Pero nosotros jugabos con ventaja, sabemos más que ella, sabemos lo que ella se resiste a saber: sin embargo ella es tan ingenua y él tan malvado que le hará dudar de sí misma hasta conseguir que roce la locura.





Cuando las llamas de las lámparas de gas comienzan a tintinear, es señal de que la bestia se ha despertado...






Luz que agoniza fue el primer trabajo de Cukor para la MGM tras licenciarse en el ejército. Este director de actrices ya se quedó con las ganas de trabajar con Ingrid Bergman en Un rostro de mujer, que finalmente fue a parar a Joan Crawford.

"Entre toma y toma yo solía ir a charlar con los actores para darles pequeños consejos, quizá un poco de ánimo para ayudarles a mantener la concentración. A la señorita Bergman le comenté un chisme un poco a la ligera y ella me lanzó una mirada... ¡Qué mirada! Acto seguida y con cierta frialdad me dijo: 'Ya me lo habías contado' '¿Ah, sí?' -dije yo, y luego pensé: 'Tendrás que tener más cuidado con esta joven sueca'. Pero luego lo reconsideré y pensé que nada de eso, que sería ella la que tendría que tener cuidado conmigo y acostumbrarse a mi modo de trabajar. Y así lo hizo. Y nos hicimos grandes amigos" George Cukor.


Ingrid Bergman ya había demostrado de sobra lo que era capaz de hacer delante de las cámaras, como en Casablanca o ¿Por quién doblan las campanas?, pero en la débil piel de Paula Alquist es donde realmente demostró lo que era. Y los críticos no tuvieron más remedio que reconocérselo: "La señorita Bergman está soberbia en su delirante papel. Su elegante y emotiva actuación no puede sino encandilar al espectador", Frank Leyendecker, de Film Bulletin; "Ingrid Bergman es una de las mejores intérpretes del panorama cinematográfico, y ofrece la mejor actuación de su carrera hasta la fecha... Bajo el hipnótico embruo de Boyer, se enardece llena de pasión o se queda postrada lánguideciente", Jim O'Connor, New York Journal-American.

A George Cukor tampoco le falló la intuición con Angela Lansbury, que encarna a Nancy, la criada. Se la recomendó John Van Druten, director de esta obra en el teatro, y en esos instantes ella se encontraba trabajando en unos grandes almacenes en plena campaña navideña. Es un personaje muy importante, pues contrasta con la inocente y angelical Paula. Según Cukor "tenía una boca de lo más huraña, y el rasgo de quien está esperando sexo", pero cuando le hizo la prueba de cámara quedó atónito, estaba perfecta.








Con quien también estaba encantado era con Charles Boyer, en su opinión, un actor fabuloso. Ingrid Bergman lo calificó como uno de los hombres más brillantes con los llegó a trabajar. Esta fue la primera de las tres películas en las que trabajaron juntos: la segunda sería Arco de triunfo y la última Nina. Sin embargo esta es la que ella definió como la experiencia de su vida.




Arriba, Ingrid Bergman junto a Charles Boyer. Abajo con Joseph Cotten.




Para finalizar, un par de curiosidades:

- Una primera versión cinematográfica de Gaslight se rodó en el año 39 en Gran Bretaña dirigida por Thorold Dickinson, película que la MGM trató de esconder por todos los medios para que su película no fuese presentada por los críticos como un remake. De echo, en Inglaterra este film se llamó Murder in the Thorton Square.
- Patrick Hamilton, autor de la obra de teatro en la que se basó la película que hoy nos ha ocupado, también fue el autor de La soga, que más tarde Hitchcock llevó al cine.




George Cukor e Ingrid Bergman conversando de forma distendida durante un descanso del rodaje de Luz que agoniza.


Hasta la próxima entrada corazones.



*Información extraída de los textos sobre la película de Julio José Ordavás.

sábado, 18 de junio de 2011

Charles Chaplin (1ª Parte. El teatro)

"Para hablar de cine, comencemos y terminemos por Charles Chaplin" Max Reinhardt.


16 de abril de 1889, nace Charles Spencer Chaplin en el barrio de Kennington, Londres. Fue el segundo hijo de una familia con aspiraciones a conquistar la fama a través del vodevil. Si bien los primeros años de la familia tuvieron cierta holgura económica, las aspiraciones de fama y éxito pronto se vieron frustradas cuando el padre biológico de Charles, también llamado Charles Chaplin, abandonó a su mujer, a su hijastro (el hermano mayor de Charles, Sidney) y a su hijo Charles. Al parecer, no pudo superar su fuerte adicción a la bebida.

La madre de Chaplin, Hannah Hill, lucha por sacar a sus hijos adelante y actúa en modestos teatros londinenses. La primera vez que Chaplin actúa en un escenario es a los 5 años, sustituyendo a su madre quien pierde la voz repentinamente durante una representación.

Desde que su madre pierde la voz, la familia se hunde rápidamente en la miseria. El padre de Chaplin no responde a los llamamientos de ayuda de su familia y los tres ingresan en el asilo de Lambeth. Pero la caridad pronto separa a la madre de sus dos hijos a los que llevan a un orfanato. Los hermanos también serán separados. El hermano de Charles, Sidney, es obligado a ingresar en la marina inglesa a causa de su edad. Charles se queda solo.

Cuando Sidney vuelve Hannah Hill ingresa en un manicomio y la beneficencia obliga al padre de Chaplin a hacerse cargo de los dos hijos que llevan su apellido. De esta forma, pasan a vivir a un hogar hostil con su padre y la nueva mujer de éste, ambos alcohólicos. Los dos niños pasan la mayor parte del tiempo en la calle.
Al tiempo la madre vuelve a recuperar a sus hijos. Van de una casa a otra, de desahucio en desahucio. No tenían zapatos, pedían comida, los niños se vestían con los restos del vestuario de actriz de su madre provocando la risa de otros niños.


Tras una serie de catastróficas desdichas, Charles Chaplin pasó a vivir literalmente en la calle. No interpretaba al vagabundo, también lo fue. Esta escena de su pelicula Vida de perro, es un recuerdo de infancia. El pequeño Chaplin durmió en solares llenos de escombros y comió residuos podridos del mercado de Covent Garden.


También en la película El Chico Chaplin retrata su propia infancia en el personaje del pequeño Jackie Coogan. Mientras que el pequeño al que interpreta Coogan va rompiendo cristales para que su padre adoptivo, que misteriosamente llega justo detrás de él con un cristal nuevo, los arregle, el pequeño Chaplin, se intentaba ganar unas monedas bailando al son de la música de los músicos callejeros. Hasta que éstos le echaban porque les robaba protagonismo y se llevaba todas las monedas.

Pero antes de El Chico, Chaplin pasará por muchas compañías teatrales. Su afán por imitar a todo el mundo le surtió de un gran repertorio de pantomima y pronto comienzan a darle trabajo en pequeñas compañías de teatro. Pero no sería hasta 1907 y gracias a su hermano Sidney, cuando Chaplin es contratado por la compañía Karno, la que más le influiría en su vida artística.


La compañía de Fred Karno era una de las más importantes en competencia con la de Dan Leno. El punto fuerte de la compañía Karno era la pantomima inglesa, es decir, la acción (bofetadas, peleas, caídas, saltos, tartazos en la cara) que tanto aparece en los primeros cortos de Chaplin.

Aunque sólo tenía 16 años le hizo sombra a la máxima estrella de la compañía Karno, Kitchen. Kitchen improvisaba chistes que sus compañeros no podían contestar. Sin embargo, Chaplin improvisaba respuestas a los chistes de Kitchen y le arrebató el éxito. Karno pasó a Chaplin a otra compañía por ser un rival demasiado peligroso para su mejor estrella pero a cada nuevo papel que interpretaba Chaplin hacía lo mismo, se "comía" el papel y a los compañeros de actuación. Es entonces cuando Fred Karno le da el papel protagonista de la compañía. Chaplin se curte en la profesión de actor y en el sistema cómico de aquel momento, la pantomima.


1910: El cine amenaza a los espectáculos de music-hall. Las compañías de teatro americanas pierden actores importantes que reciben contratos más jugosos de las compañías cinematográficas. Es así como Chaplin es enviado a Hollywood, que buscaba "cómicos" para sustituciones. Es aquí donde Chaplin entra a formar parte momentáneamente de la compañía de teatro de Mack Sennet.

En América verá peliculas mudas por primera vez. En su cabeza empieza a tomar forma la idea de comprarse una cámara y fotografiar las actuaciones de la compañía.

De vuelta a Inglaterra ve por primera vez un cameraman rodando unas fiestas de carnaval y se plantea seriamente realizar moving pictures.


También de su experiencia en éstas fiestas de carnaval es de donde sacará uno de los sketches de una de sus primeras peliculas al ver a un señor gordo que siempre intentaba ponerse delante del objetivo. Chaplin reproducirá esto en Carrera de autos para niños.
Chaplin se surtirá mucho de su propia experiencia de vida, ya sea la suya misma o de la observación directa de otras situaciones y personas para sus futuras películas.




La compañía de Karno vuelve a Estados Unidos y Mack Sennet ve una de sus representaciones. Desde que Chaplin trabajó en su compañía supliendo a alguno de sus actores, Sennet había constituido su propia compañía de peliculas, la Keystone Film Co.

Cuando un actor de la compañía de Sennet pide un aumento de sueldo, Sennet se acuerda del actor inglés y manda buscar a un actor inglés llamado "Chapmann o Chamberlain". Con estos vagos datos, el jefe de publicidad consigue localizar a Chaplin y queda contratado por la compañía de peliculas tras algunos "tira y afloja".

Sennet pone a trabajar a Chaplin al servicio de Henry Lehrman, uno de los mayores realizadores de la empresa. Chaplin mantiene la indumentaria de lord inglés de uno de sus mayores éxitos en el teatro Una noche en el music-hall inglés. Sus compañeros de reparto serían el propio Henry Lehrman, Virginia Kirtley, Alice Davenport, Minta Durfee y Chester Conklin (que después se convertiría en unos de los actores más fieles a las cintas de Chaplin)


En la segunda parte: Llegada a Hollywood.


Recomendaciones personales:

Libros: Charles Chaplin el genio del cine de Manuel Villegas López.



Un maravilloso libro, un estudio a fondo sobre Chaplin que ha sido editado por el propio autor, ensayista y crítico de cine español, conforme iban surgiendo nuevas publicaciones. El propio Chaplin lo calificó como "el mejor y más profundo estudio que se haya realizado sobre mis peliculas".
No os defraudará.


Documentales: Charlie, Vida y Obra de Richard Schickel. Narrado por Sydney Pollack. Maravilloso y completo documental sobre la vida y obra del genio del que os dejo enlace a un blog de descargas directas a través del cual podreis conseguir los enlaces al documental.


Por cierto, si alguien sabe por qué dejaron de vender estas ediciones de mk2 que eran maravillosas, me lo puede decir, porque no tengo ni idea de si se pueden seguir comprando en algún sitio y me quedé a la mitad... =(


Ediciones especiales: si teneis curiosidad casi enfermiza (como yo) podeis regalaros, o pedir que os regalen, esta edición especial para coleccionistas con los cortos de Chaplin, que contiene 13 magníficos dvd's.


Os espero en la segunda parte. Un saludo,

lunes, 13 de junio de 2011

La mujer marcada (Marked woman, 1937)




Ambientada en los bajos fondos de Manhattan, cuenta como un grupo de mujeres hace frente a una banda de gánsters. Fue una de las películas más importantes de Warner Bro. para ese año y uno de los pilares fundamentales en la carrera de Bette Davis. Además, es una de las primeras películas en las que se aborda el tema de la prostitución de lujo.





El mafioso Johnny Vanning (Eduardo Ciannelli) es el dueño de un club nocturno en Nueva York, donde la prostitución y las apuestas rigen el lugar. Mary (Bette Davis) incita a un juerguista a gastar más dinero del que lleva encima y cuando llega la hora de pagar, tima a los gangsters, pero lo cogerán y lo matarán. Es en ese momento cuando el fiscal del distrito, David Graham (Humphrey Bogart), convencido de que el caso está ganado, lleva a juicio a Vanning, pero el resultado no será el previsto... por ahora.





Se trata de una película muy coral, dado el gran número de actrices secundarias que hay:

- Lola Lane es Dorothy "Gabby" Marvin;
- Isabel Jewell es Emmy Lou Eagan;
- Mayo Methot, Estelle Porter;
- Rosalind Marquis es Florrie Marquis (papel que un principio estaba pensado para una jovencísima Jane Wyman);
- Jane Bryan como Betty Strauber.









El crimen organizado, la prostitución, el hampa, el suspense y el romance se dan la mano en esta típica producción Warner. Las actrices ocupan el centro de gravedad de la acción de la película, impulsándola en cada una de las escenas, por tanto la progresión de la cinta gira en torno a ellas.

Son mujeres decididas, independientes, autónomas y luchadoras, prototipo de mujer que se impondría en el cine americano tras la II Guerra Mundial.

Se puede decir, pues, que se trata de una película de denuncia social, que trata de plasmar temas que ocupaban las primeras páginas de los periódicos estadounidenses durante los años de la Gran Depresión, como la prostitución, las bandas organizadas o el juego.





Mujer marcada es la primera película de Bette Davis para Warner tras el conflicto que habían tenido: la actriz exigió mejoras en su contrato, como más autonomía para poder elegir guiones y un aumento de sueldo, así como la capacidad de asistir a los programas radiofónicos que ella quisiera, pero Jack Warner no estaba por la labor de ceder, por lo que ella abrió una batalla legal que llegaría a su punto máximo cuando Jack suspendió a Bette Davis de toda sus funciones y la actriz se marchó a Inglaterra para rodar sin el consentimiento del estudio. Aquí no terminó la cosa y Warner Bro. contrató a un gabinete legal en Reino Unido que no le permitió rodar ni un solo plano.

La verdad es que siendo objetivos, por muy mal que tratara Jack Warner a Bette Davis (ella nunca estuvo tan bien mirada en su estudio como Katharine Hepburn en RKO o Greta Garbo en MGM, a pesar de ser la mayor estrella del mismo), legalmente la acción de la actriz no tiene fundamento alguno, pues ella tenía un contrarto en exclusiva en Warner Bro.



Curiosidades:

- Por esta interpretación Bette Davis ganó la Copa Volpi a la mejor actriz en el Festival de Cine de Venecia. Lloyd Bacon fue nominado a la Copa Mussolini (como se conocía entonces al premio otorgado al mejor director).
- Michael Curtiz dirigió la película mientras Bacon estaba en su luna de miel.
- A pesar de que al inicio del film se dice que los hechos narrados y los personajes son ficticios, lo cierto es que el personaje de Bogart está inspirado en Thomas E. Dewey, fiscal del distrito de Manhattan y que llevó a prisión a Lucky Luciano (Vanning) gracias a los testimonios y a la ayuda de varias prostitutas.
Dewey se convirtió en toda una personalidad en Estados Unidos, llegando a optar a la presidencia del Partido Republicano hasta en dos ocasiones.
- Humphrey Bogart y Mayo Methot se conocieron en esta película y poco tiempo después se casaron.
- En la película se opta por el concepto "azafata de discoteca" y no por el de prostituta, por razones obvias de censura.
- Bette Davis no estaba muy segura del realismo de la escena del hospital dada la escasez de vendajes que le habían puesto, bien, pues llevó el guión a su médico para que le pusiera los vendajes necesarios para unas heridas de tal magnitud. Cuando llegó al estudio, todos pensaron que había tenido un accidente.
- En 1947, Warner Brothers reestrenó la película.





Hasta la próxima entrada corazones.

sábado, 4 de junio de 2011

Universum Film AG. La UFA




Este conglomerado de industrias cinematográficas alemanas fue uno de los más poderosos de su tiempo, llegando en ocasiones a hacer sombra a las producciones norteamericanas de la época debido a la alta calidad de sus directores, guionistas e intérpretes (de echo, puede decirse que funcionó como escaparate idóneo para promocionarse en Hollywood), así como por la calidad de su técnica y estilo.

El período de máximo apogeo sería el de la República de Weimar, a lo largo de la década de los años 20, cayendo en los años 30 en las garras del fascismo alemán, que lo convirtió en un instrumento de propaganda Nazi.




Cartel de la película El gabinete del doctor Caligari, 1920. Esta es, quizá, la película más emblemática del estudio.





Creada el 18 de diciembre de 1917 en Berlín como un consorcio entre varias empresas (como las grandes Nordisk y Decla.), pero liderado por el entonces presidente del Deutschen Bank, Emil Georg von Strauss, como una respuesta ante la llegada de material de propaganda extranjero. Así fue como el Ministerio de Guerra y el gabinete del Gobierno Imperial (y la entidad arriba mencionada) pusieron un gran capital encima de la mesa para crear su correspondiente máquina propagandística y de servicio público en el ocaso ya de la I Guerra Mundial.

Una vez finalizada la Gran Guerra se dedicó de lleno a la producción de películas, y en 1921 fue privatizada. A partir de ese momento, comenzó la que sería la época de mayor esplendor en el cine europeo, con cerca de 500 películas al año y cerca del millón y medio de espectadores diarios. Desde ese instante su reputación creció como la espuma llegando a hacer sombra a muchas producciones norteamericanas. Por otra parte, desde Hollywood no tendrían mas remedio que reconocer el mérito alemán al adaptar muchas de las películas filmadas en el país germano.

Sin embargo, los problemas acarreados en la economía tras la I Guerra Mundial comenzaron a hacerse aún más visibles en 1923, cuando la estabilización de la moneda hizo que las ventas externas se estancaran y los márgenes de beneficio se redujeran drásticamente. Hollywood supo aprovecharse muy bien este momento de flaqueza de su más directo competidor (en algunos países europeos, como Austria, Francia o Suecia los films alemanes recaudaban más en taquilla que los norteamericanos) estableciendo una serie de acuerdos comerciales y financieros, especialmente Paramount y Metro Goldwyn Mayer en 1925. A ello ayudó el que películas como Los Nibelungos (La muerte de Sigfrido y La venganza de Krimilda) y Metrópolis (ambas de Fritz Lang), resultaron muy costosas, lo que hizo hundir aún más en el pozo al estudio (Metrópolis costó 5 millones de marcos que no se recuperaron en taquilla).






(Fotogramas de la película Los Nibelungos, Die Nibelungen, 1924; abajo cartel de la grandiosa Metrópolis, 1926. Ambas del maestro Fritz Lang).



Es en estos momentos cuando el magnate Alfred Hugenberg (propietario del Grupo Scherl, un gigante de los medios de comunicación) tomó las riendas y compró la compañía al borde de la bancarrota en marzo de 1927. Éste se puso a sí mismo en el puesto que antes ostentaba el presidente del Deustch Bank y como director general de la compañía nombró a Ludwig Klitzsch, Con esto nos metemos en el año 1928 y al nuevo jefe de producción Erich Pommer se le instó para que llevase a cabo la transición del cine mudo al sonoro.





Cartel de la película El Ángel azul, de Josef von Sternberg y protagonizada por Marlene Dietrich. Ésta fue la última película de prestigio y de éxito internacional del estudio. Es sin duda alguna, el estandarte del sonoro europeo.
Abajo, el fotograma más famoso del film.






De todo el material que se produjo a lo largo de la década, sólo se conserva un 10%.

Algunas de las películas más destacadas de esta época son (además de las de arriba mencionadas):




El Dr. Mabuse, de Fritz Lang, 1922.



El último, de F. W. Murnau, 1924.



Tartufo o el hipócrita, de F. W. Murnau, 1925.




Fausto, de F. W. Murnau, 1926.



Un estilo cinematográfico cultivado en esta época por el estudio fue el llamado Bergfilm , dedicado al esquí, alpinismo, escalada, descenso, y al deporte de montaña en general.







¿Cómo es posible que se desprestigiara un estudio que siguió produciendo buenas películas aún cuando estuvo a punto de caer en la bancarrota y que fue capaz de hacer sombra a la apisonadora de Hollywood? la respuesta es simple: porque se convirtió en un vulgar instrumento de los Nazis. Y es que el nuevo jefazo de la UFA, Alfred Hugenberg era simpatizante de la ideología que llevaría al poder a Hitler, de tal forma que en 1933 fue nombrado Ministro de Economía. Y Joseph Goebbels, Ministro de Propaganda, convirtió al prestigioso estudio la voz del führer. A pesar de ello, en este período la UFA obtuvo unos beneficios enormes, ya que sus películas y proyecciones adquirían la totalidad del mercado de todas las zonas ocupadas, llegando a adquirir las instalaciones de productoras cinematográficas francesas.

En 1937 los Nazis tenían el 72% de la UFA, y en 1942 la compañía fue nacionalizada en su totalidad por el Tercer Reich, de tal forma que el estado engulló todas las productoras distribuidoras de cine no sólo de Alemania, sino de todos los territorios ocupados.




Münchhausen, dirigida por Josef von Báky, es un ejemplo de películas rodadas en la UFA durante el nazismo.



Una vez hubo finalizada la II Guerra Mundial la UFA cesó su actividad, pues se vinculaba el nombre del estudio al régimen anterior; tanto es así que, cuando se reeditaban algunos de sus productos se borraba el nombre del estudio de los títulos de crédito.
Por otra parte, el emplazamiento de la UFA se encontraban en la parte soviética del país, por lo que se incorporaron a la parte comunista de Alemania cambiando su nombre por DEFA (Deutsche Film AG) consiguiendo reclutar a muchos de sus antiguos técnicos, actores y directores exiliados durante la época del Terror, continuando así con la antigua tradición, pero nada fue lo mismo.

Con la unificación de las dos Alemanias, DEFA fue disuelta.




¿Qué ocurrió con la UFA tras la caída del social-nacionalismo alemán? En la actualidad se conoce como UFA Film&TV produktion y pertenece desde 1964 a Bertelssman Gruppe, y la empresa encargada de las salas de cine, UFA Konzerns fue vendida a una empresa australiana en 1976.


Para finalizar os dejo unas fotos de las grandes estrellas de la UFA. Hasta la próxima entrada corazones.




Josef von Sternberg, al que únicamente puedo definir como un genio.



Emil Jannings, la estrella más rutilante del estudio. Tuvo el honor de convertirse en el primer actor ganador de un Oscar (gracias a una película de Josef von Sternberg, The last command). Su afinidad con el régimen nazi (aunque algunos creen que solo era por seguir rodadndo en Alemania, pues el cine sonoro y su fuerte acento al hablar inglés le perjudicaron) le permitió seguir trabajando en la UFA, y tras la derrota del régimen y ante la imposibilidad de encontrar trabajo en el cine, se retiró a Austria hasta el día de su muerte.




Ernst Lubitsch. Pues eso, el Mr. Pronto se marcharía a Estados Unidos, pero su legado en Alemania es innegable.




Fritz Lang, sin duda alguna, uno de los grandes y que hubo de exiliarse por sus orígenes judíos.



F. W. Murnau, director de la prestigiosa Amanecer.



Marlene Dietrich. En su época UFA no destacó como lo haría después en Hollywood, sin embargo protagonizó el último éxito internacional del estudio alemán y todo un emblema del "nuevo" cine sonoro, El Ángel azul.



Una arrebatadora y sexy Pola Negri.



P.D: en la actualidad, los derechos de las películas de la UFA los tienen los herederos del gran director Friedrich Wilhelm Murnau.