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La ley del silencio (On the waterfront, 1954)

2012-01-23T17:40:00.001+01:00

El ex-boxeador Terry Malloy (Marlon Brando) podría haber sido un serio aspirante al título, pero se ve obligado a buscarse la vida trabajando para Jonnhy Friendly (Lee J. Cobb), el jefe de la conflictiva banda de gangsters de la ciudad.
Cuando dos de los matones de Friendly asesinan brutalmente a un hombre, Terry comienza a sentirse culpable con la vida que lleva, iniciando ua peligrosa carrera para derrocar al imperio del hampa.

La ley del silencio es uno de los títulos más incómodos de entre toda la iconografía del cine estadounidense. Triunfador en el momento de su estreno y vencedor en 1955 en la gala de los Oscars (alzándose con 8 premios, entre ellos, Mejor película, mejor director, mejor guión y mejor actor principal), nunca ha podido disipar la consideración de las circunstancias y motivos subyacentes a la gestación de la película, como la delación que protagonizó Elia Kazan en la famosa "Caza de brujas" de McCarthy, y que tuvo que sobrellevar toda su vida.

Una mirada desprejuiciada a esta película, dejará ver que se trata de un producto cinematográfico que basa su credibilidad en la atmósfera y en la labor de sus actores (especialmente Brando). El film de Kazan se desarrolla en un ambiente lúgubre, en los muelles de Nueva York, y allí encontramos a hombres embrutecidos y cansados que conviven en un ambiente obrero donde la mujer queda resignada al hogar. El peso de los sindicatos es abrumador y todos los resortes están en manos de Jonnhy Friendly, un mafioso con su pequeña "corte" de gangsters, entre los cuales destaca Charley Malloy (Rod Steiger).

La película se inicia con la muerte de un joven delator que ha accedido a la terraza de su vivienda por mediación de Terry Malloy (Brando), una persona carente de personalidad y que a raíz de ello sufre una crisis personal en la que jugará un importante papel su relación con Edie Doyle (Eva Marie Saint), hermana del asesinado. Tras otra serie de trágicos sucesos, se dará cuenta de todo y alcanzará la dignidad y la convicción necesarias para erigirse como portavoz de la banda de gansters.

La mayoría de los personajes desprenden una sensación "de verdad", una intensidad pocas veces encontrada en el cine. En declaraciones posteriores, el realizador destacó siempre la sinceridad de la relación entre los personajes de Brando y Saint, o la escena en el interior del taxi de los hermanos Malloy, cuyas dificultades de producción revirtieron en la intensidad del resultado.

No cabe pues duda de que La ley del silencio es uno de los mejores ejemplos del talento de Marlon Brando y contiene los elementos que forjaron su mito e hicieron que ganara su primer Oscar (que no rechazó, como 15 años más tarde haría con el que ganó por El padrino). Aquí realiza un trabajo magnífico, sincero y sensible, con personaje hondo y bien delimitado.

El resto del reparto no es menos destacable: Eva Marie Saint, que logró el Oscar a la mejor actriz de reparto; Karl Malden como el padre Barry, una interpretación poderosa; Rod Steiger, enérgico y sentimental; y Lee J. Cobb, rotundo, espléndido.

Arriba, Marlon Brando y Lee J. Cobb, abajo, Karl Malden y Eva Marie Saint.

Al ver esta película resulta difícil no acordarse de la situación en la que se vio envuelto Elia Kazan al colaborar con el Comité de actividades anti-americanas, y que vio como su prestigio fue a menos. El caso es que colaboró y dio los nombres de compañeros que pertenecían al partido comunista (al que él mismo perteneció en sus años teatrales), y se dice que esta película es una controvertida alegoría que el realizador de origen turco hizo para justificar su modo de obrar en la famosa "Caza de Brujas".

La escena de la discusión entre los hermanos Malloy en la parte trasera del coche (las dos fotos de arriba) es de las más memorables del cine, y en la película Toro salvaje, Robert de Niro hace referencia a ella en un monólogo al final de la película.

Y para finalizar, aquí os dejo esta divertida foto de Karl Malden y Marlon Brando bromeando durante el rodaje de La ley del silencio.

... y esta otra de la gala de los Oscar, en la que vemos a los actores galardonados por sus interpretaciones como actores principales: los guapísimos Marlon Brando (La ley del silencio) y Grace Kelly (La angustia de vivir).

Hasta la próxima entrada corazones.

Please, be silent. (The Artist, 2011)

2012-01-10T23:34:00.001+01:00

Después de una larga pausa navideña volvemos para felicitaros el año (un poco tarde) y, como no, con más cine. Feliz 2012 y que éste año venga cargado de buen cine y alguna que otra sorpresa, como la que nos dio el pasado año la película, The Artist.

No es habitual que en éste blog hablemos de una película de actualidad (más que no habitual, digamos que nunca lo hemos hecho =P) pero tampoco es habitual que se estrenase en 2011 en los cines una película muda al más puro estilo años 20.

1927, el actor George Valentin (¿homenaje a Valentino?) (Jean Dujardin) está en la cumbre de su carrera como actor de cine mudo pero la llegada del cine sonoro será el fin de su carrera artística y su ruina moral y económica.

Mientras tanto, una de las que fuera extra en una de sus películas, Peppy Miller (Bérénice Bejo) ascenderá al estatus de estrella.

Nos encontramos ante un proyecto arriesgado. Tan arriesgado que nada menos que ocho productoras han sido necesarias para respaldar esta magnífica película. Y es que en la era de los efectos especiales, no es nada fácil conseguir que entre veinte opciones, si no más, que nos da un multicine, todas ellas películas sonoras, en color, algunas animadas, otras con efectos especiales, alguna que otra en 3D, decidamos entrar a ver la única película muda y en blanco y negro.

Reconozco que hasta yo, que soy una friki de éste tipo de cine, tenía mis reservas. Ser una friki del cine clásico no significa que te guste todo. Y algunas películas mudas que he visto me han aburrido soberanamente hasta el punto de tener que quitarlas después de despertarme de un sueño exquisito.

Pero con The Artist no he tenido tiempo de pensar en cuánto le quedará a la película, porque no me importaba. Estaba demasiado dentro de la historia, demasiado dentro de la banda sonora y de las historias de los personajes. The Artist es una historia de amor, de éxito, de fracaso, de miseria, de orgullo... También es un homenaje al cine mudo y a todos los que lo protagonizaron, algunos con más fortuna que otros, porque fueron pocos, muy pocos, los que sobrevivieron al cine sonoro.

Llena de momentos brillantes, que acompañados de una banda sonora creada por Ludovic Bource alcanza un punto mágico que sabes que no es de ésta época. Momentos especiales a los que no estamos acostumbrados, mal que nos pese.

Jean Dujardin nos recuerda a aquellos galanes del cine mudo, hasta el punto en que una ya no se lo imagina en una película actual. Mejor dicho, que una ya no se lo imagina del mundo actual. Y tengo que reconocer, a riesgo de que penséis que soy retrasada, que había visto a Jean Dujardin en Pequeñas Mentiras Sin Importancia y no sabía que era él. De hecho, acabo de descubrirlo.

Aunque la caracterización es importante, me atrevería a decir, que Jean Dujardin ha trabajado hasta la sonrisa. Pero eso ya es pura especulación de la casa.

Como sabéis, los actores del cine mudo gesticulaban mucho más que los actores del cine sonoro, pues la expresión era fundamental, junto con la música. Al ser The Artist una película que nos cuenta la historia de un actor de cine en los años 20/30, vemos a George Valentin dentro y fuera de la pantalla y se aprecia la diferencia perfectamente. Esos gestos y aspavientos exagerados, como los famosos desmayos repentinos con mano en la frente.

Los pocos actores y actrices que lograron sobrevivir al cine mudo, no se desprendieron fácilmente de ese "lastre". Algunos, simplemente, no se desprendieron. Dujardin y Bejo hacen un trabajo más que digno.

Mención especial para John Goodman, el único veterano de la película, que encarna al productor sanguijuela.

La banda sonora es brillante. Contiene toda la gama de emociones de la A a la Z. Sin duda, la película le debe mucho a ésta formidable música, obra de Ludovic Bource.

The Artist Main Theme

Waltz For Peppy

Comme une rosée de larmes

Aquí huele a Oscar, que lo sepas, John Williams.

Guión y dirección a cargo de Michel Hazanavicius, nombre que volveremos oír muy pronto en este año en que se estrenará su nueva pelicula, Les Infidèles. Pero que nadie se espere algo al estilo The Artist. Al parecer, se trata de una comedia sexual/romántica. Habrá que esperar a verla. Si algo nos enseña el cine es a esperar antes de hablar.

Por ahora, nos quedamos con el sabor dulce de The Artist y todos sus merecidos premios:

- Globos de Oro: 6 nominaciones, incluyendopelícula comedia/musical, director y actor

- Festival de Cannes: Mejor actor (Jean Dujardin)

- Festival de San Sebastián: Premio del público

- Festival de Hampton: Mejor película (Premio delpúblico)

- Festival de Sevilla: Premio del público

- Círculo de críticos de Nueva York: Mejorpelícula y director

- Premios del Cine Europeo: Mejor banda sonora. 4nom., incluyendo mejor película

- Independent Spirit Awards: 5 nominaciones,incluyendo mejor película y director

- Satellite Awards: Mejor dirección artística. 5nominaciones, incluyendo mejor película

- Premios de laCrítica de Washington (WAFCA): Mejor película

- Screen ActorsGuild: 3 nominaciones. Actor, Actriz secundaria y reparto

- Premios Goya: Nominada a Mejor película europea

Y por último y para crear un poco de debate, os pregunto, ya hayáis visto la película o no: ¿os parece novedoso hacer este tipo de cine en nuestra época o creéis que el pasado debe quedarse en el pasado?

Saludos y abrazos.

La bella y la bestia (Beauty and the beast, 1991)

2011-12-22T17:01:00.001+01:00

Estas son fechas muy de niños, alegres y al tiempo nostálgicas. Es por ello por lo que hoy he decidido escribir sobre una de las películas más bonitas que ha pasado por delante mis ojos, aunque quizá esto sea porque es la primera que recuerdo haber visto.

Resulta curioso que en este nuestro blog no hayamos (que recuerde) dedicado una entrada a Disney, otro de los grandes estudios de Hollywood durante la época dorada del cine en Estados Unidos. También es cierto que este es blog de cine clásico, y la película que hoy nos ocupa tiene 20 años, pero... ¿no es todo un clásico del cine para niños (y no tanto)?

¿Quién iba a ser capaz de amar a una bestia?

Bella, una joven muy hermosa y que le apasiona la lectura se aloja en un lúgubre castillo a cambio de obtener la libertad de su padre, prisionero de una horrible y cruel bestia. Aunque en realidad es un bello y apuesto príncipe preso de una maldición. Para romper el hechizo, deberá hacer que la joven se enamore de él antes de que caiga el último pétalo de una rosa encantada.

Dirigida por Gary Trouslade y Kirk Wise y con guión de Linda Woolverton, la historia está basada en un cuento popular centro-europeo que contó con varias versiones durante el S.XVIII (remontándose la primera un siglo antes), siendo la de la escritora Jeanne-Marie Leprince de Beaumont la más popular, y precisamente fue esta la que cogieron los de Disney para adaptarla y hacer la película.

Hay claras diferencias entre la versión del estudio cinematográfico y las de la autora francesa, entre las más destacadas nos encontramos:

- que mientras en el cuento francés Bella tiene otras dos hermanas caprichosas y egoístas, siendo ella humilde y bondadosa, en los dibujos animados es hija única;

- otra diferencia la encontramos en el padre, pues Disney nos lo representa como un científico-inventor un poco loco, y en el cuento es un rico mercader.

- Pero la diferencia más notable la encontramos en la rosa: en la versión de Jeanne-Marie Leprince Beaumont se nos narra que un día llega a la ciudad un barco cargado de ricas mercancías por lo que se arma un gran alboroto, sin embargo la realidad es que prácticamente no lleva nada. Decepcionadas ante la noticia de quedarse sin joyas y demás alhajas, el padre de Bella se embarca en un largo viaje para traerle a sus hijas mayores valiosas piezas y gemas y a bella una simple rosa, que es lo único que quiere. Pero cuando ya se hace a la mar, una terrible tormenta hace que tenga que refugiarse en un castillo, donde, pasada la noche, se despierta con un lujoso traje a su lado. Cuando se dirige a la salida del castillo ve un jardín lleno de rosales y se acuerda de su hija Bella y el regalo que quería, por lo que corta la más bonita de todo el jardín... cuando de pronto una terrible y temible bestia aparece y le reprocha que a cambio de su hospitalidad, él se ha atrevido a robarle una flor, por lo que se dispone a darle muerte. En ese instante el pobre mercader suplica poder ver a sus hijas por última vez, petición que la bestia acepta, pero con la condición de que una de sus hijas ocupe su lugar.

- La transformación de la Bestia en príncipe es también muy diferente, pero no os la contaré, aunque es mucho más bonita la del cuento que la versión de Disney.

La bella y la bestia supuso para Disney su renacimiento definitivo (aunque a decir verdad comenzó dos años atrás con La sirenita) y fue la primera película de animación nominada al Oscar a la Mejor película (la categoría de Oscar a la mejor película de animación aún no existía) y se alzó con otros dos: mejor canción original (para la canción Bella y bestia son) y banda sonora original (ideadas por Howard Ashman y Alan Menken, los mismos que La sirenita). Además, otras dos canciones más estuvieron nominadas en la categoría de mejor canción original y en la categoría de mejor sonido. Por otra parte, la película ganó el Globo de Oro a la mejor película en la categoría de comedia o musical.

Durante las décadas de las 30 y los 40, el estudio de Walt Disney quisó hacer una adaptación de este cuento de tradición europea, sobre todo tras el éxito de Blancanieves y los siete enanitos, sin embargo cuando en 1946, Jean Cocteau llevó a la gran pantalla su versión de la historia, decidieron retirarse y aplazar el proyecto. Y vaya que si lo demoraron... pues no fue hasta 1988, y tras el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? cuando se decidieron a desempolvar el proyecto del casillero.

El proceso de producción de la película fue altamente laborioso, pues hasta tres años se precisaron para terminar el film: requirió el trabajo de más de 600 animadores que hicieron más de 226 mil dibujos pintados de forma individual y 14 diseñadores de arte que idearon más de 1300 fondos; se requirió también la presencia de otros tantos técnicos para los efectos por ordenador, muy novedosos para la época. Además, todos ellos asistieron a clases de vals para que los movimientos de los protagonistas fuesen más reales en la escena del baile.

Es importantísimo destacar que es la primera película Disney con guión, pues en las cintas anteriores se trabajaba a partir de story boards.

Curiosidades:

- La película se proyectó por primera vez en septiembre de 1991 durante el Festival de Cine de Nueva York, aún sin terminar del todo, lo que no impidió que el público le dedicase una gran ovación. Casi un año después, se proyectaría en el Festival de Cine de Cannes;
- Se estrenó el 13 de noviembre en Estados Unidos y tras su estreno en el resto del mundo, consiguió recaudar 403 millones de dólares en taquilla;
- En la versión china de la película, Jackie Chan pone la voz a Bella;
- Howard Ashman, compositor de la BSO, murió por complicaciones acarreadas por el SIDA meses antes de estrenarse. A él se le dedicó la película.

Corazones, no quisiera despedirme sin ofreceros mis más sinceros deseos de que paséis una muy feliz Navidad y tengáis un maravilloso 2012.

Muchos besos a to@s.

La Mala Semilla (The Bad Seed) 1956

2011-12-13T20:40:00.002+01:00

Creo que rara vez me he saltado mi particular norma de hablar en el blog sólo de películas que me hayan gustado para, básicamente, no perder el tiempo yo y no hacérselo perder a nadie.

Con "La Mala Semilla" de Mervyn LeRoy no sabía muy bien que hacer pues, aunque la película me ha parecido irrisoria, la idea en torno a la que gira la película me pareció muy buena y original: psicópatas infantiles. Y con ella las preguntas: ¿Los asesinos nacen o se hacen?, ¿la "maldad" es innata o adquirida?...

Rhoda (Patty McCormack) es una niña de 8 años, rubísima y empachosamente repelente. Se sube la falda para saludar y toca el piano. También es una asesina fría y calculadora.

Cuando se va de campamento en verano, un niño muere en extrañas circunstancias y su madre, Christine (Nancy Kelly) se pone sobre aviso al notar la fría reacción de la niña ante la muerte de su supuesto amigo y los rumores de que Rhoda guarda en su habitación la medalla que el niño llevaba colgada cuando lo vieron por última vez. Y es que Rhoda anhelaba tener esa medalla...

Christine empieza a atar cabos y descubre que su repelente hija es la asesina de otras personas de su entorno.

La idea no estaba mal pero "La Mala Semilla" se pierde demasiado en el drama y en la historia de la muerte del niño. Eso hubiera sido interesante si la intriga se mantuviera y no supiéramos desde el principio que la asesina es Rhoda. Pero, teniendo un tema entre las manos tan interesante como la psicopatología infantil, la película se regodea en el sufrimiento de la madre de Rhoda, Christine, y su preocupación maternal.

Con Christine sale a relucir en varias ocasiones el tema del psicoanálisis. Es hija de un famoso psicoanalista que trabaja con psicópatas y asesinos pero cree que es adoptada porque a veces tiene sueños extraños en los que se ve de pequeña con una mujer extraña que supone que es su verdadera madre. Y es que la verdadera madre de Christine y abuela biológica de Rhoda fue una famosa asesina en serie. Hete aquí la cuestión.

Que sepamos, Christine no es ninguna psicópata pero, su hija Rhoda, sí. Las dos han sido criadas por familias acomodadas en un entorno saludable, ergo, ¿la maldad viene determinada por la genética? Sobre éste tema se han hecho infinidad de estudios, al principio demasiado extremistas. Se ha dicho de todo, tanto que el carácter es cien por cien genético como que estamos determinados exclusivamente por el entorno.

Hoy sabemos que la personalidad y el carácter de las personas es una mezcla de genética y entorno, fifty fifty. Por lo cual, ninguna conducta es absolutamente definitiva.

La cuestión es que la película parece posicionarse en la opinión de que un psicópata lo es desde que nace, que lo lleva en los genes. Y, por definición, nos dicen, que no hay nada que hacer, o lo que es lo mismo, que el que nace lechón, muere cochino. (Llevo dos años intentando colar ésta frase )

Christine intenta informarse sobre la psicopatología infantil en torno a los colegas de su padre, y todo lo que obtiene como respuesta es verdaderamente descorazonador: hay niños asesinos, si. Y lo seguirán siendo en el futuro. Y casi que le dicen "y si te toca, te toca." A partir de aquí se plantea el dilema moral de Christine, ¿que hacer con Rhoda, si no tiene remedio?.

Una de las cosas que más me chocó es la referencia que se hace a la Frenología, una teoría que afirmaba poder determinar el carácter, la personalidad y las posibles tendencias criminales a través de la forma del cráneo cabeza y facciones. Hay un momento en que Christine le pregunta a un doctor: "¿Es cierto que los asesinos tienen unas facciones determinadas?" Y el doctor le responde que si.

Me pareció increíble y totalmente desfasado que una película de 1956 afirmase una teoría de 1800...

Pero para desfasados los personajes secundarios.

La madre del niño asesinado por Rhoda (Eileen Heckart) que entra y sale de la casa de los Penmarck de forma tan intermitente como entra y sale su borrachera de su cuerpo.

El jardinero (Henry Jones) que pretende ser inquietante y se quedó en sobreactuado y ridículo.

Pero nada es comparable con el espantoso, ridículo y moralista final. Ni con esos dos minutos finales una vez terminada la película dónde nos presentan a los actores al más puro estilo "El Chavo del Ocho" y Christine le da a Rhoda unos azotes en el trasero que se hubiese cargado la película aunque ésta hubiese sido una maravilla. De vergüenza ajena, vamos. Pero nada es comparable con la vergüenza ajena de ver las fotos promocionales de la película a cargo de Patty McCormack.

...

Con lo que pudo ser...

Saludos.

Lo que el viento se llevó (Gone with the wind, 1939)

2011-11-30T10:30:00.003+01:00

Es difícil hacer una entrada dedicada a esta película, ¿cómo describir algo que es ya archi-conocido por todos? páginas y páginas web contiene información de uno de los CLÁSICOS (efectivamente, con mayúscula) del cine.
Llevo mucho tiempo pensando y re-pensando esta entrada, dado su fama y categoría, quería hacer una entrada digna de tal obra de arte.
Así, desde este mi humilde espacio, paso a dar mi punto de vista de la que probablemente, sea la película más vista de la historia del cine.

Lo que el viento se llevó es más que una película, pues antes de empezar a rodar se convirtió en leyenda y con el paso del tiempo ha ocupado un lugar de preferencia, mucho más allá de críticas o modas.

Nos encontramos, pues, ante una de las más famosas películas de la historia del cine. Basada en la novela de Margaret Mitchell, y ganadora del Premio Pulitzer; su rodaje duró 125 días y supuso cambios muy importantes en la técnica cinematográfica, siendo en su día, la película más larga jamás rodada.
Este romance épico, considerado el primer prototipo de súper-producción de Hollywood, fue nominada a 13 Oscars, se alzó con 8 estatuillas doradas más tres premios honoríficos. resultó vencedora en las categorías de: Mejor película, Mejor director (Fleming), Mejor actriz principal (Vivien Leigh), Mejor actriz de reparto (Hattie McDaniel, la inolvidable y entrañable "Mami"), Mejor guión adaptado (Sidney Howard), Mejor dirección artística, Mejor fotografía y Mejor montaje; y resultó nominada en los apartados de Mejor actor principal (Clark Gable), Mejor actriz de reparto (Olivia de Havilland), Efectos visuales, BSO y Mejor sonido.
En cuanto a los galardones honoríficos, son: Irving Thalberg Memorial (para David O. Selznick), Oscar honorífico, para William Cameron Menzies, y el Technical Achievement Award, para la Selznick International Pictures y Don Musgrave.

Esta epopeya sureña cuenta la vida de sus protagonistas antes, durante y después de la Guerra de Secesión:

Sur de Estados Unidos, mediados del siglo XIX: la Guerra de Secesión está a punto de estallar y los jóvenes parecen no hablar de otra cosa. Sin embargo, la joven caprichosa y vanidosa Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), la más bella de la región, únicamente piensa en Ashley (Leslie Howard) y en cómo conquistarlo, pero él está prometido con la dulce Melania (Olivia de Havilland).
Aunque el olor a guerra se puede notar en el ambiente, corren tiempos felices aún en Tara y en todo el viejo sur, y en una fiesta Rhett Butler, un arrogante vividor (Clark Gable) se cruza en el camino de Scarlett.
Pronto, la felicidad y deseos de los protagonistas se ve truncada ante el inminente anuncio del comienzo de la guerra y la llamada a filas de todos los hombres.

Cuando el libro se convirtió en un éxito de ventas, David O. Selznick compró los derechos de la obra (por 50.000 dólares de la época). Estaba entusiasmado con la idea de llevar la novela al cine, sin embargo la puesta en marcha del rodaje le dio más de un quebradero de cabeza, empezando porque sería tan costosa que ningún estudio estaba por la labor de hacerse cargo. En estas, Jack Hay Whitney, presidente del consejo de administración de Selznick International Pictures dio su visto bueno, a pesar de la opinión de cualquier gran estudio. No fue el peor obstáculo: hasta ¡5! directores pasaron por la silla de dirección: el primero fue George Cukor, que pronto fue despedido por las continuas peleas con Clark Gable, a continuación Víctor Fleming, que cuando se le avisó aún se encontraba en medio del rodaje de El Mago de Oz, pero tras unas semanas de rodaje cayó enfermo y tuvo que ser sustituido por Sam Wood. Debido a otros avatares, Reeves Eason y William Cameron Menzies también se pusieron al frente del film. A pesar de todo, y dado que la mayor parte del metraje corre a cargo de Víctor Fleming, él es el único que figura en los créditos.

De haberse llevado a cabo la película tal y como se tenía concebida en un principio, hubiesen sido necesarias 6 horas de película. Cuando cayó en las manos de Víctor Fleming el primer manuscrito del guión, quedó totalmente disgustado, por lo que se encerró con Ben Hecht durante cinco días en un despacho hasta que no moldeó el guión a su gusto. Sin embargo Hecht no aparece tampoco en los títulos de crédito, al igual que Jo Swerling, Oliver Garrett, Scott Fitzgerald o John Van Drutten.
El guión final quedó a cargo de la propia autora de la novela y de Sidney Howard.

Respecto al director, George Cukor estuvo dos años en la pre-producción, y al cabo de dos semanas fue despedido. Las que más sufrieron la pérdida fueron Vivien Leigh y Olivia de Havilland, que suplicaron a David O. Selznick que no le cesara: la primera, porque le ayudó a preparar y estudiar el personaje hasta el último milímetro, la segunda, porque consiguió el papel gracias a él. Eso sí, el director continuó trabajando con ellas en la sombra, ayudando a los dos actrices a pulir aún más sus personajes.

Prueba de cámara de Olivia de Havilland y Vivien Leigh.

Ríos de tinta han corrido acerca del despido de Cukor... lo cierto es que Clark Gable no tragaba al director, pero los motivos principales fueron el guión y el sueldo, según consta en una carta entre Susan Myrick y Margaret Mitchell.

Como ya he dicho más arriba, el rodaje duró 125 días, pero para la elección de la actriz principal se precisaron ¡dos años de casting! David O. Selznick parecía no encontrar la actriz que diera el perfil de Escarlata O'Hara, y fueron muchas las actrices en las que se pensó y muchas más las que hicieron las pruebas de cámara.

En un primer momento, esta fue la lista por orden de preferencia:

- Miriam Hopkins (era la favorita de la autora de la novela);
- Katharine Hepburn;
- Bette Davis;
- Joan Crawford;
- Tallullah Bankhead;
- Margaret Sullavan;
- Norma Shearer;
- Barbara Stanwyck;
- Paulette Goddard;

Otras actrices destacables son: Olivia de Havilland (en el puesto 12), Jean Arthur (en el 14), Claudette Colbert (17), Irene Dunne (18) o Helen Hayes (22).
La cuestión era que aunque las actrices quisieran participar en la película y los productores estaban de acuerdo, los estudios bajo los cuales tenían su contrato no lo pusieron fácil para cederlas (como pasó, por ejemplo, con Bette Davis), y otras disponibles, no convencieron a los productores.

Miriam Hopkins era la preferida de Margaret Mitchell pero había un pequeño problema con ella: tenía 35 años y no daba el perfil de una jovencita sureña caprichosa y egoísta. Metidos ya en diciembre del 38, sólo tres actrices resistieron los casting: Jean Arthur, Joan Bennett y Paulette Goddard, pero únicamente las dos últimas pasaron las pruebas de cámara en technicolor... se dice que varios centenares de actrices intentaron hacerse con el papel femenino más codiciado de la historia del cine.

Y justo cuando David O. estaba a punto de anunciar a bombo y platillo a Paulette Goddard, una joven Vivien Leigh se cruzó en su camino y lo tuvo claro: ninguna actriz daba el perfil de Scarlett O'Hara, ella era la única.

Myron Selznick, hermano de David, los presentó. Se reunieron por primera vez el 10 de diciembre de 1938, justo la noche en que se iban a quemar los decorados de la película King Kong para realizar la escena del incendio de Atlanta, una de las más importantes de la película, y ante las llamas, el humo y el fuego todo encajó: ella era la mejor opción.

La elección se hizo oficial el 13 de enero de 1939. Se gestaba la leyenda.

Todas estas vicisitudes para la elección del papel protagónico femenino, contrastan con la del protagonista masculino, pues desde el principio se tuvo claro: ese papel sólo podía ser interpretado por Clark Gable (aunque sonaron con fuerza rumores acerca de que Rhett Butler sería interpretado por Gary Cooper).

Respecto a Leslie Howard, contaba ya con 46 años, por lo que en un principio rechazó el papel de Ashley, pero David O. sabía que lo que ansiaba el actor era convertirse en productor, por lo que se comprometió a que le ayudaría a producir y protagonizar la película Intermezzo, junto a una jovencísima y desconocida Ingrid Bergman.

Como curiosidad, cabe aquí citar la proposición de Warner Brothers: un paquete en el que se incluía a Bette Davis, Errol Flynn y Olivia de Havilland, a cambio de los derechos de distribución.

Con todo esto, no es de extrañar que la prensa siguiera muy de cerca todos los entresijos de pre-producción y preparación de la película y ya en sí el propio rodaje cuando empezó, lo que alimentó el morbo de periodistas, críticos y público, siendo una gran estrategia de marketing (lo que no sabemos es si se hizo a posta o no) que hizo que durante dos años estuvieran en boca de todos y creara mucha espectación a lo largo y ancho de Estados Unidos.

Los dos amores de Escarlata O'Hara.

Abajo, la dulce Melita.

"Francamente querida, me importa un bledo", esta frase que le dedica Rhett Butler a Escarlata O'Hara es una de las más populares del cine, elegida por la AFI como la más memorable.
"Frankly my dear, I don't give a damn" estuvo a punto de no pasar la censura, pues la palabra "bledo" encendió a los censores. Se dice que David O. Sleznick pagó 5.000 dólares de multa a la Motion Pictures por emplearla. Pero la realidad es que el 1 de noviembre del 39, el organismo responsable del Código Hays aprobó un decreto en el que se decía que palabras como "damn" o "hell" podrían usarse siempre y cuando "su uso sea esencial y necesario para la representación, el contexto o alguna escena o diálogo basado en hechos históricos o folclóricos, (...) o una cita literaria, siempre y cuando no ofenda al buen gusto".

En España, la frase se tradujo como "Francamente querida, eso no me importa".

Lo que el viento se llevó se estrenó en Atlanta el 15 de diciembre de 1939, y con motivo de tal celebración se decretaron tres días de fiesta en la ciudad, acudiendo a la cita no solo los protagonistas y productores, también Margaret Mitchell, Carole Lombard o Laurence Olivier. Como contrapunto, los actores de raza negra no fueron invitados, quedando excluidos del evento.

Y es que diversos movimientos en pro de los derechos civiles critican la visión idílica que se da en la película de la esclavitud, viendo una idealización del viejo sur, en la que los blancos representan los valores tradicionales y la esclavitud queda justificada en gran medida.

Frases:

- "Aunque tenga que matar, engañar o robar, a Dios pongo por testigo de que jamás volveré a pasar hambre", Scarlett O'Hara.

- "¿Te has olvidado de lo que es vivir sin dinero? Me he dado cuenta de que el dinero es lo más importante del mundo y no estoy dispuesta a que me vuelva a faltar", Scarlett O'Hara.

- "Y ahora que eres tan rica, puedes mandar a todo el mundo al diablo, como siempre has querido hacer" Rhett Butler / "Pero tú eras el primero al que quería mandar al diablo" Scarlett O'Hara.

- "Hay algo que amas más que a mí, se trata de la tierra roja de Tara" Ashley a Scarlett.

- "Señor, no es usted un caballero" Scarlett / "Ni usted una dama. No se ofenda. Las damas no tienen ningún atractivo para mí" Rhett Butler.

- "Realmente, mañana será otro día" Scarlett O'Hara.

Detalles curiosos:

- Presupuesto de la película: 4'25 millones de dólares. Pero si se ajusta ello a la recaudación, resulta ser una de las películas más taquilleras de la historia, y si añadimos el merchandising, obtenemos una de la más beneficiosas.
- El papel de Bonnie Blue Butler iba a ser interpretado por Elizabeth Taylor, pero su padre no quiso.
- El ex presidente de Estados Unidos Jimmy Carter recordó años más tarde el estreno en Atlanta de Lo que el viento se llevó como "el mayor evento que he visto en el sur en mi vida".
- Una de las escenas más espectaculares es aquella en la que podemos ver a los combatientes tendidos en el suelo tras la batalla. Para ello se emplearon extras y muñecos vestidos con los uniformes para dar esa sensación de vida y muerte. Poco a poco, la cámara va abriendo el plano para terminar enfocando la bandera sureña y los soldados agonizando bajo sus pies.

Hasta la próxima entrada corazones.

Charles Chaplin (3ª Parte. El Nacimiento de Charlot)

2011-11-22T21:08:00.000+01:00

1ª Parte: Charles Chaplin. El Teatro.
2ª Parte: Llegada a Hollywood.

En la segunda parte dejamos a Chaplin situado en su nueva compañía cinematográfica, la Essanay. Allí descubrirá y moldeará al personaje más universal de la historia: Charlot, el vagabundo, el tramp.

Chaplin, acostumbrado a hacer gags cómicos, intenta desviarse por el camino del drama en su primera película para la Essanay, "La Vida".

Y poco a poco va formando el mundo que rodeará a Charlot, como los personajes que le rodearán durante tantas películas. Los "básicos": la chica de la que se enamora el vagabundo, su amor platónico; el hombre grande, su rival; el hombre más pequeño que él, con el que Charlot de vez en cuando se desquitará dándole alguna que otra patada en el trasero.

Arriba: Chaplin y Edna Purviance, "la chica" de sus películas desde la segunda, "Charlot Trasnochador", hasta "Una Mujer en París". (Cuando Edna Purviance dejó de trabajar Chaplin le pasó una pensión hasta su muerte, aunque su esposa fuese otra, durante 33 años)

Las películas de Chaplin llegan a una Europa devastada por la guerra. Sus películas se convierten en momentos de evasión para los soldados y en momentos de ilusión para unos europeos cansados y aturdidos por una guerra que nunca acaba. Europa quiere reir, y esa risa se llama Charlot. Más allá de la risa, los intelectuales lo descubren y lo proclaman, principalmente los franceses.

Mientras, en la industria del cine, la muerte del trust marcaba un antes y un después.

En la primera década del siglo XX, Edison patentó gran cantidad de dispositivos cinematográficos. Pretendía hacerse con el monopolio del cine. Pleiteaba con las productoras que intentaban hacer películas con sus patentes. De ésta forma, Edison produjo una unión de empresas llamada Trust (entre las que encontraba la Essanay) que pretendía el monopolio por encima de las compañías independientes y poseía todas las patentes americanas y europeas.

Sus patentes fueron anuladas en 1915 por la Corte Federal. Esta libertad recién adquirida estalló en una competencia sin límite.

Al finalizar su contrato con Essanay, Chaplin empezó a considerar otras ofertas. Por eso, hace un viaje con su hermano, Sidney, hacia Nueva York, para negociar su posible contrato con Spoor. El viaje en tren dura cinco días.

Al llegar a Texas, Chaplin, que está afeitándose en el lavabo, escucha una multitud excitada con banderas, puestos de refrescos... Piensa que toda esa gente se ha reunido allí para recibir a alguna personalidad importante. Cuando se asoma a la ventanilla, aún con la espuma en la cara, el gentío lo reconoce y empieza a gritar su nombre. Él es la personalidad importante.

Los telegrafistas habían comunicado el viaje de estación en estación y la prensa publicó la noticia. Tiene que dar un discurso inesperado, con la ropa a medio abrochar y el jabón aún en la cara, junto al alcalde de la ciudad.

Su hermano mayor Sidney, su "representante" y mejor amigo durante toda su vida, sabe como aprovechar todo aquel espectáculo inesperado que se encontraron en Texas y consigue para su hermano 670.000 dólares al año con la Mutual Company, mucho más de lo que percibía la, por aquel entonces, "novia de América", Mary Pickford.

Tenía 27 años y llevaba 2 en el cine.

Arriba: Charles y su hermano Syd. "Si mi hermano no hubiese regresado a Londres me hubiera convertido en un ladrón. Quizás estaría enterrado en una fosa común" Charles Chaplin.

Las películas que realiza en la Mutual son algo diferente. Chaplin trabaja sin tregua (una vez llegó a trabajar durante 100 horas seguidas, cuatro noches sin dormir) por conseguir la perfección.

Realizó doce películas para la Mutual. A la compañía le costaban 1.200.000 dólares, las distribuidoras pagaban por ellas 5.000.000 y las salas ingresaban 25.000.000 hasta 1925. Haced las cuentas de los beneficios que han podido dar las películas de Chaplin de ahí en adelante.

En 1917, la Mutual y la First National le ofrecen a Chaplin un millón doscientos mil dólares por hacerse con el mayor astro del cine, él. Sidney Chaplin se decide por la First National.

El 21 de enero de 1918, Chaplin inaugura su propio estudio.

Aparte de su gran éxito, la cara amarga de la moneda le llega en forma de cartas amenazadoras preguntándole porqué no está en el campo de batalla. En realidad, Chaplin ya ha preguntado a la Embajada británica en Washington que debe hacer en la guerra y se le contesta que seguir haciendo sus películas. (En su época ya fue considerado no apto para el servicio militar por falta de peso: 52 kilos.)

Como tantas y tantas otras personalidades y estrellas del mundo del cine, Chaplin también vendió bonos de guerra y dio giras para venderlos. También pone su arte al servicio de la causa y realiza su película "Armas al hombro"

Durante éstas giras por la causa bélica, Chaplin recibe una sugestiva proposición que se materializará, en 1919, en su propia productora junto a las otras mayores estrellas del momento: Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith. Se crea la United Artists.

En 1920, realiza la que será su primera película larga, "El Chico". (Para no repetirme, os dejo el enlace a aquella entrada que hicimos, dedicada al cine mudo, donde hablamos de Nosferatu y de "El Chico".)

Es un año agridulce, el de 1920, marcado por el éxito de su arte y el desastre de su vida personal, causado por la pérdida de su primer hijo a los pocos días de nacer y el divorcio de su mujer, Mildred Harris y los intentos despechados y sucios de ésta por hundir a Chaplin. Detalles con los que no merece la pena ensuciar el arte de Chaplin.

Chaplin inicia un viaje por Europa con el pretexto de asistir a los estrenos de "El Chico" en Londres y París. Su hermano Syd le despide en el tren y le grita a sus amigos "Por amor de Dios, no permitáis que se case."

De vuelta a Hollywood termina su siguiente película, "Día de Paga" y después de ésta, "El Peregrino" finiquitando así su contrato con la First National. Entre tanto, es inevitable mencionar los constantes escándalos en que se ve inmiscuido a través de algunas de sus conquistas como, por ejemplo, el "auto rapto" de una de sus novias, Claire Windsor, en el que Chaplin no tuvo nada que ver pero que, indudablemente, por ser quien era, le acabó salpicando.

Otros casos, mucho más dramáticos, como los de la violación y muerte de la actriz Virginia Rappe, con una botella, a manos del actor Roscoe Arbuckle "Fatty" hacen que la prensa del país y las asociaciones puritanistas empiecen a llamar a Hollywood "la nueva Babilonia". El asunto llegó a tal extremo que en 1922 se constituye la Motion Picture Producers and Distributions, al frente de la cual se puso Will Hays. No sólo se redactó un codigo ético con una serie de prohibiciones de situaciones "improcedentes" en las películas sino que se hizo un barrido de las estrellas cuya vida personal no merecía la aprobación de Hays.

Chaplin, haciendo caso omiso de las amenazas y de los consejos va trazando su primera producción para la United Artists, la "Producción Número 1". "Creo que será la obra más importante de mi carrera. Y nadie más que yo mismo puede comprender hasta que punto soy revolucionario al adoptar éstos métodos". dice Chaplin.

En la parte número 4: Charles Chaplin. Una Mujer en París.

Sed felices.

Sucedió una noche (It happened one night, 1934)

2011-11-07T21:54:00.001+01:00

La mayor gloria que puede obtener una película, de acuerdo con los parámetros de cine de Hollywood, es conseguir muchos premios Oscar. Pero lo verdaderamente importante es hacerse con los de Mejor película, director, guión, actriz y actor... bien, pues la película que hoy nos ocupa se alzó con ellos, no siendo hasta 1975, con Alguien voló sobre el nido del Cuco cuando se repitió tal proeza. Además fue hasta 1939 el film más premiado por la Academia, ya que ese año Lo que el viento se llevó arrasó hasta alzarse con ocho estatuillas doradas.

Este éxito fue totalmente inesperado. Columbia Pictures tenía a uno de los mejores directores de todos los tiempos, Frank Capra, sin embrago carecía totalmente de estrellas de primer nivel, pues entre Warner, MGM y Paramount se repartían a la gran mayoría de ellas. Clark Gable estaba bajo contrato del estudio del león cuando fue cedido como un castigo para participar en esta cinta, ¿castigo? os preguntaréis, pues sí señores/as: el actor con el bigotillo más famoso del cine lió una buena en las oficinas del estudio exigiendo mejoras en su contrato, como la opción a participar en mejores películas, elegir con quien trabajaba y un aumento de sueldo. El mundillo del cine se quedó con la boca abierta ante esta noticia, pues ¿cómo era posible que MGM cediera a una de sus mejores intérpretes para una comedia tan floja?; por su parte, Claudette Colbert tampoco tenía mucho interés en participar en esta producción. Lo hizo porque estaba bien pagado y coincidía con su período vacacional en Paramount.

Nadie, absolutamente nadie, pudo prever el apoteósico éxito de esta comedia, medio picantona y con dos estrellas con encanto, enmarcada en situaciones y lugares cotidianos.

Estos dos fotogramas son los más famosos y representativos de la cinta. La imitadísima y parodiadísima escena del "muslamen" de Claudette Colbert (abajo) ha influido tanto, que incluso hoy día sigue apareciendo en películas y sketch. En un principio la actriz no quiso rodarla por temor a que hiciera caer su prestigio. Pero cuando el director le explicó todo y vio que no era una vulgaridad, aceptó.

Ellie Andrews (Claudette Colbert) es una rica heredera y niña mimada de papá que huye de éste porque está empeñado en que contraiga matrimonio con un vulgar playboy. Durante su fuga a Nueva York, la chica traba amistad con un periodista en paro, Peter Warne (Clark Gable). Cuando el autobús en el que viajan se avería, la disparatada pareja emprende una aventura (aún más disparatada) haciendo autostop. Él espera hacer de todo ello un excelente reportaje que lo saque del paro, pero todo se complica cuando la heredera se enamora de él.

Clark Gable descamisado es otro de los fotogramas emblema del film. Abajo, los tres fantásticos de la película: Frank Capra, Claudette Colbert y Clark Gable.

Los dos protagonistas, pese a lo que he dicho antes, se vieron favorecidos por su aparición en Sucedió una noche. Clark Gable recibió el único Oscar de su carrera, que despegó hacia lo más alto a partir de este momento, convirtiéndole en todo un sex symbol. Sin proponérselo, había encontrado aquí el tipo de personaje que le haría popular y que poco a poco iría perfeccionando: el de un hombre pícaro y atrevido, con buenos sentimientos y muy masculino.
Gable empezaba ya a ser considerado como una baza muy importante para la MGM, ya que hasta entonces se había limitado a ser el galán de turno en los melodramas al uso de las grandes divas de la década, como Jean Harlow, Joan Crawford, y por supuesto, Greta Garbo. A partir de Sucedió una noche, ya nada volvería a ser como antes: ahora él sería la estrella.

En cuanto a Claudette Colbert, la película significó su descubrimiento para la comedia. Hasta entonces había encarnado personajes exóticos, como Cleopatra o El signo de la Cruz, ambas de Cecil B. deMille. Curiosamente ella debutó en el cine de manos de Frank Capra en el film Los tres papás. Además, podemos decir que 1934 fue crucial para su carrera: este film, Cleopatra e Imitación a la vida.
Resulta también complicado entender como una actriz que representaba papeles de gran sensualidad, pusiera tantas condiciones a Capra a la hora de rodar secuencias que consideraba muy osadas, por ejemplo, la escena más famosa del film, cuando hace autostop y enseña la pierna, que en un principio iba a ser rodada por una doble, pero finalmente cedió.

En cuanto al resto del reparto, cabe destacar a Walter Connolly, que anteriormente ya había trabajado con el director en la película Dama por un día.

Para el director supuso su consagración definitiva. En Sucedió una noche están presentes algunos de valores de Frank Capra, como la defensa del individualismo, la independencia y la libertad, sin bien está mucho más definido en obras posteriores. Esta es una comedia ligera de tono entretenido. Al principio nadie creyó en esta película y fue el boca a boca lo que hizo que todo el mundo cayera rendido ante ella.
El argumento de Sucedió una noche, con pequeñas variaciones sería el argumento de tantas y tantas comedias románticas, llegando incluso a nuestros días.

Hasta la próxima entrada corazones.

El cine que leo

2011-10-31T01:30:00.003+01:00

Últimamente estoy descuidando mucho la buena costumbre de comentar los libros sobre cine o biografías que voy leyendo. Tampoco es cuestión de desmenuzar cada libro como a veces he hecho.

Cómo hace tiempo que no comento ningún libro hoy comentaré tres libros de tres ilustres personas.

Las iré comentando de la que menos me ha gustado a la que más me ha gustado. Empezamos con Amarga Victoria una biografía de Ed Sikov sobre Bette Davis.

El titulo del libro, como todos sabéis, es el mismo que el de una de las más aclamadas películas protagonizadas por Bette Davis. El libro lleva el mismo nombre porque, según el escritor, Bette Davis triunfó en el cine, a pesar de y a costa de su vida personal.

Amarga Victoria es una biografía correcta, amena y estructurada. Utiliza un tono muy informal y el escritor se permite bromear con el lector. Sin embargo, da la sensación de estar bien documentada.

Ed Sikov lo avisa al principio del libro: al terminarlo, puede que la persona que fue Bette Davis empiece a caernos mal. El se quiere quedar al margen de dar su opinión acerca de la personalidad de Bette Davis, pero parece que no puede evitar hacer comentarios subjetivos. Eso si, su legado como actriz es intocable pero... a pesar de ella misma.

No sé si existe otra editorial que haya editado ésta biografía. La que yo he leído (que es la de la foto) de la editorial T & B Editores es desastrosa. Para que me entendáis podemos decir que éste libro es el sueño de todo disléxico (si se me permite la "broma") Palabras dónde las letdras aparecne mal escirtsa. El colmo es cuándo repetidas veces te encuentras el apellido de la actriz escrito como "David".

Seguimos con Conversaciones con Billy Wilder de Cameron Crowe.

Se trata de conversaciones literales con Billy Wilder. Nos quedará la duda de si, con tal materia prima, a cualquiera le hubiese quedado un libro interesante.

Billy Wilder tenía la friolera de 91 años cuando se rindió a entrevistarse con Cameron Crowe. Y seguía teniendo la lucidez y agilidad suficiente para llenar esas conversaciones de comentarios ingeniosos y, por ende, el libro de calidad. Éste libro no es una biografía en sí, son conversaciones, entrevistas que nos permiten conocer un poco más a Billy Wilder. Nos podremos quedar con las ganas de hacer muchas preguntas, pero en general, se tiene una sensación de satisfacción al terminar el libro. Completo, interesante y sobre todo, con mucho sentido del humor y mucha humildad. Por qué si de algo da lecciones Billy Wilder en éstas entrevistas, aparte de cine, es de humildad.

Y aquí va el que más me ha gustado de ésta trilogía improvisada que he preparado: "Charles Chaplin el genio del cine" de Manuel Villegas López.

Tengo que decir que éste libro, ésta joya de libro, era desconocido para mí antes de que me lo regalaran (gracias infinitas, chica inquieta). Estamos ante una joya. Manuel Villegas López, no sólo lo escribió, sino que fue revisándolo y reeditándolo conforme iba descubriendo aspectos del cine de Chaplin. No sólo es exhaustivo y exquisito en la escritura, sino que acomoda al lector en el marco social de cada etapa cinéfila de Chaplin para que todo se comprenda mejor y vaya atado y bien atado. Sensible, exhaustivo, documentado, exquisito en la escritura, estructurado. Nos damos cuenta en seguida que tenemos entre las manos al niño mimado del escritor. Una belleza, sin más.

Saludos.

Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia, 1962)

2011-10-23T13:05:00.001+02:00

Drama épico basado en la historia de Thomas Edward Lawrence, está considerada como una de las películas más grandes e influyentes de la historia del cine.

El film narra las experiencias de T.E. Lawrence durante la I Primera Guerra Mundial, en particular los ataques a las ciudades de Aqaba y Damasco y su participación en el Consejo Nacional Árabe. Además también se tratan las luchas emocionales de sus protagonista, como la violencia inherente a la guerra, la identidad histórica y personal, así como las dudas de la lealtad a su patria y su ejército, como hijo de la Gran Bretaña por un lado, y su amor por Arabia y sus compañeros de las tribus del desierto árabe por otro.

Antes de entrar a comentar los detalles del rodaje, los actores, etc... ¿quién era realmente Thomas Edward Lawrence? Nacido en Gales el 15 de agosto de 1888, fue un militar, arqueólogo y escritor, hijo ilegítimo de un pequeño terrateniente irlandés.
Graduado en 1910 en Historia por la Universidad de Oxford, tras ello se marchó a Siria y entró a formar parte del servicio secreto británico en 1914. Al estallar la I Guerra Mundial, es enviado a El Cairo para trabajar en los servicios de Inteligencia Británicos. Tras fracasar en unas campañas iniciales, es enviado a La Meca para entrevistarse con Husayn ibn Ali, jerife de la misma y que ha iniciado una revuelta, o guerra de guerrillas, contra el Imperio Otomano (actual Turquía), que dominaba la península arábiga.

Él fue enviado allí como conocedor de la zona y del idioma, pero pronto se hizo líder de las tribus árabes dispersas en el desierto gracias a su asesoría se implantaron estrategias adecuadas al terreno y al número de combatientes disponibles. Al terminar todas las guerras, pidió a la Corona Británica y a Francia la creación de un estado árabe, y no la división de la península arábiga en dos mitades (una parte para cada país) pero fracasó en el intento, y decidió volver a Inglaterra.

Fue condecorado con las siguientes distinciones:
- Compañero de la Orden del Baño;
- Orden del Servicio Distinguido;
- Caballero de la Legión de Honor;
- Cruz de Guerra.

Murió el 19 de mayo de 1935 al salir despedido de su motocicleta por esquivar a dos muchachos que iban en bicicleta. El trágico incidente tuvo lugar 6 días antes, estando todo eso tiempo en coma.

Arriba Thomas Edward Lawrence y abajo Peter O'Toole caracterizado. A excepción de la nariz, el parecido es más que razonable.

La exactitud histórica de la película, así como la representación del propio Lawrence han sido muy cuestionadas, sobre todo las escenas del Consejo Árabe y la toma de Aqaba. También se achaca que los personajes, si bien la mayoría están basados en la realidad, tienen un punto de ficción bastante acusado; por otra parte también es justo decir, que como en casi todas las películas basadas en sucesos o personajes históricos, la realidad se "maquilla" a gusto del productor y el director, es muy difícil reflejar todo de una manera completamente fiel.

Peter O'Toole y Anthony Quinn.

Los personajes principales son:

- T. E. Lawrence (interpretado por Peter O'Toole): Albert Finney fue la primera opción, pero rechazó el papel, al igual que Marlon Brando. Montgomery Clift y Anthony Perkins también fueron barajados para el papel protagonista. El elegido fue finalmente O'Toole, a pesar de las reticencias iniciales del productor Sam Spiegel, pero al director David Lean le pareció que se parecía bastante al Lawrence original:
- Alec Guinness es el Príncipe Faisal, que inicialmente iba a ser interpretado por Laurence Olivier. Guinness también fue barajado para el papel protagónico, pero debido a su edad fue pronto desechado;
- Anthony Quinn interpreta a Auda Abú Tayi.
- Jack Hawkins es el general Allenby, aunque para este papel se quiso, otra vez, a Laurence Olivier, o en su defecto, a Cary Grant.
- Omar Sharif, como Sherif Alí ibn el Kharish;
- José Ferrer es el bey turco. Debido a la escasa aparición del actor en pantalla, le pagaron con 25.000 dólares y un Porsche (para apenas 5 minutos, está muy pero que muy bien).
- Claude Reins, como Mr. Dryden. Esta fue su antepenúltima aparición en la gran pantalla.

Como ya he dicho antes, se ha criticado mucho la representación de los personajes. De Lawrence se critica sobre todo la altura (Peter O'Toole medía 23 centímetros más que T.E.L.), así como su actitud egoísta; se hace caso omiso de su pasado como espía así como sus trabajos arqueológicos en Siria.
Finalmente, en la película se hace referencia a los acuerdos galo-británicos ya al final de la película, una vez a acabada la guerra, cuando en realidad se tenía conocimiento de ello mucho antes.
Los más críticos fueron un hermano de T.E. Lawrence y su albacea literario (Lawrence de Arabia había escrito un libro llamado Los siete pilares de la sabiduría, que fueron vendidos a sam Spiegel por 25.000 libras, y en donde él mismo narra su vida y que fue utilizado para adaptar el guión) "No reconozco a mi hermano", dijo.

Con el resto de los personajes pasa un poco lo mismo, sobre todo el general Allenby, ya que su familia, públicamente manifestó su desacuerdo sobre cómo se había tratado la figura del mismo; el personaje que interpreta Quinn, según los registros históricos no es tan interesado como se hace ver en la película. Los descendientes de ambos denunciaron a Columbia Pictures; y las relaciones entre Lawrence y el Príncipe Faisal fue mucho más estrecha de lo que aparece en el film.

En años atrás, concretamente 20, Alexander Korda ya había intentado llevar a cabo la adaptación cinematográfica de Los siete pilares de la sabiduría, pero debido a problemas financieros, lo dejó. Años después, se volvió a intentar pero hubo problemas a la hora de adaptar el guión, concretamente por la presunta homosexualidad y supuestas prácticas sadomasoquistas del protagonista, así como la escena de la violación (que el mismo Lawrence relata en el libro que escribió, la violación digo, no lo anterior que menciono) y que es importantísima para entender su comportamiento.

Así llegamos a la década de los 60. Sam Spiegel y Davis Lean habían trabajado anteriormente y con mucho éxito en El puente sobre el río Kwai, y estaban ansiosos de trabajar juntos de nuevo. Ellos mismos confesaron años más tarde que para la realización de esta película tomaron ideas de la dirección, el montaje y otros aspectos de las películas Ciudadano Kane y Centauros del desierto.

La película solo tiene una escena rodada en estudio exactamente la de un plano directo al Sol: se intentó rodar en exteriores, pero al dirigir la cámara directamente al cielo, éste quemaba la película, por lo que finalmente se dibujó en un acetato y se iluminó por detrás. El resto de la película se rodó en Jordania, Marruecos y España, concretamente en Sevilla (Plaza de España, Casino, la esquina de la calle Arroyo con la calle Vicente Alanís, Palza de América, Casa Pilatos y los Reales Alcázares de Sevilla) Almería (las playas de Cabo de Gata y el desierto de Tabernas, y el parque Nicolás Salmerón, en la misma ciudad de Almería) y Doñana.

Recreación de la ciudad de Aqaba, aunque en realidad se trata de las espectaculares playas de Carboneras, en Almería. Abajo la playa sin los decorados.

Curiosidades y detalles:

- Peter O'Toole sufrió un accidente al bajar de un camello. En la escena del asalto al tren (rodada en Almería) podemos ver como en su dedo pulgar lleva un vendaje como consecuencia de la caída.
- La película fue prohibida en la gran mayoría de los países árabes (por falta de respeto a la cultura árabe).El único país que permitió su visionado fue Egipto, donde fue un auténtico éxito, ya que fue vista por muchos como una alabanza al nacionalismo árabe.
- La música, una de las más memorables del cine fue compuesta por Maurice Jarre e interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres (según el American Film Institute, la tercera mejor BSO de todos los tiempos).
- Su estilo visual ha influido en directores como Steven Spielberg, Martin Scorsese o George Lucas.
- Gracias a esta película, Almería y más concretamente el Desierto de Tabernas, atrajeron a un gran número de directores de cine, consagrándolo como uno de los principales lugares donde se rodaron las películas del spaghetti western , entre otras, las de Sergio Leone.
- La película estuvo nominada a 10 premios Oscars, ganando en 7 categorías, concretamente los de mejor película, mejor director, mejor banda sonora, mejor fotografía a color, mejor dirección artística a color, mejor sonido y mejor montaje.

Hasta la próxima entrada corazones.

Resultado de la encuesta: La mejor pareja del cine.

2011-10-15T21:06:00.004+02:00

Recién salidos del horno, ya tenemos los resultados de la encuesta "La mejor pareja del cine" (hombre-mujer).

La cosa estaba difícil. En ésta encuesta no había sólo parejas de actor-actriz, había instituciones, leyendas impertérritas. Parejas en las que pesaba más (en mi opinión) la película que hicieron juntos que la pareja en sí, caso de Casablanca o Lo que el viento se llevó. Verdaderos pesos pesados. Pero en éstas cosas, el resultado es impredecible. Sin más dilaciones, los resultados:

Puesto Nº1:

Spencer Tracy y Katharine Hepburn (20 votos.)

Spencer Tracy, uno de los mejores actores que haya habido nunca. Como decía Kate Hepburn, Spencer era "básico como una patata asada". Actor de raza, se dedicó a lo único que sabía hacer sin esfuerzo, interpretar. Modesto como pocos decía que, por ejemplo, ser fontanero (el ejemplo lo puso él mismo) era una verdadera profesión y que la suya no lo era. Grande.

Marlene Dietrich dijo una vez que Spencer Tracy era el hombre más inteligente que había conocido en la vida.

Kate Hepburn, aunque ya lo haya expresado 100 veces, aquí va la 101: para mí la mejor actriz que haya habido nunca. Versátil, carismática, ágil, auténtica y muy profesional. Al igual que Spencer, actriz de raza. Exudaba carisma, independencia, ambición, inteligencia, carácter y elengancia por los cuatro costados. Hizo comedia, drama, cine, teatro y hasta se atrevió a hacer un musical. Unicamente se bajó del escenario cuando ya no pudo mantenerse de pie en él.

Según la lista de la American Film Institute (AFI) es considerada la primera estrella femenina de la historia del cine, por delante de Bette Davis (2ª), Audrey Hepburn (3ª), Ingrid Bergman (4ª) y Greta Garbo (5ª)

De éstos dos actores juntos sólo podía salir algo bueno, brillante, espectacular. Su profesionalidad les llevó a ser grandes, su relación fuera de la pantalla les dio una complicidad dentro de ésta que hizo que el público pidiese más y más. Nueve películas juntos abalan todo lo que estoy diciendo.

1942: La Mujer del Año.
1942: La Llama Sagrada.
1945: Sin Amor.
1947: Mar de Hierba.
1948: El Estado de la Unión.
1949: La Costilla de Adan.
1952: La Impetuosa.
1957: Su Otra Esposa.
1967: Adivina Quien Viene Esta Noche.

Tenemos que seguir con los resultados, pero desde aquí me comprometo, a hacer un ciclo Spencer Tracy & Katharie Hepburn, película por película. Os dejo por ahora un enlace al otro blog donde tengo el placer de escribir, Zinéfilaz, y en el que realicé una entrada dedicada a Adivina Quien Viene Esta Noche.

Podría seguir alabando a ésta primera pareja pero en la tele el tiempo es oro.

Puesto Nº 2:

Cary Grant y (oh si) Katharine Hepburn. (18 votos)

Cary Grant (mi carigrán, vuestro carigrán) El galán por excelencia. Galán si, pero muy cercano. Tenía físico, talento y facilidad. Al igual que Spencer, él hacia que el noble arte de la interpretación pareciese coser y cantar. La elengacia, el porte y la simpatía, la marca de la casa. Quizás le faltase un poco de registro, pero en el suyo era el mejor.

Y que voy a deciros de Kate Hepburn que no os haya dicho más arriba. Que me casaría con ella. Espero que resucite antes del 20 N. Aparte, destacar que en la encuesta Kate aparecía 2 veces, y ha obtenido el primer y segundo puesto.

Cuatro fueron las películas en las que trabajaron juntos y nos supieron a poco:

1935: La Gran Aventura de Silvia.
1938: Vivir para gozar.
1938: La Fiera de mi Niña.
1940: Historias de Filadelfia.

Para la pareja número 2 tenemos un 75% de entradas ya hechas.

Y que me decís de ésta instántanea de cuando el glamour se ausentó un momento. Esas son las mejores, sin duda.

Puesto Nº 3:

Jack Lemmon y Shirley MacLaine (12 votos)

Con Jack Lemmon me pasa algo parecido a lo que me pasa con James Stewart, me transmite tanto buen rollo y me parece tan buenazo que me emociona verlo en la pantalla.

En la comedia, pocos le igualaban y nadie le hacía sombra. En "Días de Vino y Rosa" podemos verle su cara dramática, igual de emotiva. A todo el que se arrimaba le hacía grande, era el favorito de Billy Wilder, y aunque poco hay que justificar del talento de Wilder, hemos de reconocer que sin Lemmon la mayoría de las películas de Billy no hubieran sido lo mismo. Aparte de con Shirley MacLaine hizo también una pareja para la historia del cine con Walter Matthau.

En cuánto a Shirley MacLaine, puede que su película más recordada sea "El Apartamento" y sus demás películas queden un tanto eclipsadas, pero no obstante estuvo nominada 5 veces al Oscar y lo recogió en una ocasión por "La fuerza del cariño."
Aunque fue pareja cinematográfica de Jack Lemmon en dos ocasiones, "El Apartamento" e "Irma la Dulce", su papel más recordado es el la ascensorista Fran Kubelic.

1960: Irma la Dulce.
1963: El Apartamento.

Puesto Nº 4:

Con 9 votos ha estado muy repartido y fueron para varias parejas:

Los guapérrimos Paul Newman y Elizabeth Taylor.

George Peppard y Audrey Hepburn.

Dos pedazos de actores como dos tranvías cada uno de ellos. Marlon Brando y Vivien Leigh

Fred Astaire y Ginger Rogers, moviendo pinreles.

Puesto Nº 5:

También muy repartido con 8 votos (queréis hacerme trabajar, lo capto =P)

Cary Grant y Audrey Hepburn

Montgomery Clift y Elizabeth Taylor.

Humphrey Bogart y Lauren Bacall.

Puesto Nº 6 (7 votos):

Charles Chaplin y Paulette Goddard

Puesto Nº7:

Repartido con 6 votos para las parejas:

Glenn Ford y Rita Hayworth

Humphrey Bogart e Ingrid Bergman

Richard Burton y Elizabeth Taylor

Puesto Nº 8.

Con 5 votos cada uno para el hombre del 5 y compañía:

~~el ken~~ Clark Gable y Carole Lombard

Clark Gable y Claudette Colbert

Clark Gable y Vivien Leigh

John Wayne y Maureen O'Hara.

Puesto Nº 9:

4 votos para:

Cary Grant e Irene Dunne.

James Stewart y Kim Novak

Cary Grant y Grace Kelly

Puesto Nº 10 (3 votos):

Orson Welles y Rita Hayworth.

Tony Curtis y Marilyn Monroe.

Lawrence Olivier y Joan Fontaine

Humphrey Bogart y Bette Davis.

John Gilbert y Greta Garbo.

Fuera del top ten se quedaron fuera: 4 parejas con 2 votos, 7 parejas con 1 voto y 9 parejas con 0 votos.

Gracias a tod@s por vuestra participación. Lo cierto es que habéis sido muchos los que habeis votado ésta vez y os lo agradecemos enormemente.

Espero que los resultados hayan sido de vuestro gusto.

Desayuno con diamantes (Breakfast at Tiffany's) 1961

2011-10-05T09:51:00.001+02:00

Gracias al blog Plumas de Caballo supe que este mes, y concretamente hoy día 5, se celebran los 50 años del estreno de Breakfast at Tiffany's y decidí retomar esta entrada que comencé a escribir hace ya varios meses pero que dejé solamente con un párrafo. Así pues, ¿qué mejor ocasión para escribir una entrada dedicada a esta película que para conmemorar el 50 aniversario de una las cintas más míticas del cine?

Y solo tengo una forma de empezar esta entrada y es haciendo una confesión: le debo esta entrada a Audrey Hepburn. En algunos comentarios de diversas entradas anteriores he dicho que este mito del cine no está entre mis actrices favoritas. Es cierto. Pero no con ello quiero decir que sea mala intérprete. Aunque también es cierto que como icono de modas me fascina (y en esta película aún más) quiero hacer esta entrada, la de su película más emblemática (y pese a que mis preferencias por otras actrices) para recalcar lo gran actriz que fue.

Holly Golightly (Audrey Hepburn) es una guapa, simpática y extravagante neoyorkina que lleva una vida llena de fiestas, saraos y por supuesto, hombres. Un día, se muda a su bloque de pisos un apuesto y guapo joven, Paul Varjak (George Peppard), escritor sin demasiado éxito, pero que mientras tanto vive de "prestar sus servicios" a una madura, atractiva y adinerada mujer (Patricia Neal). Sin embargo, entre ambos surge un flechazo casi al instante. Pero no lo tendrán fácil para acabar juntos, sobre todo cuando Holly conozca a un rico heredero brasileño (interpretado por el español José Luis de Villalonga).

La película está basada en la novela, o más bien un relato corto, de Truman Capote de mismo título, y del que pronto tanto Richard Shepherd como Martin Jurow compraron los derechos para llevarlo a la gran pantalla. El primer estudio al que se dirigieron fue Paramount Pictures, que enseguida dio luz verde. En esos momentos Audrey Hepburn estaba bajo contrato de ese estudio y los productores siempre la tuvieron en mente para interpretar el papel protagónico. En Paramount no estaban muy convencidos sobre si era oportuno o no que una dama angelical y dulce interpretara a una mujer a la que le daban 50 dólares por "ir al tocador"... Finalmente Audrey accedió a hacer el papel pero le puso una y mil pegas: para empezar, el personaje sería mucho más ingenuo y simpático que el del libro, cualquier atisbo de bisexualidad sería eliminado y nada de referencias explícitas a la prostitución. Esas fueron las principales exigencias de la actriz. Aunque a decir verdad, el director, Blake Edwards, tampoco quería la Holly del libro de Capote.

Pero, ¿estaba de acuerdo el autor del libro con los productores y el director? En principio no. Él quería a Marylin Monroe para el papel protagonista. Sencillo: pensaba que la rubia platino sí que interpretaría a la Holly del libro. Es más, cuando Capote se enteró de que la elegida había sido Audrey Hepburn dijo: "Paramount me ha traicionado en todos los sentidos."

Hablemos ahora del actor principal, George Peppard (que a pesar de estar muy bueno su presencia queda eclipsada por el destello de Audrey). Él también tenía un punto de ingenuidad que hacía que ambos formase una pareja de lo más angelical, casi divina. En un principio el director no lo vio adecuado, le caía bien, pero creía que no era apto para ese papel, y menos para dar la réplica a Audrey. Al final, lo contrató pues vio que hacían muy buena pareja. Y le vino de perlas, porque en cine poco más tiene que merezca la pena destacar (ni en TV tampoco, pues el Equipo A no podemos considerarlo como un producto de calidad...)

¿Y el resto del reparto?

Para el papel de la mujer madura querían a alguien con una sexualidad latente y con un fuerte carácter, y no hubo duda: Patricia Neal era la única opción.

Nos quedan el español José Luis de Villalonga, Buddy Ebsen y Mickey Rooney, el entrañable (y sufrido) vecino de Holly, y del que Blake Edwards confesó años más tarde que no hubiese deseado contratarlo, a pesar de la amistad, la admiración y el cariño que les unía, pero el director hubiese deseado contratar a un actor japonés.

"Oye aquí hay mucha gente, pero el director soy yo. Puede que no sea el mejor, pero es lo que hay", fue lo que le dijo un día Blake Edwards a Audrey Hepburn en pleno rodaje, pues a pesar de que ambos ensayaban las escenas por la noche, a la actriz le daba consejos todo el mundo y hacía caso de todos ellos menos de los del director. Desde entonces su actitud cambió, y confió en él en todo momento.

"Era fácil visualizar lo que hacía... era una dama espectacular", Blake Edwards sobre Audrey Hepburn.

El guión, adaptado por George Axelrod, fue del agrado del director y de todos los actores en todo momento. Y tanto él como el propio Blake Edwards fueron improvisando escenas sobre la marcha, concretamente la divertida fiesta que da Holly en su apartamento. Los extras confesaron años más tarde que sobre la marcha se les iba diciendo lo que tenía que hacer, los actores principales o bien obedecían órdenes o bien seguían el juego a los extras, por lo que la sensación de "desfase" es estupenda.

Retomemos el personaje de Mickey Rooney, personaje controvertido donde los haya, pues encarnaba todos los estereotipos que la sociedad norteamericana tenía de los asiáticos; e incluso a partir de la década de los 90, numerosos grupos de defensa de los Derechos Civiles han protestado una y otra vez por este personaje, considerando que nos es más que una caricatura con tintes racistas.

El propio actor confesó que, aunque se divirtió mucho encarando a este personaje, de saber que se habría ofendido tanta gente, jamás lo habría hecho.

Por una de las cosas que más destaca la película es por la maravillosa canción Moon river de Henri Mancini y aquí canta con mucha gracia Audrey Hepburn (aunque permitidme decir que prefiera la canción original). De hecho, de las cinco nominaciones (entre ellas Mejor actriz principal, Mejor dirección artística y Mejor guión adaptado)que obtuvo el film, los dos únicos en los que resultó vencedora fue en los de Mejor Banda Sonora (para una película no musical) y Mejor canción.

"Cuando vi la película por primera vez con público, estábamos en un pre-estreno y el director de la empresa dijo: 'Le diré algo: podemos deshacernos de esa canción. Por suerte, Audrey se levantó y dijo: 'Por encima de mi cadáver'", Blake Edwards.

Otro de los protagonistas de la película es sin duda alguna el gato, que por lo visto la famosa canción de Phoebe Buffay "Smelly cat" debió estar inspirada en él, porque según cuenta el director de la película el olor que desprendía el animal era insufrible, y ese hedor llegó a su punto álgido durante la famosa escena final, con la lluvia. "No entiendo como Audrey podía acercarse el animal a la nariz para abrazarlo", confesó el director.

"Audrey Hepburn tenía una belleza y una chispa que la hacían realmente encantadora, y parte de la magia de la película se debe a su protagonista y a que ya no se hacen películas como esta", una extra de la fiesta en el apartamento de Holly.

Hablemos ahora de una de las cosas que más brillan en esta película y que en mi opinión han ayudado a que Audrey Hepburn se convierta en un símbolo de sofisticación, elegancia y glamour: el vestuario. La actriz no se caracteriza por tener (lo siento por sus fans) un tipazo ni mucho menos, tiene pinta de muchachito, pero muy femenina, lo que supuso un contrapunto a actrices como Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Ava Gardner, Rita Hayworth o Marylin Monroe, mujeres con una feminidad mucho más evidente. Es más, uno de los productores de Desayuno con diamantes la definió como "guapa, aunque sin una belleza evidente".

Aunque eso sí, Audrey estaba al tanto de lo que hacían en París los modistos franceses y conoció entonces a un joven diseñador que comenzaba a despuntar y del que ya no se separaría jamás: Hubert de Givenchy. Una anécdota muy conocida por todos, es esa en que la secretaria del diseñador le dijo "Miss Hepburn, le espera fuera" y él, muy decido, salió esperando encontrarse a Katharine Hepburn... y se encontró con una flacucha muchachita que no conocía y que le solicitaba unos vestidos. Givenchy, un poco decepcionado, le dijo que no disponía de tiempo para atenderla; "No le molestaré, quiero ver vestidos de la temporada pasada". Esos vestidos (tres en concreto) los luce en la película Sabrina

A partir de entonces, la actriz sólo confiaría en él, quien a su vez la convertiría en su musa.

"Esa ropa era mucho más que moda. Era una especie de armadura de amor. Algo que le permitía ir bien vestida" Sean Ferrer (hijo de Audrey); "Siempre me gusta decir que era un paquete de perfectas imperfecciones: se veía con un chichón en la nariz, muy delgada, unos pies enormes para su talla... pero creo que la auténtica definición de su belleza es saber que no eres perfecta ni especial" Sean Ferrer.

Mi defnición de la belleza de Audrey es simple: una chica muy mona con mucho ángel.

Siempre se compraba los zapatos medio número más grande del suyo, pues pensaba que así le durarían más, cosa que nunca imaginaríamos de un icono de modas, pero en ella se ve bien, porque la accesibilidad de su belleza (tipo vecina de al lado) es lo que atrae de ella. Era práctica, y esa practicidad es lo que ha hecho que su imagen funcione.

Por partes, la imagen de Audrey Hepburn fumando un cigarrillo en el palito ese largo es una de las más icónicas del s.XX y ese espectacular vestido negro que lleva al inicio de la película fue subastado en aproximadamente 950.000 dólares (siete veces por encima de su precio de salida).

Sin embargo, y aunque en sus películas la veamos llevar unas creaciones dignas de una diosa, lo que a ella más le gustaba era ir en vaqueros y un simple polo, y colores tipo beige, marrón, negro, azul, blanco... colores y formas sencillas (odiaba los estampados grandes). Un icono de la sencillez, pero a la vez icono de la fidelidad a un estilo.

Para el 150 aniversario de la firma, Tiffany&CO, pidió a la actriz que escribiera una carta en la que expresara sus sentimientos hacia la firma, como prefacio para un libro que se editaría sobre la compañía. Reza así:

"Querido Tiffany, algo bello es una alegría eterna, por eso el brillo de las obras de Tiffany's permanece inalterado. Durante 150 años tu nombre ha sido sinónimo de belleza, estilo, sofisticación, calidad y constancia. Nos has iluminado con tus joyas, iluminando nuestras casas con tus lámparas y nuestras mesas con tu plata, dando distinción a nuestras vidas... y sin duda me la diste a mi al invitarme a desayunar, ¿cuántos pueden decir que han tomado café y croissants en Tiffany's?

Feliz cumpleaños, querido T., con cariño pero también con envidia, porque tras 150 años no tienes arrugas, pero es que la clase no tiene edad.

Tu devota amiga, Audrey Heburn."

Hasta la próxima entrada corazones.

Charles Chaplin (2ª Parte. Llegada a Hollywood)

2011-09-28T21:17:00.004+02:00

Primera parte: Charles Chaplin. El Teatro.

Cuando Charles Chaplin puso los pies en Hollywood, Hollywood sólo tenía 6 años. Hasta 1907, las grandes productoras de cine tenían su ubicación en Nueva York y Chicago.

El productor Selig fue demandado por los abogados de Edison por el uso industrial de su cámara. Selig, que estaba terminando de rodar El Conde de Montecristo, y el cameraman Thomas Persons, asustados por la demanda, huyeron con la cámara demandada hasta California para terminar de rodar las últimas escenas de la película antes de que la cámara de marras fuese requisada. Y así es como nació Hollywood, en aquel entonces un arrabal en torno a un camino de árboles. Y a éste es al Hollywood al que llegó Charles Chaplin y no al que hoy conocemos.

La particularidad del Hollywood de 1912 eran sus numerosos espacios al aire libre y los numerosos días de sol de California. Se filmaba en plena calle, en callejones, en cuadras. Los directores independientes fueron llegando poco a poco y, en general, sólo se instalaban los cineastas con menos recursos ecónomicos. Uno de éstos cineastas con pocos recursos económicos era Mack Sennett, el fundador de la compañía Keystone Film, compañía en la que trabajaba Charles Chaplin.

Mack Sennett, fue discípulo de David W. Griffith, uno de los grandes creadores del cine universal.

Sennett reformuló el cine cómico y se propuso explotarlo comercialmente por cuenta propia, por lo que fundó la Keystone Film. Fue uno de los más grandes descubridores de actores cómicos, que en 1912, de poca consideración gozaban.

Bajo semejante panorama, donde Hollywood era un arrabal agreste de caminos con árboles y donde los actores cómicos eran considerados poco menos que vagos y maleantes, Chaplin llegó a "aquel agujero escondido que era Hollywood" como él mismo dijo.

Los principios fueron duros, los compañeros lo trataban mal. Era demasiado joven y demasiado tímido. Demasiado solitario y silencioso. Demasiado inglés. Pero nada fácil.

Chaplin desafió órdenes, impuso sus ideas, se negó a filmar lo que no quería.

Las películas tenían una duración de 15 minutos. Sennett daba órdenes precisas y elementales a los actores. Procuraba filmarlas en un día, en exteriores e interiores verdaderos: calles, casas... en definitiva, localizaciones con el menor coste posible. Su sistema cómico estaba basado en el gag, un chiste de imagen.
Sennett cogía después lo filmado, lo unía y le daba velocidad, ritmo y rapidez.

Chaplin estaba acostumbrado a trabajar con el método de Fred Karno, que se basaba en todo lo contrario, lentitud, teatralidad. El choque era inevitable.

Sennett piensa en rescindirle el contrato a Chaplin, pero cambia de idea cuando desde Nueva York le informan que desde que el nuevo actor aparece en las películas de la Keystone éstas se venden más que ninguna otra donde Chaplin no aparezca. Por éste motivo, en vez de despedirle, le deja dirigir (un cambio sutil) junto a Mabel Normand, co-fundadora de la Keystone y gran amor de Sennett.

El mayor éxito de la pareja Chaplin-Normand y de aquella época de la Keystone fue Tillie's Punctured Romance (Idilio desinflado) donde el personaje de Chaplin, un cazafortunas, se casa con una rica heredera para, más tarde, huir con el dinero junto a su verdadera novia. Para el personaje de Tillie, la heredera, Sennett buscó una famosa actriz de comedia, con un aspecto verdaderamente impactante, Marie Dressler.

Chaplin-Marie Dressler-Mabel Normand

Chaplin hace para la Keystone un total de treinta y cinco películas con altos y bajos. Algunas obtuvieron gran éxito como Charlot Camarero, otras como Charlot y la Sonámbula, fueron un fracaso. Igual que su relación porfesional con Mack Sennett. A veces Sennett tomaba la decisión de despedirlo, otras le subía el sueldo.

Sennett pagaba a Chaplin quinientos dólares a la semana. Un día, un agente de otra compañía se cuela en un rodaje disfrazado de cowboy como "extra" de una película y le ofrece a Chaplin mil doscientos cincuenta dólares a la semana. Chaplin acepta. Ha firmado un contrato con la Essanay Company.

Publicidad de la Essanay anunciando la incorporación de Chaplin a la compañía.

La sede de la Essanay residía en Chicago. Chaplin convence a los produtores para que le dejen filmar con la luz de California a la que estaba acostumbrado. Esperaba tener más libertad... y la tuvo.

Si la Keystone significó aprendizaje y órdenes, la Essanay significó descubrimiento y libertad. Y el mayor descubrimiento de Charles Chaplin en la Essanay no sería otro que el del personaje del tramp, el vagabundo, el descubrimiento de Charlot.

En la tercer parte: El nacimiento de Charlot.

PD: El 22 de septiembre, éste blog cumplió dos añejos. En nombre de mi compañero, White Gold, y en el mío, mil gracias.

Gilda, 1946

2011-09-20T18:18:00.002+02:00

La enfermedad dejó en blanco sus recuerdos dejando su memoria vacía e incapacitándola para rememorar que un día tuvo el mundo a sus pies, que fue una de las estrellas más importantes de su época y la primera princesa de Hollywood.
Este mes, concretamente mañana día 21, se celebra el Día Mundial del Alzheimer, y no quisiera pasar por alto tal fecha.

Hoy os traigo uno de los grandes clásicos del cine y una de las mejores películas que jamás he visto. Gilda tiene un montón de imágenes que han quedado plasmadas en nuestra retina para siempre.

"Jamás ha habido una mujer como Gilda" decían los carteles promocionales, a lo que yo añado: jamás habrá una película como Gilda y una actriz como Rita Hayworth.

¿Qué decir de esta película? Favorita de millones de cinéfil@s a lo largo y ancho del planeta, hoy intentaré desgranar los entresijos de este maravilloso film noir.
¿Cómo definirla? Simple: esto es Hollywood.

Ladies and gentlemen, welcome to Gilda's universe.

Jonnhy Farrell (Glenn Ford), un tramposo de poca monta, llega a Buenos Aires y allí conoce a Ballin Mundson (George Macready), propietario de un casino que pronto acaba contratándolo y convirtiéndose así en su mano derecha. Tras una ausencia no muy dilatada, Ballin llega de nuevo a la capital argentina acompañado por su recién estrenada esposa, Gilda (Rita Hayworth) que a su vez también formó parte de la vida de Farrell en el pasado.
Los reproches y la tensión sexual irán en aumento, llegando a su punto álgido a partir de la desaparición de Ballin Mudson...

Rodada entre los meses de septiembre y diciembre de 1945, y estrenada en febrero del 46, el guión aún no estaba acabado cuando comenzó a trabajarse en la película y a medida que se rodaba fueron surgiendo nuevas ideas, es más, la famosísima escena del "desguante" con la canción "Put the blame on mame" se añadió ya casi al final de todo el rodaje. El otro número musical "Amado mio" también fue incluido a instancia de Harry Cohn, cabeza visible de la Columbia Pictures.

Y es que Rita Hayworth era una actriz conocida sobre todo por sus interpretaciones en el ámbito musical, y sus películas junto a Fred Astaire (quien dijo que había sido su mejor pareja de baile y que cuando llegó a la Columbia lo primero que hizo fue preguntar por ella) y Gene Kelly, por tanto era obligatorio que ella bailara y cantara (a pesar de que la voz era de Anita Ellis), así, se contrató a Jack Cole para que coreografiara las dos actuaciones musicales.

El vestuario, ideado por Jean Louis, destaca sobretodo por ese maravilloso vestido negro en palabra de honor con un lazo a la altura de la cintura y una espectacular raja hasta el muslo (y que hace unos años la firma de modas Calvin Klein sacó uno parecido en color blanco para que la actriz Eva Mendes lo luciera en los Golden Globes, y otra firma norteamericana para la actriz Jessica Biel en la gala de los Oscar del año 2009, evidentemente sin el mismo encanto) y que fue subastado en alrededor de 50.000 dólares; los guantes; las pieles y sobre todo el zapato, el zapato "Gilda", nombre con el que se bautizó al tipo de calzado que lleva Rita Hayworth cuando canta "Put the blame on mame".

La fotografía, de Rudolph Maté exalta la belleza y química de los protagonistas (en especial el hipnótico magnetismo de la actriz) apoyándose en los primeros planos.

La química entre Glenn Ford y Rita Hayworth es desbordante. Ellos coincidieron por primera vez en 1940 en La dama en cuestión , también de Charles Vidor, y esa química alcanza su punto álgido en el momento en el que Johnny Farrell le da la bofetada más famosa del cine a Gilda, en respuesta a la que ella le da unos instantes antes. Más tarde volverían a reunirse en 1948 (Los amores de Carmen) y 1952 (La dama de la Trinidad).

Esta película marcaría para siempre la carrera y la vida de su actriz principal, Rita Hayworth, que no sólo ha mantenido su sobrenatural embrujo sobre los/as espectadores/as, también ha sido el eje central de, por ejemplo películas hechas y libros escritos posteriormente, como Cadena perpetua (basada en el libro Rita Hayworth y la redención de Shawshank, de Stephen King) en los que la película Gilda y la imagen de Rita Hayworth (más presente en la novela que en el film) son clave y elemento central para el desarrollo de la trama. Además la imagen de la Hayworth en esta película fue impresa en la bomba que sirvió para hacer pruebas militares en las Islas Bikini ("Ese asunto me daba dolor de estómago", dijo años más tarde la actriz).

Todo ello son detalles que ayudan a la compresión del fenómeno social que fue esta mujer a finales de los 40, llegando a convertirse en el sex symbol indiscutible de la década y en la mujer más famosa de Estados Unidos, llegando a superar a estrellas tan rutilantes como Bette Davis, Joan Crawford, Ava Gardner o Barbara Stanwyck.
Parte de ello se debe a la profunda admiración que por ella sentía Charles Vidor, y que sin duda alguna, le ayudó a convertirse en una de las reinas de Hollywood.

También Harry Cohn supo ver en ella un diamante en bruto, y la exhibía como si fuese un trofeo en las fiestas y demás pompas que Columbia Pictures celebraba. El maganate era muy listo: sabía que era ella quien reportaba al estudio los mayores ingresos, tanto es así que en la década de los 50 este estudio ya no era considerado de segunda, estando al mismo nivel que MGM, Paramount o Warner: "Rita Hayworth ha sido y siempre será Columbia Pictures. Tal vez el estudio la haya convertido en estrella, pero recuerden que ha sido ella quien ha dado categoría al estudio", Frank Sinatra.

Además de Margarita Cansino, esta película está protagonizada por otras tres mujeres: Virginia Van Upp (una de las productoras favoritas de Harry Cohn), Marion Parsonnet y Jo Eisinger (a cargo del guión, junto al también guionista E.A Ellington). Quizá sea por ello por lo que el personaje central es un personaje libre, una mujer libre. Y busca una cosa por encima de todo, el amor: primero se casa con un hombre que no la ama y que apenas la toca, y el hombre al que ella ama, parece estar más preocupado por se jefe que por otra cosa. Sin embargo ella se rebela contra todo eso y muestra a una MUJER (efectivamente, con mayúscula), creo que es la primera vez que vemos una mujer en el cine que muestra que tiene un enorme poder sobre los hombres pero al tiempo es despreciada por ellos, y también por primera vez vemos a una mujer que muestra de una forma de los más natural posible que tiene apetencia sexual (que fue eso lo que más miedo daba a los grupo más conservadores) sin fines "malignos" (quiero decir con esto que no usaba el sexo para conseguir nada a cambio ni para manipular a los hombres).

Los personajes realmente raros, oscuros y siniestros son realmente los personajes masculinos que constantemente castigan a la pobre Gilda, cuando Mundson "se marcha" y ella cree que será feliz junto a Farrell, éste vuelve a despreciarla colocándole un cuadro en la sala de la casa de tal modo que cada vez que entre por la puerta recuerde a su primer esposo, una especie de castigo por las infidelidades de la pelirroja. Él está resentido, se casa con ella y la tortura encerrándola en una cárcel de oro.

La crítica francesa escribió: "Esta es una historia de amor entre dos hombres", es decir, que la película es un romance soterrado entre Farrell y Mundson y que Gilda es solamente la cabeza de turco. Esta afirmación se basa fundamentalmente en que no se sabe muy bien por qué rompieron Jonnhy y Gilda en el pasado. Los celos juegan un papel importante en la película, y está claro que los celos de ella van encaminados hacia él, ya que poco caso le hace, pero, ¿y los celos de él? ¿siente celos por Gilda o por Mundson? A todos esos elementos habría que unirle el hecho de que cuando Glenn Ford entra por la puerta al dormitorio por primera vez mira, de forma muy sutil, hacia la cama...
La relación amorosa entre Gilda y Ballin no es muy pasional que digamos: no duermen en la misma habitación, sino en una contigua.

Sin menospreciar a los críticos franceses de la época y su profundo análisis, tengo que reconocer que yo no he visto tal homosexualidad entre los dos personajes masculinos.

Sea como fuere, lo cierto que aquí la única que ama de verdad es ella, pues aunque va de hombre en hombre, y tras esa apariencia de femme fatale, es siempre usada como un simple florero.

Gilda es una película explosiva y eléctrica, y como prueba de ello tenemos dos escenas que lo destacan profundamente:

- La primera, cuando se reúnen los tres en el bar del casino: Jonnhy tiene una cara de pícaro y un brillo en los ojos frente a la frialdad de Mundson y el desconcierto de ella, pues está entre dos hombres fríos, esquemáticos y poco a poco le están destrozando la vida.

- La otra, la escena del baile de disfraces, cuando Ford y Hayworth están bailando y ella le pide que le descubra la cabeza, él al principio se resiste pero finalmente cede y deja que veamos esa espléndida melena rojiza...

El personaje de ella está veinte años por delante de la época en la que se estrenó, y las que escribieron e idearon la película y el personaje de Gilda plasmaron una mujer en pantalla absolutamente real, y aunque la veamos como una femme fatal, al final termina siendo la más buena y sensible de todos, inteligente y con ansias de libertad, una mujer que ama; una mujer sexy, independiente, pero que además es guapa, agradable y simpática.

El de ella es un personaje limpio y puro; este personaje femenino va mucho más allá de lo que viene siendo una femme fatale al uso dentro del film noir. Y desde aquí quiero romper una lanza (una, dos, o treinta y seis) a favor de Rita Hayworth, pues creo firmemente que es una de las mejores actrices del cine, aunque se la encasillara dentro de este rol.

Cuando esta película llegó a España, la Falange y el Opus Dei no podían soportar que la población viera esto, era lo contrario a lo que imponían sus valores. En Estados Unidos, los grupos ultracatólicos y más de derecha, y de defensa de yo no se qué moral decían que la imagen de ella no era la apropiada, que era ese tipo de mujer con la que un hombre no quiere casarse: la de toda una bomba sexual (años más tarde ocurriría lo mismo con Marilyn Monroe): que si hacía un streap-tease (y eso que sólo se quita un guante, y para nada resulta ordinario, sino algo totalmente sensual y eróticamente perfecto), esto, lo otro, lo de más alla...

Pese a todo, las mujeres querían ser Gilda, y no solamente por el vestuario, la moda y los peinados, sino porque veían en ella a alguien pasional que buscaba su propia satisfacción: tenía empuje, fuerza, erotismo, carisma y belleza. Y al tiempo es una mujer convencional, pues lo que más desea es que Farrell se enamore de ella y formar una familia.

Hasta Gilda Rita Hayworth tenía un estatus de actriz de comedia ligera y musical (a excepción de su primera película importante, Sólo los ángeles tiene alas, y la película que la encumbró Sangre y arena) y gracias a este film y a Charles Vidor se convirtió en un mito del cine, atención ¡a los 28 años!

A Orson Welles le molestó el éxito de Rita Hayworth, él la menospreciaba, la consideraba inferior (aunque como buen ególatra, en realidad él menospreciaba a todo el mundo). Al genio maldito lo que primero le gustó de la pelirroja, evidentemente, fueron sus curvas y su belleza, pero pronto se dio cuenta de que en la intimidad ella no era para nada una diva, era alguien totalmente hogareño y familiar, sin ansias de fama ni llamar la atención, por lo que pronto se puso a un nivel superior, contando apenas con ella. Gilda hizo que ella dijera "aquí estoy yo".

De las cosas que más rabia me da es de la escasa información que existe sobre Charles Vidor, que a pesar de haber creado un CLÁSICO parece haber pasado sin pena ni gloria por el mundo del Séptimo Arte.

El húngaro trabajó casi toda su carrera como director en la MGM primero y en Columbia Pictures después. Tras sus primeros pasos en la UFA, llega a Hollywood para convertirse en la mano derecha nada más y nada menos que de Alexander Korda, posteriormente como montador y guionista.
Falleció mientras rodaba Sueño de amor de un ataque al corazón. George Cukor finalizó la película, quien se negó a que su nombre apareciera en los créditos.

Charles Vidor.

A grosso modo la relación de este triángulo amoroso es más o menos así: un buscavidas y una bailarina de poca monta se conocen, tienen una relación que se rompe de una forma, por lo que se puede leer entre líneas, no muy amistosa, era una relación tortuosa. Pasan los años, Jonnhy conoce a Ballin y se hacen amigos, poco tiempo después este último llega con Gilda, su esposa, y el primero le dice: "¿No decías que el juego y las mujeres son incompatibles?", aquí es donde los críticos franceses ven también una presunta homosexualidad, ya que el tono con el que le lanza esa pregunta es de reproche y sorpresa. Aunque insisto en que yo no veo tal homosexualidad.

De esta película cambiaría una cosa: el final. Creo que es demasiado "happy end" para lo turbio del resto del metraje.

"Si yo fuera un rancho me llamaría tierra de nadie" Gilda.

"¿Te intereso saber lo mucho que te odio, Johnny? Te odio de tal modo que buscaría mi perdición para destruirte conmigo" Gilda.

"Los hombres se acuestan Gilda, pero se levantan conmigo" Rita Hayworth.

Cuatro fueron las mujeres que formaron este maravilloso arquetipo de mujer y que cimentaron un estereotipo cinematográfico, Gilda: un mito elegantemente erótico de tal magnitud que no se ha vuelto a repetir, pero que al tiempo ha quedado grabado a fuego en la historia del cine: Rita Hayworth era la maestra de ceremonias, pues es ella quien mueve toda la acción.

Como final un par de reflexiones: la película Gilda se ha mantenido con el paso del tiempo y no ha perdido ni un sólo ápice de aquello que le hizo triunfar. Con ella, Rita Hayworth se convirtió en una actriz de tal fama que eclipsó a toda actriz y todo actor nombrable, una estrella indiscutible del cine; una mujer que además de bella era buena actriz y poseía un gran instinto para la interpretación, y que como dijo George Cukor, tenía una personalidad y una profundidad que trascendió su trabajo, haciendo que sus fans se interesasen más por ella que por sus personajes.

Rita Hayworth y George Macready.

Cuando Glenn Ford recibió en 1987 el premio Donosti del Festival de Cine de San Sebastián en honor a toda su trayectoria, de entre todas sus películas eligió esta para el homenaje, no pudiendo contener las lágrimas cada vez que Rita Hayworth aparecía en la pantalla.

P.D: Tanto Bruja Truca como yo quisiéramos agradecer de todo corazón al compañero DeWitt de soyconfeso.blogspot.com el premio por nuestro Buen hacer que desde su blog nos ha concedido: mil gracias.

Hasta la próxima entrada corazones.

Las Diabólicas (Les Diaboliques) 1955

2011-09-13T01:55:00.003+02:00

Cualquier cinéfilo que se precie ha oído hablar de "Las Diabólicas" y ha leído mil y una recomendaciones sobre ésta película. Una no entiende el porqué de tanto entusiasmo hasta que ve la película y le falta tiempo para recomendarla al día siguiente.

Una película imprescindible en cualquier videoteca, "Las Diabólicas" no pertenece exclusivamente a ningún género en particular. Bebe del expresionismo alemán, del cine negro norteamericano y hasta del cine de Buñuel. Una obra artesanal sin efectismos ni sustos fáciles. Un misterio que se va cociendo a fuego lento, preparando al espectador para un final incierto.

En una escuela de provincias (Paul Meurisse) el director convive con su mujer (Vera Clouzot) y su amante (Simone Signoret). Tanto la mujer como la amante viven bajo el yugo del sádico y tirano director. Hasta que un día trazan un plan y asesinan a éste odioso crápula.

Entre las dos, tiran el cuerpo sin vida a la piscina del colegio para simular el ahogamiento del director. Ante la situación insostenible de nerviosismo, ambas provocan que la piscina sea vaciada para terminar con su tormento. Cuando vacían la piscina, no hay ni rastro del cadáver. El desconcierto y el pánico se apoderan de ambas mujeres y empiezan a suceder extraños fenómenos. El espectador no sabe a que atenerse.

H.G. Clouzot se hizo con el titulo de rey del suspense. Se dice que Hitchcock realizó "Psicosis" para recuperar el titulo perdido. Intentó comprar los derechos de ésta película pero Clouzot se le adelantó.

Como ya sabréis, al final de la película se pide al espectador que no revele el final a los amigos interesados en verla "No sean diabólicos".

Las Diabólicas está basada en la obra "Celle qui n'etait plus" de Pierre Boileau y Thomas Narcejac, los mismos autores de la novela "Entre los muertos" que Hitchcock llevó al cine rebautizada como "Vértigo".

El ambiente opresivo y oscuro de la película es realmente asfixiante. Ni siquiera la plana actuación de Simone Signoret y su cara de catatónica estropean el ambiente.
Vera Clouzot, sin embargo, realiza un trabajo muy digno, aunque su carrera conste sólo de tres películas, todas bajo la dirección de su marido, H.G. Clouzot

La música es otro de los puntos fuertes de ésta película. Desde el principio crea el ambiente tétrico perfecto. La típica música que te pone de los nervios, espeluznante.

Con miedo a desvelar nada, no diré nada más, sólo que puedo recomendar y recomiendo, Las Diabólicas.

La mismita cara se me quedó cuando ví el final.

Pánico en la escena (Stage fright, 1950)

2011-08-31T18:03:00.002+02:00

Esta es una de las películas menos conocidas del realizador británico. La verdad es que tampoco es de las mejores, siendo sinceros, y ni siquiera el propio Hitchcock acabó contento con el resultado final y con algunos de los intérpretes.

Alfred Hitchcock la definió algo así como una pequeña película policíaca dentro la tradición inglesa, tipo Agatha Christie. Sin embargo, el director tenía ganas de rodar una película que estuviera enmarcada dentro del mundo del teatro y cuya protagonista fuera una principiante o estudiante de escena y que su primer papel no fuera el de actriz principal en una obra sino, en su propia vida.

En la foto, el esperado cameo de Hitchcock en Stage fright.

"Se preguntará usted por qué decidí hacer esta historia. Hacía poco tiempo que había salido el libro y varios críticos literarios habían observado en sus comentarios: 'Esta novela serviría como base para un buen film de Hitchcock.'Y yo como un buen idiota, les tomé la palabra." Alfred Hitchcock.

Un joven (interpretado por Richard Todd) es buscado por la policía por asesinato, concretamente se la acusa de matar al marido de su amante. Para escapar, se refugia en la casa de su amiga Eve (Jane Wyman), quien está perdidamente enamorada de él. Sin embargo, a ella le confiesa que el auténtico asesino es la reputada actriz teatral Charlotte Inwood (Marlene Dietrich). Tras esto se refugian en la casa del padre de Eve (Alastair Sim).
La joven enamorada comenzará a investigar por su cuenta y para ello se meterá en el servicio de la madura actriz, pero no cuenta con la aparición del inspector Smith (Michael Wilding), encargado de llevar el caso y que a su vez, se enamorará de la joven actriz...

En la imagen, Marlene Dietrich y Richard Tood.

Respecto al reparto, el propio Hitchcock confesó años más tarde que el personaje que menos le gustó fue el personaje interpretado por Alastair Sim, el excéntrico padre de Eve: "no me gustó ni el personaje ni el actor." Pero el director también dijo que ese era un problema de rodar en Inglaterra, los localismos, pues le dijeron "es uno de los nuestros, debes darle un papel en una película."

Tampoco le gustó trabajar con Jane Wyman, a quien le costó mucho dirigir. Según cuenta, sentía unos celos enormes hacia su compañera de reparto, Marlene Dietrich (curiosamente son las únicas no británicas de la cinta). "Jane Wyman me dio muchos problemas", confesó el director. Según cuenta, cada vez que la actriz iba a la sala de proyecciones se comparaba con Dietrich y salía llorando; "Marlene estaba realmente guapa" (palabras del director, aunque yo también lo pienso) y Jane Wyman se arreglaba cada día más para ser más guapa que la alemana, y eso es justo lo contrario que requería el personaje.

Dos fotos en las que vemos la belleza y la elegancia de una madura Marlene Dietrich.

Pero lo cierto es que los celos de Jane Wyman hacia Marlene Dietrich comenzaron cuando se anunció que el vestuario del film sería diseñado por la casa de modas francesa Christian Dior... sin embargo, solamente estaban interesados en vestir a la diva alemana, que por aquella época ya era considerada una de las mujeres más elegantes, glamourosas y estilosas del mundo. O también porque el director se mostraba más amable con la rubia que con la morena... creo que esta es la única película del director en la que quien sufrió sus manías fue la morena y no la rubia.

Puede Hitchcock usara esa enemistad para beneficio de la película, ya que los personajes (sobre todo la joven Eve) requerían esa distancia y esos recelos.

¿Cuál era la opinión de Alfred Hitchcock sobre su obra?

"(...) contamos una historia en la que los malos son los que tiene miedo. Es la gran debilidad del film, y que va contra la regla: cuanto más logrado sea el retrato del malo, más lograda será la película. He ahí la gran regla fundamental. En esta película, el retrato del malo no estaba conseguido."

Hitchcock dirigiendo a Marlene Dietrich.

Hasta la próxima entrada corazones.

La Chica del Signo de Hollywood o el malogrado final de Peg Entwistle.

2011-08-28T11:57:00.000+02:00

Lo bueno de leer biografías es que, no sólo descubres cosas acerca del biografiado, sino que también puedes descubrir otras historias interesantes.

Leyendo la biografía de Bette Davis, "Amarga Victoria" descubrí la historia de Peg Entwistle.

La relación entre Bette Davis y Peg Entwistle no va más allá de que la primera fue a ver una obra, "El Pato Salvaje", en la que la segunda interpretaba al personaje de Hedvig. Bette aseguró que el papel de Hedvig sería suyo algún día y así fue.

Peg Entwistle, nació en Gales, pero parece que desde pequeña le acompañó la mala suerte. Su madre murió prematuramente cuando ella era pequeña, en Gales, y su padre murió atropellado en Nueva York tras emigrar a la gran ciudad con su hija, durante la Gran Depresión, buscando un futuro mejor.

Peg Entwistle fue la protagonista de varias producciones de Broadway. Y, como muchas otras actrices, dio el salto a la gran pantalla. Consiguió un pequeño papel en "The Mad Hopes" donde aparecía Humphrey Bogart.

Tras su debut cinematográfico firmó un contrato con la RKO para filmar la película "Thirteen Woman" de David O. Selznick, junto a Irene Dunne y Myrna Loy.

En los pases previos de la película, la productores empezaron a recortar la cinta, 14 minutos de metraje, en los que se eliminaba la mayor parte del trabajo de Peg. Esto motivó que la RKO rompiera su contrato con Entwistle.

Pasó el verano de audición en audición, sin ninguna oferta de trabajo. Fue a centenares de pruebas sin tener dinero para la vuelta en tren. Aceptó lo único que le ofrecieron, posar en top-less.

En septiembre, ni siquiera fue invitada a la premier de su segunda película. Pasó la noche emborrachándose antes de suicidarse desde la letra "H" del cartel de Hollywoodland, a los 24 años. El suicidio más simbólico y romántico que haya protagonizado una actriz de Hollywood, desde luego.

Dejó una nota de sucidio: "Tengo miedo, soy una cobarde. Lo siento por todo. Si hubiera hecho esto hace mucho tiempo, habría evitado mucho dolor".

El 18 de septiembre de 1932, una excursionasta que paseaba por las colinas de Hollywoodland descubrió el cuerpo desplomado de Peg.

Nunca pudo abrir la carta que llegó a su casa al día siguiente de su sucidio donde se le ofrecía el papel protagonista para una nueva película.

Y así fue como, desgraciadamente, Peg Entwistle se hizo un hueco entre las leyendas de Hollywood, con su muerte. En vida, Hollywood sólo le hizo el vacío y ella saltó en él.

Arsénico por compasión (Arsenic and Old Lace) 1944

2011-08-19T16:01:00.009+02:00

Confieso que a veces nos adelantamos demasiado al decir que una comedia ha envejecido muy mal y que con los años ha perdido la gracia. Este fin de semana he podido comprobar de primera mano que al contrario del rumor popular (o lo que es lo mismo, de la mayoría de las críticas leídas) Arsénico por compasión sigue arrancando las carcajadas del respetable. He tenido la oportunidad de ver ésta película éste pasado fin de semana en un cine de verano casi con aforo completo y tengo que admitir que la mayoría de las veces somos unos "boca-chancla". No había escuchado tantas risas en un cine en mis 27 años de existencia.

Arsénico por compasión es una mezcla de comedia negra y aquellas famosas screwball comedies de los años 30 y 40, que más que intentos de hacer obras maestras fueron una especie de productos de entretenimiento de usar y tirar destinados a hacer un poco más llevaderas las vidas de los norteaméricanos durante la Gran Depresión. Algunas, como ésta, han sobrevivido por mérito propio.

Frank Capra, su director, fue un firme partidario de que Estados Unidos luchase durante la Segunda Guerra Mundial y elaboró ocho documentales de guerra con la intención de animar a las tropas y obtener la alianza de la URSS. Se alistó como voluntario y filmó Arsénico por compasión para mantener la economía familiar con los beneficios que obtuviera de ésta durante su ausencia.

Arsénico por compasión está basada en la obra teatral del mismo nombre Arsenic and Old Lace escrita por el novelista y dramaturgo Joseph Kesselring y adaptada al cine por los hermanos Epstein, los guionistas de Casablanca.

El argumento, cómo el de las películas que fueron máximo exponente en éste género (La Fiera de mi Niña o La Pícara Puritana) es una demencia absoluta. Cary Grant fue protagonista masculino de las tres, por cierto.

Mortimer Brewster (Cary Grant) y su novia Elaine (Priscilla Lane) acaban de contraer matrimonio civil. Sus tías Abby (Josephine Hull) y Martha (Jean Adair) famosas por su bondad y carácter afable, y que conviven con el sobrino Teddy (John Alexander), famoso en el vecindario por creerse el presidente Theodore Roosevelt, les esperan en su casa charlando con el padre de Elaine, pastor metodista (Grant Mitchell)

Una vez en casa de sus tías, Mortimer descubrirá que las bondadosas ancianas llevan a cabo un plan macabro e inocente a partes iguales. Se han propuesto quitar la vida a todo aquel caballero anciano que se sienta solo con una copita de vino aliñado con arsénico. Las dos hermanas cumplen con su árdua tarea con el espíritu más filantrópico que se pueda imaginar.

En el sótano hay 12 cadáveres que el bueno de Teddy se encarga de enterrar en "Panamá." Él cree que son víctimas de la fiebre amarilla y que el sótano es Panamá, evidentemente.

Cuando Mortimer descubre el pastel empieza la acción.

A partir de aquí, Mortimer empieza una verdadera odisea para tratar de porteger a sus tías. "Lo que quiero decir es que ésto se está convirtiendo en una mala costumbre" les regaña Mortimer a sus tias sobre su "pequeña" cadena de asesinatos.

La única salida que se le ocurre es encerrar en un psiquiátrico a su hermano Teddy. Mientras tanto, las tías Abby y Martha siguen con su obra de "caridad".

Para terminar de rizar el rizo, llega el hermano pródigo, Jonathan, (Raymond Massey) un asesino que monta en cólera cada vez que alguien le dice que se parece a Boris Karloff (éste guiño es uno de los que sólo podían entenderse en la época, pues Boris Karloff era el actor que interpretaba a Jonathan en la obra teatral de Ársenico por compasión) y su compinche el doctor Einstein, el carismático Peter Lorre, que venía de actuar en Casablanca.

El curioso físico de Massey le sirvió para interpreta al presidente Abraham Lincoln.

Personalmente destaco de ésta comedia algunas frases sin parangón, la fotografía del afamado Sol Polito y la impagable presencia de Cary Grant, que no se quedó contento con su interpretación y si muy contrariado con las directrices que le dio Frank Capra para su personaje al que, si tenemos que definir de alguna manera, sería de histriónico. Grant fue la cuarta opción de Capra para interpretar a Mortimer.
Sin embargo y, a pesar de todo, Grant hizo su trabajo y declaró que fue el papel donde más disfrutó.

Grant quería convertirse en un actor de comedia serio. Así que nuestro gentleman, el mejor actor de comedia que haya habido (en mi opinión) tiró de mímica facial exagerada hasta casi degenerar en dibujo animado. Y aún así es lo mejor de la película.

Cada personaje lleva su personalidad al extremo. Mortimer se convierte en el más exéntrico de la película. Las tías Abby y Martha parecen dos de las hadas de La Bella Durmiente (al menos Abby anda igual que una de ellas, lo juro) el tío Teddy es el más loco de los locos y Jonathan el más malo de los malos.

Luego están los secundarios como Elaine y los policias que entran y salen de escena sin demasiada pena ni gloria en ésta obra absolutamente teatral. El principal escenario es el salón de la casa y es curioso que de lo que más se nombra, el sótano, apenas salgan las escaleras unos segundos y nada más. Puro teatro.

Los únicos intérpretes de la obra teatral que repitieron su papel en el cine fueron las tías Abby y Martha y Teddy. Boris Karloff no consiguió el permiso para rodar la película por ser el principal reclamo de la obra de teatro.

Termino ésta entrada reafirmando lo primero que dije, Arsénico por compasión sigue arrancando carcajadas. De hecho, me asombré de que fueran tantas y tan fuertes, gratamente.

Saludos.

Encuesta: las mejores parejas del cine.

2011-08-17T14:21:00.004+02:00

Buscamos a la mejor pareja de la historia del cine. Más modestamente, queremos saber quienes son las parejas favoritas de nuestros amigos lectores. Hace tiempo, mi compañero de blog y yo pensamos hacer un especial "Parejas de cine". Quizás si sabemos quienes son vuestras favoritas nos sea más fácil elaborarlo. En la parte derecha del blog encontraréis la encuesta.

Como siempre, decir que he intentado reflejar variedad y mis disculpas con antelación por si me dejé algo en el tintero. Gracias :)

Saludos,

María Walewska (Conquest, 1937)

2011-08-10T14:18:00.001+02:00

Hoy toca hablar de Greta Garbo, una de las actrices favoritas para los autores y lectores de 24 veces por segundo. Y precisamente de una de sus películas menos conocidas. Que la disfruten.

Maria Walewska (Greta Garbo) es una condesa polaca que conquista el corazón del emperador Napoleón Bonaparte (Charles Boyer), en un principio, por conveniencia política, aunque más tarde acabará enamorándose de él. En esos momentos, Polonia atraviesa momentos delicados en cuestiones políticas y estratégicas y necesita de la ayuda del militar francés. Termina convirtiéndose así en la amante de éste y es abandonada por su marido. Sus desgracias, acaban de empezar...

Retrato de Maria Walewska.

Bella foto (no es de esta película, Maria Walewska, sino de Romance, de 1930) de una guapa Greta Garbo.

Pero, ¿quién fue realmente Maria Walewska? Conocida como "la bella extranjera" o "la puta polaca", se dice que fue "la menos guapa de las amantes de Napoleón", no sé como serían las otras amantes del francés, pero la verdad que comparándola con Greta Garbo, sale perdiendo (juzguen ustedes mismos...).

Nacida en Polonia, se cree que en el año 1789, año de la Revolución Francesa, esta hija de unos humildes burgueses polacos llegó a escalar puestos en la sociedad debido en gran parte a su belleza y a los esfuerzos de sus padres por introducirla en los selectos círculos de la aristocracia polaca. Su suerte fue mayúscula cuando un anciano conde Walewska, que por edad podría haber sido perfectamente su abuelo, se casó con ella.
Al llegar las tropas francesas al país, ofrecen una fiesta en honor del emperador y es allí cuando Napoleón cae rendido ante los encantos de la condesa, sin embargo ella no parecía estar interesada en él. Fueron sus propios amigos los que la empujaron a los brazos del militar para asegurarse su ayuda en la guerra contra Rusia. Finalmente, el anciano conde la repudia y ella termina perdidamente enamorada de Napoleón.
Pasa el tiempo y ella se queda embaraza de un niño, muchos la veían ya como reina de Francia y futura emperatriz de Europa, pero una vez más fue repudiada: Napoleón decide casarse con María Luisa de Habsburgo, miembro de una de las casa reales de más solera en el continente, para asegurarse así la legitimidad de su trono. Ella quedó relegada al puesto de amante.

Cuando en 1814 Napoleón es derrotado, la única persona que se desplaza a verle en su destierro en la isla de Elba es ella, que siempre le fue fiel. Su esposa oficial jamás fue a verle, tampoco sus hijos "legítimos".
Maria muere en 1817, a los 28 años, poco más de un año después de la derrota definitiva de Napoleón en Waterloo.

La película está adaptada, entre otros, por la guionista Salka Viertel, una de las amantes de la sueca. Y al igual que otras de las películas con guión de ella, fue un auténtico fracaso en taquilla y crítica (aunque ésta elogió la labor de los actores principales).
Escribió los guiones para las películas de Greta Garbo que fueron un rotundo y sonado fracaso para la MGM, como La reina Cristina de Suecia, El velo pintado, Maria Walewska o La Mujer de las dos caras. La única que se salva de la quema es Ana Karenina, entonces, ¿por qué la Garbo trabajaba con ella? Es algo que jamás entenderé... Aunque lo cierto es que aunque fueran un fracaso en la taquilla (excepto la película basada en la obra de Tolstoi) y crítica, para Greta Garbo siempre había elogios. Lo corroboro: ésta no pasará a la historia por ser la mejor película de la sueca, pero cuando aparece en pantalla, yo por lo menos, me quedo boquiabierto. Su compañero de reparto está que se sale también.

En cifras, la película tardó 127 días en rodarse y costó al estudio 1'4 millones de dólares en pérdidas.

Curiosidades:

- Está basada en la novela Pani Walewska, de Waclaw Gasiorowski.
- Fue dirigida por Clarence Brown y Gustav Machatý, aunque éste último no está acreditado;
- Tras la muerte de Irving Thalberg, la MGM decidió gastarse más dinero en decorados y vestuario y menos en guiones, y ésta fue una de las primeras películas en seguir esa fórmula;
- Estuvo nominada a dos Oscars: Mejor actor principal (Charles Boyer) y Mejor dirección artística;
- La Garbo interpreta a una adúltera por cuarta vez consecutiva (El velo pintado, Anna Karenina y Margarita Gautier fueron sus tres trabajos anteriores a este film).

Bello perfil de la sueca Greta Garbo.

Hasta la próxima entrada corazones.

Juárez (Juarez, 1939)

2011-08-08T13:18:00.001+02:00

Es verano, y la mayoría de los bloggers están de vacaciones, y por extensión, sus blogs. Pero como buena persona maniática que soy, no puedo ver mi blog parado. Pero teniendo en cuenta el periodo estival, hoy publicaremos una entrada más sencillita. Que la disfruten.

Juárez es otra de las películas del año 39 que ha quedado eclipsada por todo el arsenal que se estrenó ese año, por lo que podemos decir que es una joya desconocida del cine. Aunque a decir verdad el 39 no solo fue el mejor año del cine, también fue uno de los mejores de Bette Davis, pues estrenó Amarga victoria, Las vidas privadas de Elizabeth y Essex, La solterona y Juárez.

Nos encontramos ante un drama histórico dirigido por William Dieterle con guión de Aeneas McKenzie, John Huston y Wolfgang Reinhrdt, basado en la obra teatral Juarez y Maximilian de Franz Werfel y también en la novela de Bertita Harding The Phantom Crown.

El emperador Maximiliano I de Habsburgo (Brian Aherne) llega a México con su esposa, Carlota (Bette Davis) para establecer la supremacía francesa sobre la zona, pero tropieza con la oposición del indio zapoteco Benito Juárez (Paul Muni), presidente legítimo del país. Maximiliano, víctima de Napoleón III (Claude Rains) debe confiscar esas tierras que habían sido devueltas a los nativos americanos y castigar a los rebeldes, por lo que decide abdicar, algo que su esposa Carlota le impide.
El heredero de los Habsburgo le ofrece a Juárez el cargo de primer ministro, pero su negativa supone la ruptura de ambos y la guerra. Estados Unidos envía tropas para apoyar al ejército juarista, y es en ese momento cuando Napoleón III decide retirar a los militares franceses de la zona, por lo cual Maximiliano se queda sin ejército. Furiosa, Carlota decide regresar a Francia para implorar la ayuda del emperador francés.

Paul Muni como Benito Juárez.

Brian Aherne como el emperador Maximiliano I de Habsburgo.

Bette Davis como la emperatriz Carlota.

En 1935, Hall B. Wallis propuso al director Max Reinhardt la adaptación cinematográfica de la obra de Werfel arriba mencionada, pero no fue hasta 1937 cuando Jack Warner y Wallis compraron los derechos de ambas obras literarias, así pues, el 30 de septiembre de ese mismo año, Aeneas MacKenzie, bajo la supervisión de Henry Blake se puso adaptar el guión, y para ayudarse y que la historia fuese fiel a las obras y a los sucesos históricos: para ello se leyeron más de trescientes libros relacionados con los hechos, personajes, etc., además, Jack Warner contrató a Herman Lissauer y dos historiadores más.
Así pues nos metemos en agosto del 38, fecha en la que el equipo de producción, encabezado por Hall B. Wallis, viajó a México, concretamente a 15 ciudades en las que Benito Juárez estuvo durante los sucesos que se cuentan en la película, e incluso se entrevistaron con un señor de ¡116 años! que había luchado con Juárez y Porfirio Díaz, esto ayudó mucho a Paul Muni a componer su personaje. También fue muy importante para Perc Wetmore, responsable de maquillaje y caracterización.

El 12 de octubre, mientras rodaba Amarga victoria, a Bette Davis se le propuso este papel. Aunque no se trata de un papel muy extenso, aceptó. Eso no le impidió hacer de las suyas: se negó a presentarse a las pruebas de peluquería, maquillaje y vestuario, no se metería en la piel de un personaje diferente mientras estuviera interpretando otro (cada maestrillo, tiene su librillo...). Se incorporó al rodaje después de Navidad, una vez se divorció de Harm Nelson y se hubo recuperado de un ataque de pleuresía.

Juárez precisó alrededor de 1200 extras y 54 sets de rodaje. El más grande, una réplica de ciudad de México de 11 acres.
En un primer pase para productores y miembros del equipo, no quedaron muy contentos, por lo que tuvieron que montarla de nuevo casi por completo. Se estrenó en Nueva York el 24 de abril del 39, y el 4 de junio, en el resto del país.

La crítica dio una de cal y otra de arena: el montaje y sobre todo la edición no gustaron mucho, sin embargo, el New York Times concluyó: "debe considerarse una película sobresaliente, memorable y socialmente valiosa";
"Bette Davis es la única que tiene fuego en este drama histórico de Warner", Time Out London.

Juárez estuvo nominada a dos Oscars: mejor actor de reparto (Brian Aherne) y mejor dirección artística en b/n.

Hasta la próxima entrada corazones.

Felices vacaciones

2011-07-30T12:28:00.006+02:00

Para los que volvais de las vacaciones y os reincorporeis al trabajo, ánimo y una frase que en éstos tiempos está muy de moda, "¡por lo menos tienes trabajo!"
No, si el que no se consuela es porque no quiere. A los que os vayais éste mes de vacaciones, pasadlo bien y, sobre todo, cuidado en las carreteras. En septiembre paso lista.

Hoy me gustaría recordar algunas películas de temática vacacional. Una entrada ligerita, cual ensalada veraniega.

Empecemos por una película en la que seguro muchos de vosotros os sentireis identificados. Y es que ¡qué duro es irse de vacaciones cuando se pertenece a la realeza!

Así se lo pasaba la princesa Ana (Audrey Hepburn) de incógnito en sus vacaciones en Roma. Era tan osada que hasta condujo una scooter, ¡que disparate, Mari!

Hay gente que prefiere la acción y en vez de visitar Roma se atreve con un safari. Caso de Clark Gable, Ava Gardner y Grace Kelly en "Mogambo."

Eso si, aunque vayas a un safari que no se te olvide la laca, el collar de perlas y el último modelito. Aunque vayas a cazar leones, siempre divina.

Aquí habrá quien piense que no es más valiente el que se va de vacaciones con leones, sino el que se va de vacaciones con la familia. Caso de Jane Fonda en "En el Estanque Dorado."

Ni siquiera un entorno paradisíaco puede ablandar el corazón de un "viejo bobo". Fonda Vs Fonda. La realidad superó a la ficción en esta maravillosa película.

También puedes elegir viajar con los amigos. Al final puede que descubras muchas cosas que no sabias y que preferías no saber. Pero si sales con vida de ésta, puedes decir que vuestra amistad está a prueba de bombas. Caso de las vacaciones de Navidad de "Los Amigos de Peter."

Y de las vacaciones de verano de "Pequeñas mentiras sin importancia". La importancia es subjetiva.

Hay quien no consigue relajarse ni estando de vacaciones. Si sois de esos, puede que tengais la suerte de encontraros al entrañable Monsieur Hulot. Nunca se sabe que personajes nos tiene designados el periodo estival.

Y si no os queda otra que hacer de "Rodriguez" mientras la señora y los nenes están en la playa, no desespereis, siempre puede llegar al barrio una nueva vecina.

Sea cual sea vuestro plan, Feliz verano, felices vacaciones. Sed felices.

Luz que agoniza (Gaslight, 1944)

2011-06-26T15:15:00.001+02:00

George Cukor dijo una vez que siempre se olvidaba que Luz que agoniza era una pieza teatral adaptada al cine. Argumentaba que el guión era muy hábil, un melodrama puro y simple, dentro de la mejor tradición cinematográfica.

La historia se desarrolla en el Londres victoriano. A George Cukor le hubiese encantado filmar parte del metraje en Londres, sin embargo era inviable trasladarse a Inglaterra en plena II Guerra Mundial, por lo que fue rodada íntegramente en estudio. Es por ello por lo que abundaba la niebla artificial, lo único que no gustó al director. Pero la espesa niebla que se ve en las calles de la capital británica no tiene ni punto de comparación con la niebla que encontramos en la mente del protagonista, Gregory Anton (Charles Boyer), uno de esos tipos encantadores, lobo con piel de cordero, que al llegar a casa cuelgan en el perchero su disfraz y sacan a pasear al monstruo que llevan dentro. Paula (Ingrid Bergman) está tan enamorada de él que prefiere torturarse a desengañarse. Aunque por suerte para ella se cruzarán en su camino Miss Bessie Thawaites (Dame May Whitty) y un comisario de Scottland Yard, Brian Cameron (Joseph Cotten).

Cuando de madrugada, en ese siniestro caserón, las luces empiezan a apagarse y el tintineo de la llama de las lámparas de gas empieza a disminuir, el presagio es de que nada bueno va a ocurrir. Si a ello le sumamos los ruidos en el piso de arriba, los escalofríos de la protagonista son entendibles. Pero nosotros jugabos con ventaja, sabemos más que ella, sabemos lo que ella se resiste a saber: sin embargo ella es tan ingenua y él tan malvado que le hará dudar de sí misma hasta conseguir que roce la locura.

Cuando las llamas de las lámparas de gas comienzan a tintinear, es señal de que la bestia se ha despertado...

Luz que agoniza fue el primer trabajo de Cukor para la MGM tras licenciarse en el ejército. Este director de actrices ya se quedó con las ganas de trabajar con Ingrid Bergman en Un rostro de mujer, que finalmente fue a parar a Joan Crawford.

"Entre toma y toma yo solía ir a charlar con los actores para darles pequeños consejos, quizá un poco de ánimo para ayudarles a mantener la concentración. A la señorita Bergman le comenté un chisme un poco a la ligera y ella me lanzó una mirada... ¡Qué mirada! Acto seguida y con cierta frialdad me dijo: 'Ya me lo habías contado' '¿Ah, sí?' -dije yo, y luego pensé: 'Tendrás que tener más cuidado con esta joven sueca'. Pero luego lo reconsideré y pensé que nada de eso, que sería ella la que tendría que tener cuidado conmigo y acostumbrarse a mi modo de trabajar. Y así lo hizo. Y nos hicimos grandes amigos" George Cukor.

Ingrid Bergman ya había demostrado de sobra lo que era capaz de hacer delante de las cámaras, como en Casablanca o ¿Por quién doblan las campanas?, pero en la débil piel de Paula Alquist es donde realmente demostró lo que era. Y los críticos no tuvieron más remedio que reconocérselo: "La señorita Bergman está soberbia en su delirante papel. Su elegante y emotiva actuación no puede sino encandilar al espectador", Frank Leyendecker, de Film Bulletin; "Ingrid Bergman es una de las mejores intérpretes del panorama cinematográfico, y ofrece la mejor actuación de su carrera hasta la fecha... Bajo el hipnótico embruo de Boyer, se enardece llena de pasión o se queda postrada lánguideciente", Jim O'Connor, New York Journal-American.

A George Cukor tampoco le falló la intuición con Angela Lansbury, que encarna a Nancy, la criada. Se la recomendó John Van Druten, director de esta obra en el teatro, y en esos instantes ella se encontraba trabajando en unos grandes almacenes en plena campaña navideña. Es un personaje muy importante, pues contrasta con la inocente y angelical Paula. Según Cukor "tenía una boca de lo más huraña, y el rasgo de quien está esperando sexo", pero cuando le hizo la prueba de cámara quedó atónito, estaba perfecta.

Con quien también estaba encantado era con Charles Boyer, en su opinión, un actor fabuloso. Ingrid Bergman lo calificó como uno de los hombres más brillantes con los llegó a trabajar. Esta fue la primera de las tres películas en las que trabajaron juntos: la segunda sería Arco de triunfo y la última Nina. Sin embargo esta es la que ella definió como la experiencia de su vida.

Arriba, Ingrid Bergman junto a Charles Boyer. Abajo con Joseph Cotten.

Para finalizar, un par de curiosidades:

- Una primera versión cinematográfica de Gaslight se rodó en el año 39 en Gran Bretaña dirigida por Thorold Dickinson, película que la MGM trató de esconder por todos los medios para que su película no fuese presentada por los críticos como un remake. De echo, en Inglaterra este film se llamó Murder in the Thorton Square.
- Patrick Hamilton, autor de la obra de teatro en la que se basó la película que hoy nos ha ocupado, también fue el autor de La soga, que más tarde Hitchcock llevó al cine.

George Cukor e Ingrid Bergman conversando de forma distendida durante un descanso del rodaje de Luz que agoniza.

Hasta la próxima entrada corazones.

*Información extraída de los textos sobre la película de Julio José Ordavás.

Charles Chaplin (1ª Parte. El teatro)

2011-06-18T20:42:00.010+02:00

"Para hablar de cine, comencemos y terminemos por Charles Chaplin" Max Reinhardt.

16 de abril de 1889, nace Charles Spencer Chaplin en el barrio de Kennington, Londres. Fue el segundo hijo de una familia con aspiraciones a conquistar la fama a través del vodevil. Si bien los primeros años de la familia tuvieron cierta holgura económica, las aspiraciones de fama y éxito pronto se vieron frustradas cuando el padre biológico de Charles, también llamado Charles Chaplin, abandonó a su mujer, a su hijastro (el hermano mayor de Charles, Sidney) y a su hijo Charles. Al parecer, no pudo superar su fuerte adicción a la bebida.

La madre de Chaplin, Hannah Hill, lucha por sacar a sus hijos adelante y actúa en modestos teatros londinenses. La primera vez que Chaplin actúa en un escenario es a los 5 años, sustituyendo a su madre quien pierde la voz repentinamente durante una representación.

Desde que su madre pierde la voz, la familia se hunde rápidamente en la miseria. El padre de Chaplin no responde a los llamamientos de ayuda de su familia y los tres ingresan en el asilo de Lambeth. Pero la caridad pronto separa a la madre de sus dos hijos a los que llevan a un orfanato. Los hermanos también serán separados. El hermano de Charles, Sidney, es obligado a ingresar en la marina inglesa a causa de su edad. Charles se queda solo.

Cuando Sidney vuelve Hannah Hill ingresa en un manicomio y la beneficencia obliga al padre de Chaplin a hacerse cargo de los dos hijos que llevan su apellido. De esta forma, pasan a vivir a un hogar hostil con su padre y la nueva mujer de éste, ambos alcohólicos. Los dos niños pasan la mayor parte del tiempo en la calle.
Al tiempo la madre vuelve a recuperar a sus hijos. Van de una casa a otra, de desahucio en desahucio. No tenían zapatos, pedían comida, los niños se vestían con los restos del vestuario de actriz de su madre provocando la risa de otros niños.

Tras una serie de catastróficas desdichas, Charles Chaplin pasó a vivir literalmente en la calle. No interpretaba al vagabundo, también lo fue. Esta escena de su pelicula Vida de perro, es un recuerdo de infancia. El pequeño Chaplin durmió en solares llenos de escombros y comió residuos podridos del mercado de Covent Garden.

También en la película El Chico Chaplin retrata su propia infancia en el personaje del pequeño Jackie Coogan. Mientras que el pequeño al que interpreta Coogan va rompiendo cristales para que su padre adoptivo, que misteriosamente llega justo detrás de él con un cristal nuevo, los arregle, el pequeño Chaplin, se intentaba ganar unas monedas bailando al son de la música de los músicos callejeros. Hasta que éstos le echaban porque les robaba protagonismo y se llevaba todas las monedas.

Pero antes de El Chico, Chaplin pasará por muchas compañías teatrales. Su afán por imitar a todo el mundo le surtió de un gran repertorio de pantomima y pronto comienzan a darle trabajo en pequeñas compañías de teatro. Pero no sería hasta 1907 y gracias a su hermano Sidney, cuando Chaplin es contratado por la compañía Karno, la que más le influiría en su vida artística.

La compañía de Fred Karno era una de las más importantes en competencia con la de Dan Leno. El punto fuerte de la compañía Karno era la pantomima inglesa, es decir, la acción (bofetadas, peleas, caídas, saltos, tartazos en la cara) que tanto aparece en los primeros cortos de Chaplin.

Aunque sólo tenía 16 años le hizo sombra a la máxima estrella de la compañía Karno, Kitchen. Kitchen improvisaba chistes que sus compañeros no podían contestar. Sin embargo, Chaplin improvisaba respuestas a los chistes de Kitchen y le arrebató el éxito. Karno pasó a Chaplin a otra compañía por ser un rival demasiado peligroso para su mejor estrella pero a cada nuevo papel que interpretaba Chaplin hacía lo mismo, se "comía" el papel y a los compañeros de actuación. Es entonces cuando Fred Karno le da el papel protagonista de la compañía. Chaplin se curte en la profesión de actor y en el sistema cómico de aquel momento, la pantomima.

1910: El cine amenaza a los espectáculos de music-hall. Las compañías de teatro americanas pierden actores importantes que reciben contratos más jugosos de las compañías cinematográficas. Es así como Chaplin es enviado a Hollywood, que buscaba "cómicos" para sustituciones. Es aquí donde Chaplin entra a formar parte momentáneamente de la compañía de teatro de Mack Sennet.

En América verá peliculas mudas por primera vez. En su cabeza empieza a tomar forma la idea de comprarse una cámara y fotografiar las actuaciones de la compañía.

De vuelta a Inglaterra ve por primera vez un cameraman rodando unas fiestas de carnaval y se plantea seriamente realizar moving pictures.

También de su experiencia en éstas fiestas de carnaval es de donde sacará uno de los sketches de una de sus primeras peliculas al ver a un señor gordo que siempre intentaba ponerse delante del objetivo. Chaplin reproducirá esto en Carrera de autos para niños.
Chaplin se surtirá mucho de su propia experiencia de vida, ya sea la suya misma o de la observación directa de otras situaciones y personas para sus futuras películas.

La compañía de Karno vuelve a Estados Unidos y Mack Sennet ve una de sus representaciones. Desde que Chaplin trabajó en su compañía supliendo a alguno de sus actores, Sennet había constituido su propia compañía de peliculas, la Keystone Film Co.

Cuando un actor de la compañía de Sennet pide un aumento de sueldo, Sennet se acuerda del actor inglés y manda buscar a un actor inglés llamado "Chapmann o Chamberlain". Con estos vagos datos, el jefe de publicidad consigue localizar a Chaplin y queda contratado por la compañía de peliculas tras algunos "tira y afloja".

Sennet pone a trabajar a Chaplin al servicio de Henry Lehrman, uno de los mayores realizadores de la empresa. Chaplin mantiene la indumentaria de lord inglés de uno de sus mayores éxitos en el teatro Una noche en el music-hall inglés. Sus compañeros de reparto serían el propio Henry Lehrman, Virginia Kirtley, Alice Davenport, Minta Durfee y Chester Conklin (que después se convertiría en unos de los actores más fieles a las cintas de Chaplin)

En la segunda parte: Llegada a Hollywood.

Recomendaciones personales:

Libros: Charles Chaplin el genio del cine de Manuel Villegas López.

Un maravilloso libro, un estudio a fondo sobre Chaplin que ha sido editado por el propio autor, ensayista y crítico de cine español, conforme iban surgiendo nuevas publicaciones. El propio Chaplin lo calificó como "el mejor y más profundo estudio que se haya realizado sobre mis peliculas".
No os defraudará.

Documentales: Charlie, Vida y Obra de Richard Schickel. Narrado por Sydney Pollack. Maravilloso y completo documental sobre la vida y obra del genio del que os dejo enlace a un blog de descargas directas a través del cual podreis conseguir los enlaces al documental.

Charlie, Vida y Obra

Por cierto, si alguien sabe por qué dejaron de vender estas ediciones de mk2 que eran maravillosas, me lo puede decir, porque no tengo ni idea de si se pueden seguir comprando en algún sitio y me quedé a la mitad... =(

Ediciones especiales: si teneis curiosidad casi enfermiza (como yo) podeis regalaros, o pedir que os regalen, esta edición especial para coleccionistas con los cortos de Chaplin, que contiene 13 magníficos dvd's.

Os espero en la segunda parte. Un saludo,

La mujer marcada (Marked woman, 1937)

2011-06-13T23:41:00.002+02:00

Ambientada en los bajos fondos de Manhattan, cuenta como un grupo de mujeres hace frente a una banda de gánsters. Fue una de las películas más importantes de Warner Bro. para ese año y uno de los pilares fundamentales en la carrera de Bette Davis. Además, es una de las primeras películas en las que se aborda el tema de la prostitución de lujo.

El mafioso Johnny Vanning (Eduardo Ciannelli) es el dueño de un club nocturno en Nueva York, donde la prostitución y las apuestas rigen el lugar. Mary (Bette Davis) incita a un juerguista a gastar más dinero del que lleva encima y cuando llega la hora de pagar, tima a los gangsters, pero lo cogerán y lo matarán. Es en ese momento cuando el fiscal del distrito, David Graham (Humphrey Bogart), convencido de que el caso está ganado, lleva a juicio a Vanning, pero el resultado no será el previsto... por ahora.

Se trata de una película muy coral, dado el gran número de actrices secundarias que hay:

- Lola Lane es Dorothy "Gabby" Marvin;
- Isabel Jewell es Emmy Lou Eagan;
- Mayo Methot, Estelle Porter;
- Rosalind Marquis es Florrie Marquis (papel que un principio estaba pensado para una jovencísima Jane Wyman);
- Jane Bryan como Betty Strauber.

El crimen organizado, la prostitución, el hampa, el suspense y el romance se dan la mano en esta típica producción Warner. Las actrices ocupan el centro de gravedad de la acción de la película, impulsándola en cada una de las escenas, por tanto la progresión de la cinta gira en torno a ellas.

Son mujeres decididas, independientes, autónomas y luchadoras, prototipo de mujer que se impondría en el cine americano tras la II Guerra Mundial.

Se puede decir, pues, que se trata de una película de denuncia social, que trata de plasmar temas que ocupaban las primeras páginas de los periódicos estadounidenses durante los años de la Gran Depresión, como la prostitución, las bandas organizadas o el juego.

Mujer marcada es la primera película de Bette Davis para Warner tras el conflicto que habían tenido: la actriz exigió mejoras en su contrato, como más autonomía para poder elegir guiones y un aumento de sueldo, así como la capacidad de asistir a los programas radiofónicos que ella quisiera, pero Jack Warner no estaba por la labor de ceder, por lo que ella abrió una batalla legal que llegaría a su punto máximo cuando Jack suspendió a Bette Davis de toda sus funciones y la actriz se marchó a Inglaterra para rodar sin el consentimiento del estudio. Aquí no terminó la cosa y Warner Bro. contrató a un gabinete legal en Reino Unido que no le permitió rodar ni un solo plano.

La verdad es que siendo objetivos, por muy mal que tratara Jack Warner a Bette Davis (ella nunca estuvo tan bien mirada en su estudio como Katharine Hepburn en RKO o Greta Garbo en MGM, a pesar de ser la mayor estrella del mismo), legalmente la acción de la actriz no tiene fundamento alguno, pues ella tenía un contrarto en exclusiva en Warner Bro.

Curiosidades:

- Por esta interpretación Bette Davis ganó la Copa Volpi a la mejor actriz en el Festival de Cine de Venecia. Lloyd Bacon fue nominado a la Copa Mussolini (como se conocía entonces al premio otorgado al mejor director).
- Michael Curtiz dirigió la película mientras Bacon estaba en su luna de miel.
- A pesar de que al inicio del film se dice que los hechos narrados y los personajes son ficticios, lo cierto es que el personaje de Bogart está inspirado en Thomas E. Dewey, fiscal del distrito de Manhattan y que llevó a prisión a Lucky Luciano (Vanning) gracias a los testimonios y a la ayuda de varias prostitutas.
Dewey se convirtió en toda una personalidad en Estados Unidos, llegando a optar a la presidencia del Partido Republicano hasta en dos ocasiones.
- Humphrey Bogart y Mayo Methot se conocieron en esta película y poco tiempo después se casaron.
- En la película se opta por el concepto "azafata de discoteca" y no por el de prostituta, por razones obvias de censura.
- Bette Davis no estaba muy segura del realismo de la escena del hospital dada la escasez de vendajes que le habían puesto, bien, pues llevó el guión a su médico para que le pusiera los vendajes necesarios para unas heridas de tal magnitud. Cuando llegó al estudio, todos pensaron que había tenido un accidente.
- En 1947, Warner Brothers reestrenó la película.

Hasta la próxima entrada corazones.

Universum Film AG. La UFA

2011-06-04T15:45:00.001+02:00

Este conglomerado de industrias cinematográficas alemanas fue uno de los más poderosos de su tiempo, llegando en ocasiones a hacer sombra a las producciones norteamericanas de la época debido a la alta calidad de sus directores, guionistas e intérpretes (de echo, puede decirse que funcionó como escaparate idóneo para promocionarse en Hollywood), así como por la calidad de su técnica y estilo.

El período de máximo apogeo sería el de la República de Weimar, a lo largo de la década de los años 20, cayendo en los años 30 en las garras del fascismo alemán, que lo convirtió en un instrumento de propaganda Nazi.

Cartel de la película El gabinete del doctor Caligari, 1920. Esta es, quizá, la película más emblemática del estudio.

Creada el 18 de diciembre de 1917 en Berlín como un consorcio entre varias empresas (como las grandes Nordisk y Decla.), pero liderado por el entonces presidente del Deutschen Bank, Emil Georg von Strauss, como una respuesta ante la llegada de material de propaganda extranjero. Así fue como el Ministerio de Guerra y el gabinete del Gobierno Imperial (y la entidad arriba mencionada) pusieron un gran capital encima de la mesa para crear su correspondiente máquina propagandística y de servicio público en el ocaso ya de la I Guerra Mundial.

Una vez finalizada la Gran Guerra se dedicó de lleno a la producción de películas, y en 1921 fue privatizada. A partir de ese momento, comenzó la que sería la época de mayor esplendor en el cine europeo, con cerca de 500 películas al año y cerca del millón y medio de espectadores diarios. Desde ese instante su reputación creció como la espuma llegando a hacer sombra a muchas producciones norteamericanas. Por otra parte, desde Hollywood no tendrían mas remedio que reconocer el mérito alemán al adaptar muchas de las películas filmadas en el país germano.

Sin embargo, los problemas acarreados en la economía tras la I Guerra Mundial comenzaron a hacerse aún más visibles en 1923, cuando la estabilización de la moneda hizo que las ventas externas se estancaran y los márgenes de beneficio se redujeran drásticamente. Hollywood supo aprovecharse muy bien este momento de flaqueza de su más directo competidor (en algunos países europeos, como Austria, Francia o Suecia los films alemanes recaudaban más en taquilla que los norteamericanos) estableciendo una serie de acuerdos comerciales y financieros, especialmente Paramount y Metro Goldwyn Mayer en 1925. A ello ayudó el que películas como Los Nibelungos (La muerte de Sigfrido y La venganza de Krimilda) y Metrópolis (ambas de Fritz Lang), resultaron muy costosas, lo que hizo hundir aún más en el pozo al estudio (Metrópolis costó 5 millones de marcos que no se recuperaron en taquilla).

(Fotogramas de la película Los Nibelungos, Die Nibelungen, 1924; abajo cartel de la grandiosa Metrópolis, 1926. Ambas del maestro Fritz Lang).

Es en estos momentos cuando el magnate Alfred Hugenberg (propietario del Grupo Scherl, un gigante de los medios de comunicación) tomó las riendas y compró la compañía al borde de la bancarrota en marzo de 1927. Éste se puso a sí mismo en el puesto que antes ostentaba el presidente del Deustch Bank y como director general de la compañía nombró a Ludwig Klitzsch, Con esto nos metemos en el año 1928 y al nuevo jefe de producción Erich Pommer se le instó para que llevase a cabo la transición del cine mudo al sonoro.

Cartel de la película El Ángel azul, de Josef von Sternberg y protagonizada por Marlene Dietrich. Ésta fue la última película de prestigio y de éxito internacional del estudio. Es sin duda alguna, el estandarte del sonoro europeo.
Abajo, el fotograma más famoso del film.

De todo el material que se produjo a lo largo de la década, sólo se conserva un 10%.

Algunas de las películas más destacadas de esta época son (además de las de arriba mencionadas):

El Dr. Mabuse, de Fritz Lang, 1922.

El último, de F. W. Murnau, 1924.

Tartufo o el hipócrita, de F. W. Murnau, 1925.

Fausto, de F. W. Murnau, 1926.

Un estilo cinematográfico cultivado en esta época por el estudio fue el llamado Bergfilm , dedicado al esquí, alpinismo, escalada, descenso, y al deporte de montaña en general.

¿Cómo es posible que se desprestigiara un estudio que siguió produciendo buenas películas aún cuando estuvo a punto de caer en la bancarrota y que fue capaz de hacer sombra a la apisonadora de Hollywood? la respuesta es simple: porque se convirtió en un vulgar instrumento de los Nazis. Y es que el nuevo jefazo de la UFA, Alfred Hugenberg era simpatizante de la ideología que llevaría al poder a Hitler, de tal forma que en 1933 fue nombrado Ministro de Economía. Y Joseph Goebbels, Ministro de Propaganda, convirtió al prestigioso estudio la voz del führer. A pesar de ello, en este período la UFA obtuvo unos beneficios enormes, ya que sus películas y proyecciones adquirían la totalidad del mercado de todas las zonas ocupadas, llegando a adquirir las instalaciones de productoras cinematográficas francesas.

En 1937 los Nazis tenían el 72% de la UFA, y en 1942 la compañía fue nacionalizada en su totalidad por el Tercer Reich, de tal forma que el estado engulló todas las productoras distribuidoras de cine no sólo de Alemania, sino de todos los territorios ocupados.

Münchhausen, dirigida por Josef von Báky, es un ejemplo de películas rodadas en la UFA durante el nazismo.

Una vez hubo finalizada la II Guerra Mundial la UFA cesó su actividad, pues se vinculaba el nombre del estudio al régimen anterior; tanto es así que, cuando se reeditaban algunos de sus productos se borraba el nombre del estudio de los títulos de crédito.
Por otra parte, el emplazamiento de la UFA se encontraban en la parte soviética del país, por lo que se incorporaron a la parte comunista de Alemania cambiando su nombre por DEFA (Deutsche Film AG) consiguiendo reclutar a muchos de sus antiguos técnicos, actores y directores exiliados durante la época del Terror, continuando así con la antigua tradición, pero nada fue lo mismo.

Con la unificación de las dos Alemanias, DEFA fue disuelta.

¿Qué ocurrió con la UFA tras la caída del social-nacionalismo alemán? En la actualidad se conoce como UFA Film&TV produktion y pertenece desde 1964 a Bertelssman Gruppe, y la empresa encargada de las salas de cine, UFA Konzerns fue vendida a una empresa australiana en 1976.

Para finalizar os dejo unas fotos de las grandes estrellas de la UFA. Hasta la próxima entrada corazones.

Josef von Sternberg, al que únicamente puedo definir como un genio.

Emil Jannings, la estrella más rutilante del estudio. Tuvo el honor de convertirse en el primer actor ganador de un Oscar (gracias a una película de Josef von Sternberg, The last command). Su afinidad con el régimen nazi (aunque algunos creen que solo era por seguir rodadndo en Alemania, pues el cine sonoro y su fuerte acento al hablar inglés le perjudicaron) le permitió seguir trabajando en la UFA, y tras la derrota del régimen y ante la imposibilidad de encontrar trabajo en el cine, se retiró a Austria hasta el día de su muerte.

Ernst Lubitsch. Pues eso, el Mr. Pronto se marcharía a Estados Unidos, pero su legado en Alemania es innegable.

Fritz Lang, sin duda alguna, uno de los grandes y que hubo de exiliarse por sus orígenes judíos.

F. W. Murnau, director de la prestigiosa Amanecer.

Marlene Dietrich. En su época UFA no destacó como lo haría después en Hollywood, sin embargo protagonizó el último éxito internacional del estudio alemán y todo un emblema del "nuevo" cine sonoro, El Ángel azul.

Una arrebatadora y sexy Pola Negri.

P.D: en la actualidad, los derechos de las películas de la UFA los tienen los herederos del gran director Friedrich Wilhelm Murnau.

Vencedores o vencidos (Judgment at Nuremberg, 1961) y 1ª parte de mis MEME

2011-05-22T11:03:00.001+02:00

Han pasado tres años desde que acabó la II Guerra Mundial, y comienza en la alemana ciudad de Nuremberg el juicio contra cuatro magistrados nazis a los que se les imputan los delitos de limpieza étnica y esterilizaciones masivas.

Los personajes principales de esta coral película son:

- Dan Haywood (Spencer Tracy);

- Dr. Ernst Janning (Burt Lancaster);

- Coronel Tad Lawson (Richard Widmark);

- Mrs. Bertholt (Marlene Dietrich);

- Irene Hoffman (Judy Garland);

- Rudolph Petersen (Montgomery Clift);
- Hans Rolfe (Maximiliam Schell).

La película, concebida inicialmente para televisión, se basa en dos puntos fundamentales:

1º La responsabilidad del pueblo alemán en el Holocausto (que se manifiesta cuando todos dicen "nosotros no sabíamos nada" o "¿cómo podíamos saber nosotros lo que hacían?");
2º En la película se recoge el verídico caso Katzenberger (en el film Feldenstein), y en el cual un hombre judío fue condenado a muerte en 1942 por mantener relaciones íntimas con una mujer aria.

Vencedores o vencidos fue una de las grandes protagonistas de la gala de los Oscars de su edición. Acaparaba 11 nominaciones, incluidas mejor película y mejor director, así como la práctica totalidad de su reparto, y resultando ganadora en dos categorías: mejor guión adaptado (Abby Mann) y mejor actor (Maximilian Schell, que como curiosidad cabe decir que fue el que menos cobró).

Respecto a las nominaciones pongo dos pegas: que ni Marlene Dietrich ni Burt Lancaster estuviesen nominados me parece una total falta de sentido artístico; en cuanto a los premios, otras dos: que ni Judy Garland ni Montgomery Clift se alzasen con las estatuillas por sus interpretaciones de reparto.

Una frase: cuando Dan Haywood (Spencer Tracy) pregunta a Mrs. Bertholt (Marlene Dietrich) cuál es la labor del comité en el que está y ella le contesta "Demostrarle al resto del mundo que no todos los alemanes somos unos monstruos"

Curiosidades:

- La película se estrenó el 14 de diciembre del 61 en el Salón del Congreso de Berlín;
- Es la décima mejor película de juicios según el American Film Institute;
- En esta película Marlene Dietrich traduce la canción Lili Marleen (cantada por ella misma) a Spencer Tracy mientras dan un paseo por la ciudad en una de las escenas más conmovedoras y bellas del cine.

Ahora sí. Tras un mes y mucho, mucho pensar, aquí está mi lista:

Mejor comienzo.

Cuando la vi por primera vez, que fue en el colegio, me encantó, pero ahora de mayor se me encoge el corazón. Lo que la voz en off dice, la música, los dibujos en forma de vidrieras que me parece súper original... y sobre todo la frase final ¿quién iba a ser capaz de amar a una bestia?

La Bella y la Bestia, 1991.

http://www.youtube.com/watch?v=-7RQU8LtcA8&feature=related

Mejor final.

Este ha sido uno de los más difíciles. Tenía pensado uno, pero fue posteado por Bruja Truca en su MEME, y para no repetirme he decidido modificar mi lista. El final es para mi lo más importante de una película y muchos, muchísimos que me gustan, pero elijo este: una Olivia de Havilland sabedora de su triunfo deja plantado a Montgomery Clift, gritando desesperado su nombre.

La heredera, 1949.

http://www.youtube.com/watch?v=RvWL4AvGr2c

(No he conseguido el vídeo ni doblado ni subtitulado. Lo realmente importante para este MEME son los dos últimos minutos).

Escena más graciosa.

Cuando instan a Ginger Rogers a que diga algo en sueco y ella dice (en clara alusión a Greta Garbo) "Quiero estar sola". (Lo siento pero no encontré el vídeo).

El mayor y la menor, 1942.

Escena más triste.

Ambos se aman, pero saben que nunca podrán estar juntos: él, un príncipe, ella una mesonera. Durante un tiempo, se ven, charlan, se besan. Pero las obligaciones de Estado hacen que él se tenga que marchar, prometiéndole antes que volverán a verse. Pasa el tiempo y cuando por fin lo consiguen verse es para decirse adiós definitivamente.

El príncipe estudiante, 1927.

Escena más alegre.

Ver a estos cuatro recorriendo el camino de baldosas amarillas, cantando y bailando, me da un buen rollo tremendo.

El Mago de Oz, 1939.

Escena más agridulce.

Rebeca (Victoria Abril): (...) Cuando te echaba de menos iba a verle a él, porque me recordaba a ti...
Becky del Páramo (Marisa Paredes): Hija mía perdóname por esta ausencia tan larga. no tengo ningún pretexto y no me quiero quitar la culpa (...). Tú, ¿me quieres todavía?
Rebeca (Victoria Abril): Yo te quiero mucho mamá...
Becky del Páramo (Marisa Paredes): Tenía miedo de que me odiaras...
Rebeca (Victoria Abril): A veces también te odié, pero incluso en esos momentos, no dejaba de quererte.

Tacones lejanos, 1991.

Mejor escena musical.

Porque ella lo vale. Y porque verla enfundada en un traje de flamenca me volvió loco.

http://www.youtube.com/watch?v=KbV1WBrYQIA

El demonio es una mujer, 1935.

Mejor escena musical con baile.

¿Gene Kelly y Rita Hayworth? OMG!!!

http://www.youtube.com/watch?v=yyxEHgb6KvQ&feature=related

Las modelos, 1944.

Mejor discurso.

La sentencia de Spencer Tracy en el juicio de la peli que os reseño arriba.

http://www.youtube.com/watch?v=hKqsT4xZDmE

(Me refiero a lo que dice Spencer Tracy en relación a la película y el argumento de la misma, nada de interpretaciones partidistas a conveniencia de la ideología que cada cual libremente tenga, lo digo por los comentarios del youtube en relación al vídeo).

Vencedores o vencidos, 1961.

Clímax.

El beso más apasionado y famoso del cine.

De aquí a la eternidad, 1953.

Romántica.

"Cierto como el Sol, que nos da calor. No hay mayor verdad, la belleza está, en el interior."

http://www.youtube.com/watch?v=c3eBXf2vwXo&feature=grec_index

La Bella y la Bestia, 1991.

Dejo la 2º entrega para la próxima entrada, pues en mi nuevo ecosistema no dispongo de internet y ahora lo tengo de prestado!!!

Hasta la próxima entrada corazones.

MEME tocó (escenas para recordar)

2011-05-10T00:11:00.006+02:00

Nos llega través de Abril en París del blog El Apartamento en París y de Bargalloneta del blog Parlem una mica de cinema? sendas nominaciones para hacer un meme de nuestras escenas favoritas del cine por temáticas. Así que aquí va la mía. (Bruja Truca).

Al ser dos los autores de este blog y al ser cuatro los nominados cuando se hace el meme yo nominaré (no es obligatorio) a dos blogueros y mi compañero cuando publique el suyo que nomine, si quiere, a otros dos. Mis nominados son:

David y Cristina del blog Ciclos de Cine.
deWitt del blog Yo Confieso.

Ahí va el mío

-Escena más divertida:

La escena de la carta que Groucho dicta para mandar a su abogado en El conflicto de los Marx. He pensado mucho la escena más divertida. Quizás ha sido la mas difícil. Tenía a Chaplin, Billy Wilder, Woody Allen, los Monty Phyton, e incluso cualquier escena donde Marilyn Monroe parece que no sabe donde tiene la cabeza, como la famosa escena del avión en "Como casarse con un millonario" en la que está cegata perdida y no se pone las gafas para leer y le advierten de que "está leyéndolo bocabajo". Y ella responde "no, estoy bien sentada" con su cara más inocente. Me parto con tonterías como esa.
Los personajes femeninos y castizos de Almodóvar también me hacen carcajear.

Pero si tengo que ser sincera creo que quienes más me hacen reir son los Hermanos Marx. Ese humor delirante, subrealista y absurdo me hace reir a carcajadas. Hay muchas escenas para escoger pero escojo esta porque representa muy bien lo que quiero decir.
"Mi caballo se me escurrió entre las piernas". Irrepetible Groucho...

- Escena más triste:

Con otras categorías puedo tener mis dudas pero para mi no hay otra escena más triste en el cine que ésta de la pelicula El Chico. Simplemente me parte el alma...

Escena más alegre:

Confieso que no sabía que poner, así que, como esto me saca una sonrisa siempre. La vi tantas veces de pequeñaja (fue el primer VHS de dibujos que me regalaron) que aún me sé de memoria la canción entera con los comentarios del genio incluídos ("Radio Pinnncho Moruno") xD

-Escena más agridulce:

El final de "La Dama de las Camelias" o "Camille". La doncella entra a decirle a una moribunda Camille que su amado a venido a verla. Cuando al fin consiguen verse y romper con las prohibiciones que los mantenían alejados, ella muere.

¿Alguna actriz ha muerto más veces al final de la pelicula que Greta Garbo? fusilada en Mata Hari, suicidio en Ana Karenina, muerta por enfermedad en Camille.

-Escena más perturbadora:

La escena de la cena en La Matanza de Texas. Se me ponen los pelos de punta. Esos aullidos...

-Escena con más suspense:

El final de Sola en la Oscuridad es uno de los finales con más suspense que he visto en una pelicula. Creo que tiene todos los elementos para crear suspense: el villano, la víctima (que encima es ciega), la oscuridad, gasolina, fuego, gritos...

Otra escena que también era seria candidata para aparecer aquí es de la pelicula El Silencio de los Corderos, cuando Clarisse se ve atrapada en la oscuridad con el villano de la pelicula. Casi los mismos elementos, villano, víctima, oscuridad. La víctima no era ciega pero como si lo fuera porque no veía nada.

Me decanté por Sola en la Oscuridad porque, además, es mi papel favorito de Audrey Hepburn.

-Escena más terrorífica:
The Road, la escena en la que el protagonista y su hijo llegan a una casa y descrubren que, los que allí habitan, tienen encerradas a personas en el sótano para comérselas.

-Escena más romántica:

A veces unas palabras valen más que una escena romántica al uso, con besos o caricias. Y A veces, la realidad supera a la ficción. Las miradas que se dedican Spencer Tracy y Kate Hepburn en esta escena de Adivina quien viene esta noche transmiten mucho más que cualquier palabra o gesto que pueda decirse o hacerse.

Y no sólo por esto, sino por esas palabras finales, las más geniales que se han hecho sobre la defensa de un amor "castigado" por la sociedad.

-Mejor diálogo:

Margo Channing descubre que Eva es su sustituta en la obra. Cada palabra de ese diálogo es ingenio puro. Para ser más justa tendría que decir, cada palabra de esa película. Creo que Eva al Desnudo es la reina de esta categoría por derecho propio.

-Mejor pelea:

No hay muchas peleas en las peliculas que veo así que... Simba Vs Scar en la mejor película de Disney, El Rey León. xD

-Mejor escena musical:

El comienzo de Cabaret. Nunca me cansaré de ver a este maestro de ceremonias...

Os dejo enlace porque el link de inserción está desactivado.

http://youtu.be/Ifcfki-7yh0

-Mejor escena musical con baile:

No soy de musicales. El único que me gusta es Cabaret, asi que, Money Money...

http://www.youtube.com/watch?v=rkRIbUT6u7Q

- Mejor discurso:

El final de El Gran Dictador. No hay palabras.

-Mejor inicio:

El inicio de Luces de la Ciudad. Arte.

-Mejor final:

El final de Luces de la Ciudad. Sublime. Oro puro.

-Escena que jamás tendría que haber sido rodada:

No voy a decir ninguna escena en particular. Lo que considero que jamás habría tenido que suceder es el doblaje español de "El Resplandor".

-La mejor escena:

El baile de los panecillos de La Quimera del Oro. La magia de un genio. Tan fácil y tan difícil.

Un saludo a todos.

Boys, boys, boys... we love them!!!

2011-05-03T12:54:00.001+02:00

Con esta frase de una canción de Lady GaGa me dispongo a exponer los que, para mí, son los cañones masculinos del cine clásico. Evidentemente la belleza es totalmente subjetiva, pero estoy seguro que será del gusto de tod@s. Me resultaba muy, pero que muy difícil (es decir, imposible) escoger a unos pocos, ya que cada uno tiene algo, puede que no sea solo lo físico (como en el caso de Marlon Brando, OMG!!!) como, por ejemplo, la elegancia de Rock Hudson o Cary Grant; la fragilidad de Monty Clift (bueno, y también sus pectorales de hierro) o la testosterona galopante de William Holdem, Gary Cooper o Burt Lancaster.

Así pues me dispongo a detallar aún más la lista, que espero sea para el deleite de ustedes mis querid@os lector@s:

LOS GUAPOS, GUAPOS, GUAPOS.

I want your love and I want your revenge, you and me could write a bad romance...
Je veux ton amour et je veux ton revenge...

1º MARLON BRANDO.

Afortunado gato...

Como he dicho en una de mis entradas anteriores, considero que Brando es EL HOMBRE. Guapo a rabiar, hasta decir basta, hizo subir las ventas de camisetas en Estados Unidos cuando apareció sudoroso en las pantallas de los cines en la película Un tranvía llamado deseo, revolucionando las hormonas de todo bicho viviente cuando al final de la película la camiseta es desgarrada, dejando al aire esa maravillosa y escultural espalda. ¿Y qué puedo decir de Marlon Brando vestido de romano en Julio César? ¿O descamisado en Viva zapata?

OMG!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Desde aquí hago un llamamiento...

(me reitero, OMG!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!)

... si descubren una galaxia, una luna o un planeta nuevos...

... les ruego, por favor...

... que le pongan por nombre MARLON BRANDO.

En fin, que podría tirarme horas, días, e incluso siglos con EL HOMBRE, se nota que es mi favorito, ¿no?

2º PAUL NEWMAN.

Definitivamente, el azul era su color.

De belleza insultante, hipnótica y antinatural; no sabemos si fue el destino, Dios o la madre que lo parió, quien le dió esos dos luceros que tenía por ojos. Un hombre que en su madurez, continuó siendo uno de los hombres más atractivos del universo conocido y por conocer.

LA DULZURA Y LA SENSIBILIDAD

1º MONTGOMERY CLIFT.

Elizabeth Taylor dijo de él que era "El hombre al que a toda mujer le encantaría cuidar", no puedo estar más de acuerdo.
En mi entrada dedicada al glamour y a los arquetipos de belleza made in Hollywood lo situé en la categoría "vecino de al lado" y es que esa belleza serena y natural le hacen simplemente guapo e irresistible.

2º GENE KELLY.

Cuando pensamos en actores guapos, nunca se nos viene este actor a la cabeza, y no sé por qué: realmente es guapo y muy atractivo. El baile le dotó de una maquinaria muscular que simplemente puedo describir con un ¡Ay omá que rico!.

LA ELEGANCIA TIENE NOMBRE DE HOMBRE.

Fotograma de la película Sangre y arena, protagonizada por el prototipo de belleza latina, Rodolfo Valentino.

1º CARY GRANT.

¿Podéis nombrarme a alguien con más clase y más sofisticado? Glamour es la palabra que mejor define a este hombre. Con un cuerpo de escándalo, este varonil británico ha sabido permanecer por encimas de modas y tendencias como el modelo de lo que debe ser un hombre elegante.

Fijaos bien en las gafas, son lo más in para esta temporada.

2º ROCK HUDSON.

Sexy...

El rival en la pantalla, en físico y elegancia de Cary Grant.
En las fotos que he puesto, descamisao, no muestra esa elegancia, creo que innata, de la que hacía gala en sus películas, pero su forma de mirar a cámara, de posar y de andar le convierten en uno de los hombres más elegantes que han pasado por la gran pantalla.

3º RODOLFO VALENTINO.

Su solo nombre evoca exotismo, pasión... imagen de latin lover y sex symbol por excelencia (el primero del cine), este bello hombre de agitada vida personal, merece sin duda alguna estar en esta lista. Podría estar en otras categorías, como la Guapos, guapos, guapos pero creo que ese porte de galán clásico le hace merecedor estar aquí, porque ¿no habéis soñado alguna vez con bailar un tango junto a este hermoso y apuesto hombre?

Fotografía de la película Sangre y arena. ¿Habéis visto alguna vez un torero tan guapo?

Siempre he pensado que Rodolfo Valentino es el actor mejor mira y besa en el cine, tanto clásico como actual.

Fotograma de la película Beyond the rocks. En la imagen Gloria Swanson y Rodolfo Valentino, en el que está a punto de ser el beso con más glamour del cine.

Atado para que no se escape...

No hace falta ser un genio para saber donde se os han ido los ojos...

TESTOSTERONA POR DOQUIER.

Bello y perfecto perfil, casi grecorromano, de Mr. Cooper.

1º WILLIAM HOLDEN.

Nunca me extrañó que Audrey Hepburn perdiera la cabeza por él y acabara enamorándose perdidamente. Tampoco que Norma Desmond lo convirtiera en su gigoló en El crepúsculo de los dioses.

2º WARREN BEATTY.

"Ir a Hollywood y no tirarse a Warren Beatty, es como ir a Roma y no ver al Papa" (Sonia Braga, actriz brasileña). Shirley McClain bromea diciendo que debe ser de las pocas actrices que hay en la meca del cine que no han mantenido relaciones sexuales con este guapo actor de dentadura perfecta.
¿Sus amantes? Él calcula unas 13.000, "sin contar los polvos rápidos y las aventuras casuales" ¿será real, o es un poco fantasma?

3º BURT LANCASTER.

Seamos sinceros, de cara no es muy agraciado, pero ¿qué me decís de ese cuerpazo que Dios le dio?, porque ¿a quién no le gustaría un revolcón en la playa al más puro estilo De aquí a la eternidad? ¿y esa escena de la película El gatopardo en la que está dándose un baño y se ve ese cuerpazo serrano?

Oops...

4º GARY COOPER.

Al igual que Warren Beatty, las amantes de este viril actor son incontables. Entre ellas podemos destacar a Marlene Dietrich, Barbara Stanwyck, Gloria Swanson, Helen Hayes, Jean Harlow, Joan Crawford o Rita Hayworth.
También podemos meterlo con el resto de hombres elegantes, pero sus interpretaciones no dejan duda alguna de que es un auténtico hombretón.

También Gary Cooper es uno de los actores que mejor mirada tenían en el cine. Este es otro de mis favoritos y podría, perfectamente, haberlo situado en la categoría nde hombres Guapos, guapos, guapos, pero desbordaba masculinidad y hombría por los cuatro poros cardinales.

¿CÓMO ES POSIBLE QUE ESTÉ AQUÍ?

ORSON WELLES.

Pues sí, entiendo completamente a Rita Hayworth. Es feo. Lo sé. Pero tiene la cualidad de convertir mi cuerpo en un sonajero de hormonas.

THE END

Quiero dejar de fumar, pero viendo a Marlon Brando es imposible...

Espero que esta entrada, aparte de afrodisíaco visual, haya servido para que os hayáis divertido y reído mucho.

Hasta la próxima entrada corazones.

P.D: dejo mis MEMES para la próxima entrada. Lo prometo!!!!!!!

Ariane (Love In The Afternoon) 1957

2011-04-23T01:41:00.003+02:00

Ariane es una de esas peliculas que la mayoría de la gente ha catalogado como un "Wilder menor". Sin embargo, Wilder estaba muy orgulloso de ésta pelicula y, sobre todo, del grupo de músicos zíngaros que él mismo encontró en una taberna y contrató para la misma.

La historia se sitúa en París y la pelicula comienza con una voz en off, recurso que a Wilder le gustaba mucho pues explicaba que una voz en off era el recurso perfecto para ahorrar tiempo en explicaciones. Evidentemente no es lo mismo explicar una historia teniendo que utilizar varias escenas que el que una voz en off te haga un resumen en un par de minutos (recurso que fue especialmente útil en el comienzo de El Crepúsculo de los Dioses). Esta voz en off pertenece al detective parisino Claude Chavasse (Maurice Chevalier) y nos explica, mientras vemos como las parejas parisinas se besan en cualquier sitio, como se gana la vida investigando los asuntos de adulterio de las esposas parisinas. Prácticamente la totalidad de estos adulterios los comenten con el playboy trasnochado Frank Flannagan (Gary Cooper). Tanto es así que hay una escena en la que Flannagan llama a la puerta de Chavasse y cuando éste se sorprende de ver a Flannagan, Flannagan le pregunta "¿me conoce?" y Chavasse contesta "¿conocen a Shakespeare los estudiantes de literatura"?.

Chavasse vive con su hija, Ariane (Audrey Hepburn) una inocente estudiante de cello a la que le gusta urgar en los archivos de su padre.
Cuando ve la foto de Flannagan se siente fascinada por el maduro galán.

Al prematuro envejecimiento de Gary Cooper, que aparentaba más años de los que realmente tenía (55) no ayuda el hecho de que Audrey Hepburn aparentase mucho menos de los que tenía (27 realmente, 19 en la película). Este aspecto de la pelicula sigue siendo objeto de asombro y muchos achacan a este hecho el que la película, en su opinión, no les sea creíble. En mi opinión, todo depende del contexto.

En la pelicula Una Cara con Ángel se me hace imposible creer que haya un romance entre una también jovencísima Audrey Hepburn (la película es del mismo año) y un Fred Astaire de 57. Pero aquí la relación era totalmente diferente. Mientras que en Una Cara con Ángel no se atisba el más mínimo atismo de deseo sexual o erotismo (tal cual como en una pelicula de la factoría Disney), en Ariane, hay una cierta tensión sexual.

En su momento, la crítica se cebó con que un Cooper de 55 años intentara seducir a una Audrey Hepburn de 27. Pero yo creo que si no es por eso, no hay historia, porque la historia trata de una joven inexperimentada que se enamora de un hombre maduro y de vuelta de todo. Si cambiamos la edad de los personajes no hay historia, y tampoco creo que sea algo tan imposible ni extraordinario.

El papel de Frank Flannagan fue ofrecido primero a Cary Grant, que lo rechazó, al igual que rechazaría tres veces hacer una película con Billy Wilder, y no porque no quisiera trabajar con Wilder, ya que de hecho, eran amigos, sino porque le daba miedo que un personaje que se saliese un poco de lo que solía hacer arruinara su carrera.

Wilder definió a Cary Grant como "oro puro" y arremetía contra la Academia (en la que no creía en absoluto) por no haberle premiado jamás una interpretación. Explicaba, cosa en la que estoy totalmente de acuerdo, que la Academia sólo premia a los actores cuando interpretan personajes desquiciados, atormentados o disfrazados (apéndices postizos) pero que cuando un tipo hace que parezca fácil, como Cary Grant, no se le premia. Ponía el ejemplo de Jack Lemmon, premiado por Días de Vino y Rosas pero no por El Apartamento.

El segundo ofrecimiento del papel de Flannagan fue para Gary Cooper. Billy Wilder le ofreció el papel de seductor porque le conocía personalmente y afirmaba que jamás había conocido a nadie que sedujera a las mujeres con tanta facilidad. Pero lo cierto es que Cooper ya sólo era la sombra de lo que fue y para que en la pantalla no apareciese tan avenjentado, Wilder utilizó la sombra en casi todos sus planos.

Su interpretación parece cansada y forzada. Incluso se nota en ésta foto con Wilder, Hepburn y Chevalier.

Maurice Chevalier está fantástico. Es el aspecto alegre de la película, el que siempre saca la sonrisa al espectador de la manera más natural, sin exageraciones ni sobreactuaciones. Es en él donde se ve más claramente el humor mordaz de Wilder. De lo mejor de la pelicula.

Foto del set de rodaje:

Audrey Hepburn era una de las actrices favoritas de Wilder, para la que el director tuvo entre otras, las siguientes palabras:

"Audrey Hepburn era una cosa caída del cielo." o a la pregunta de si era buena bailarina respondió "Era buena en todo y todo le resultaba fácil".

Cuando Cameron Crow le preguntó para su libro Conversaciones con Billy Wilder sobre el baile de Sabrina dijo:

"Se me olvidó que le estaba enseñando a hacerlo porque ella lo hacía muy bien por su cuenta. Me guiaba ella a mí, en vez de guiarla yo a ella. Y pensé que estaba en el baile, que estaba en un restaurante bailando con ella... Me despisté por completo, y de pronto pensé: "¡Dios mío, la cámara! ¿Dónde está la cámara?"

Cuando Cameron le preguntó por la muerte de Audrey, aparecieron lágrimas en los ojos de Billy Wilder.

Y... éstas cosas, hacen que mi amor platónico por Audrey crezca y crezca...ays...

Exquisita como siempre, gran actriz, siempre lo diré, Audrey interpreta a la chica que, aunque tímida, le da mil vueltas al playboy de Flannagan. Le engaña de tal manera que le hace enloquecer. Aunque está claro que si juegas con fuego tienes la posibilidad de quemarte.

La escena en la que Flannagan se emborracha escuchando una y otra vez la lista de amantes que ella le ha dejado grabada mientras los zíngaros tocan una y otra vez, es fantástica. Al final, los zíngaros también terminan borrachos y tirados por el suelo.

Para los que no habeis visto la película, Cooper, borracho les lanza champán y bebidas alcohílicas en una mesilla con ruedas al grupo de zíngaros. Wilder dijo que hizo la escena atando las copas a la mesa y que tenía a seis personas con pajitas bebiéndose el champán. Sería curioso de ver.

El grupo de músicos zíngaros no eran actores, eran músicos que Wilder encontró en un bar.

La música está muy presente en ésta película. Desde la música que toca el cuarteto de zíngaros que está compuesta por Franz Waxman empezando por "La ardiente Paprika" o la pegadiza "Fascination" hasta música de Wagner o Liszt.

Billy Wilder tenía en su despacho una placa en la que aparecía la inscripción "¿Cómo lo haría Lubitsch?" Para Wilder, el toque Lubitsch consistía en que el espectador captara el chiste sin tener que explicarlo. Wilder lo explicaba diciendo que antes de Lubitsch los directores de comedia para explicar el chiste decían 2+2=4 y que Lubitsch sólo decía 2+2. Y de ese toque Lubitsch está plagado Ariane. Me encanta la escena en la que Ariane le dice a su padre que Flannagan se parece a Abraham Lincoln y éste mientras guarda los archivos en una caja fuerte le pregunta si sabe como acabó Lincoln y cierra la puerta de la caja fuerte con un portazo que suena como un disparo y la cara de susto/sorpresa/extrañeza de Audrey.

Me recordó a la escena de Ninotchka (dirigida por Lubitsch pero con guión de Brackett, Wilder y Reisch) en la que Greta Garbo tiene los ojos vendados y cuando Melvyn Douglas descorcha la botella de champán ella cae al suelo como muerta. Escena que se me ha quedado grabada.

Este guión fue la primera colaboración de Wilder con I.A.L Diamond, uno de sus dos factotums, junto con Brackett.

Y aunque, a algunos os pueda parecer una comedia romántica más bien tonta, yo la recomiendo para pasar un rato agradable. En los 130 minutos que dura la pelicula no miré la hora en ningún momento, no se me hizo larga. Es una pelicula agradable con geniales toques de humor y un final grandioso. A mi parecer, aunque no es una de las mejores peliculas de Wilder, es uno de los mejores finales que ha hecho, eso sí, para verla en versión original.

Saludos.

Grand Hotel, 1932

2011-04-15T22:24:00.003+02:00

Tal día como hoy, un 15 de abril, pero hace 21 años, cerraba los ojos la más rutilante estrella de la Metro Goldwyn Mayer, la divina Greta Garbo. Moría el mito, pero nacía la leyenda. Para conmemorar tan magno acontecimiento, el gobierno sueco ha decidido emitir una serie de billetes que llevarán la imagen de esta bella actriz (y que comenzarán a fabricarse entre 2014 y 2015).

Desde 24 veces por segundo, le rendimos homenaje a la que siempre será la mujer más divina del mundo conocido y por conocer.

Desde sus inicios, la Metro Goldwyn Mayer se autodeclaró como el estudio cinematográfico más importante del mundo. Y Louis B. Mayer, su Dios terrenal.
Y es el estudio del rugido del león quien establece su más alto nivel de star system: fue la productora con el más reducido plantel de actrices y actores con contrato fijo, a gran distancia del resto, y presumía de ello. No sólo de ello, sino de que eran pocos, pero los más exitosos.

Hasta la II Guerra Mundial cualquier evocación del lujo, la elegancia y el glamour se ubicaban en Europa (al menos en Estados Unidos), y una de las novelas llamadas "cosmopolitas" que unían todo eso era la escrita por la vienesa Vicki Baum, y a partir de la cual hicieron la película del presente post.

Primero fue llevada al teatro, y naturalmente, la MGM quiso convertirla en película y compró los derechos para llevar a cabo su adaptación cinematográfica. El encargado de tal misión fue William Drake, apoyado para hacer los diálogos por Frances Marion.
Aunque en realidad, el verdadero artífice de tal compra no fue otro que el mismísimo Irving Thalberg.

Un Irving Thalberg culto y refinado, que se había convertido en la cabeza pensante de Louis B. Mayer, y que le dio a la productora del león esa ensoñación que hizo soñar a los espectadores de medio mundo.
Su propuesta era convertir Grand Hotel en la gran apuesta para el año 1932, y dejó a todos atónitos: por primera vez se lanzaría al mercado una película que estaría protagonizada por estrellas de altísimo nivel, estamos hablando del primer all star film: Greta Garbo, Joan Crawford, los hermanos Barrymore (Lionel y John) y Wallece Beery.

Joan Crawford junto a Wallece Berry.

Dos bellos retratos de una joven y bella Joan Crawford, derrochando glamour a raudales, muy lejos de convertirse en esa mujer de cejas enormes que veremos en décadas posteriores.

La acción se sitará en Berlín y estos son sus personajes:

- La Grusinskaya, diva rusa del ballet clásico, interpretada por Greta Garbo;
- Flaemmchen, una taquígrafa por horas, interpretada por Joan Crawford. Muchos dicen que esta es una película crucial en su carrera cinematográfica y que es ella quien realmente brilla dentro de todo este elenco;
- El barón Von Gaigern (John Barrymore), un arruinado aristócrata convertido en ladrón de guante blanco;
- Preysing, un vulgar hombre de negocios (Wallece Beery);
- Kringelein, un pobre contable, ya mayor, que decide pasar sus últimos días en una hotel de lujo.

El encargado de dirigir a toda esta élite sería Edmund Goulding.

John y Lionel Barrymore.

Curiosidades:

- Es la única película que ha logrado el Oscar a la mejor película sin haber estado nominado en ninguna otra categoría;
- Aquí Greta Garbo pronuncia su famosa frase (y de la que haría su estilo de vida) "I want to be alone" (quiero estar sola);
- Crawford y Garbo no comparten ni un solo plano juntas. Se dice que el horario de la sueca era de 9 de la mañana a 5 de la tarde, el de la americana, de 5 de la tarde a dos de la madrugada. Cosa que parece poco probable, pues ¿cuándo descansaba entonces el director y el resto del equipo técnico?;
- Su argumento se compone de una serie de historias cruzadas entre sí, una fórmula que a partir de ese momento se ha vendido a llamar fórmula Grand Hotel.

Hall del Grand Hotel. Esta imagen muestra el espectacular decorado de la película. Fue el primer (y único) film de la primera etapa de Greta Garbo como intérprete en el cine sonoro en el que el estudio decidió revestirla de un gran elenco de actores y grandes decorados.

Hasta la próxima entrada corazones.