Gente Maja

miércoles, 31 de agosto de 2011

Pánico en la escena (Stage fright, 1950)




Esta es una de las películas menos conocidas del realizador británico. La verdad es que tampoco es de las mejores, siendo sinceros, y ni siquiera el propio Hitchcock acabó contento con el resultado final y con algunos de los intérpretes.

Alfred Hitchcock la definió algo así como una pequeña película policíaca dentro la tradición inglesa, tipo Agatha Christie. Sin embargo, el director tenía ganas de rodar una película que estuviera enmarcada dentro del mundo del teatro y cuya protagonista fuera una principiante o estudiante de escena y que su primer papel no fuera el de actriz principal en una obra sino, en su propia vida.





En la foto, el esperado cameo de Hitchcock en Stage fright.



"Se preguntará usted por qué decidí hacer esta historia. Hacía poco tiempo que había salido el libro y varios críticos literarios habían observado en sus comentarios: 'Esta novela serviría como base para un buen film de Hitchcock.'Y yo como un buen idiota, les tomé la palabra." Alfred Hitchcock.






Un joven (interpretado por Richard Todd) es buscado por la policía por asesinato, concretamente se la acusa de matar al marido de su amante. Para escapar, se refugia en la casa de su amiga Eve (Jane Wyman), quien está perdidamente enamorada de él. Sin embargo, a ella le confiesa que el auténtico asesino es la reputada actriz teatral Charlotte Inwood (Marlene Dietrich). Tras esto se refugian en la casa del padre de Eve (Alastair Sim).
La joven enamorada comenzará a investigar por su cuenta y para ello se meterá en el servicio de la madura actriz, pero no cuenta con la aparición del inspector Smith (Michael Wilding), encargado de llevar el caso y que a su vez, se enamorará de la joven actriz...





En la imagen, Marlene Dietrich y Richard Tood.



Respecto al reparto, el propio Hitchcock confesó años más tarde que el personaje que menos le gustó fue el personaje interpretado por Alastair Sim, el excéntrico padre de Eve: "no me gustó ni el personaje ni el actor." Pero el director también dijo que ese era un problema de rodar en Inglaterra, los localismos, pues le dijeron "es uno de los nuestros, debes darle un papel en una película."

Tampoco le gustó trabajar con Jane Wyman, a quien le costó mucho dirigir. Según cuenta, sentía unos celos enormes hacia su compañera de reparto, Marlene Dietrich (curiosamente son las únicas no británicas de la cinta). "Jane Wyman me dio muchos problemas", confesó el director. Según cuenta, cada vez que la actriz iba a la sala de proyecciones se comparaba con Dietrich y salía llorando; "Marlene estaba realmente guapa" (palabras del director, aunque yo también lo pienso) y Jane Wyman se arreglaba cada día más para ser más guapa que la alemana, y eso es justo lo contrario que requería el personaje.





Dos fotos en las que vemos la belleza y la elegancia de una madura Marlene Dietrich.





Pero lo cierto es que los celos de Jane Wyman hacia Marlene Dietrich comenzaron cuando se anunció que el vestuario del film sería diseñado por la casa de modas francesa Christian Dior... sin embargo, solamente estaban interesados en vestir a la diva alemana, que por aquella época ya era considerada una de las mujeres más elegantes, glamourosas y estilosas del mundo. O también porque el director se mostraba más amable con la rubia que con la morena... creo que esta es la única película del director en la que quien sufrió sus manías fue la morena y no la rubia.

Puede Hitchcock usara esa enemistad para beneficio de la película, ya que los personajes (sobre todo la joven Eve) requerían esa distancia y esos recelos.





¿Cuál era la opinión de Alfred Hitchcock sobre su obra?

"(...) contamos una historia en la que los malos son los que tiene miedo. Es la gran debilidad del film, y que va contra la regla: cuanto más logrado sea el retrato del malo, más lograda será la película. He ahí la gran regla fundamental. En esta película, el retrato del malo no estaba conseguido."




Hitchcock dirigiendo a Marlene Dietrich.



Hasta la próxima entrada corazones.

domingo, 28 de agosto de 2011

La Chica del Signo de Hollywood o el malogrado final de Peg Entwistle.



Lo bueno de leer biografías es que, no sólo descubres cosas acerca del biografiado, sino que también puedes descubrir otras historias interesantes.

Leyendo la biografía de Bette Davis, "Amarga Victoria" descubrí la historia de Peg Entwistle.

La relación entre Bette Davis y Peg Entwistle no va más allá de que la primera fue a ver una obra, "El Pato Salvaje", en la que la segunda interpretaba al personaje de Hedvig. Bette aseguró que el papel de Hedvig sería suyo algún día y así fue.


Peg Entwistle, nació en Gales, pero parece que desde pequeña le acompañó la mala suerte. Su madre murió prematuramente cuando ella era pequeña, en Gales, y su padre murió atropellado en Nueva York tras emigrar a la gran ciudad con su hija, durante la Gran Depresión, buscando un futuro mejor.

Peg Entwistle fue la protagonista de varias producciones de Broadway. Y, como muchas otras actrices, dio el salto a la gran pantalla. Consiguió un pequeño papel en "The Mad Hopes" donde aparecía Humphrey Bogart.


Tras su debut cinematográfico firmó un contrato con la RKO para filmar la película "Thirteen Woman" de David O. Selznick, junto a Irene Dunne y Myrna Loy.


En los pases previos de la película, la productores empezaron a recortar la cinta, 14 minutos de metraje, en los que se eliminaba la mayor parte del trabajo de Peg. Esto motivó que la RKO rompiera su contrato con Entwistle.


Pasó el verano de audición en audición, sin ninguna oferta de trabajo. Fue a centenares de pruebas sin tener dinero para la vuelta en tren. Aceptó lo único que le ofrecieron, posar en top-less.

En septiembre, ni siquiera fue invitada a la premier de su segunda película. Pasó la noche emborrachándose antes de suicidarse desde la letra "H" del cartel de Hollywoodland, a los 24 años. El suicidio más simbólico y romántico que haya protagonizado una actriz de Hollywood, desde luego.

Dejó una nota de sucidio: "Tengo miedo, soy una cobarde. Lo siento por todo. Si hubiera hecho esto hace mucho tiempo, habría evitado mucho dolor".


El 18 de septiembre de 1932, una excursionasta que paseaba por las colinas de Hollywoodland descubrió el cuerpo desplomado de Peg.


Nunca pudo abrir la carta que llegó a su casa al día siguiente de su sucidio donde se le ofrecía el papel protagonista para una nueva película.


Y así fue como, desgraciadamente, Peg Entwistle se hizo un hueco entre las leyendas de Hollywood, con su muerte. En vida, Hollywood sólo le hizo el vacío y ella saltó en él.






viernes, 19 de agosto de 2011

Arsénico por compasión (Arsenic and Old Lace) 1944


Confieso que a veces nos adelantamos demasiado al decir que una comedia ha envejecido muy mal y que con los años ha perdido la gracia. Este fin de semana he podido comprobar de primera mano que al contrario del rumor popular (o lo que es lo mismo, de la mayoría de las críticas leídas) Arsénico por compasión sigue arrancando las carcajadas del respetable. He tenido la oportunidad de ver ésta película éste pasado fin de semana en un cine de verano casi con aforo completo y tengo que admitir que la mayoría de las veces somos unos "boca-chancla". No había escuchado tantas risas en un cine en mis 27 años de existencia.


Arsénico por compasión es una mezcla de comedia negra y aquellas famosas screwball comedies de los años 30 y 40, que más que intentos de hacer obras maestras fueron una especie de productos de entretenimiento de usar y tirar destinados a hacer un poco más llevaderas las vidas de los norteaméricanos durante la Gran Depresión. Algunas, como ésta, han sobrevivido por mérito propio.

Frank Capra, su director, fue un firme partidario de que Estados Unidos luchase durante la Segunda Guerra Mundial y elaboró ocho documentales de guerra con la intención de animar a las tropas y obtener la alianza de la URSS. Se alistó como voluntario y filmó Arsénico por compasión para mantener la economía familiar con los beneficios que obtuviera de ésta durante su ausencia.


Arsénico por compasión está basada en la obra teatral del mismo nombre Arsenic and Old Lace escrita por el novelista y dramaturgo Joseph Kesselring y adaptada al cine por los hermanos Epstein, los guionistas de Casablanca.

El argumento, cómo el de las películas que fueron máximo exponente en éste género (La Fiera de mi Niña o La Pícara Puritana) es una demencia absoluta. Cary Grant fue protagonista masculino de las tres, por cierto.


Mortimer Brewster (Cary Grant) y su novia Elaine (Priscilla Lane) acaban de contraer matrimonio civil. Sus tías Abby (Josephine Hull) y Martha (Jean Adair) famosas por su bondad y carácter afable, y que conviven con el sobrino Teddy (John Alexander), famoso en el vecindario por creerse el presidente Theodore Roosevelt, les esperan en su casa charlando con el padre de Elaine, pastor metodista (Grant Mitchell)


Una vez en casa de sus tías, Mortimer descubrirá que las bondadosas ancianas llevan a cabo un plan macabro e inocente a partes iguales. Se han propuesto quitar la vida a todo aquel caballero anciano que se sienta solo con una copita de vino aliñado con arsénico. Las dos hermanas cumplen con su árdua tarea con el espíritu más filantrópico que se pueda imaginar.

En el sótano hay 12 cadáveres que el bueno de Teddy se encarga de enterrar en "Panamá." Él cree que son víctimas de la fiebre amarilla y que el sótano es Panamá, evidentemente.

Cuando Mortimer descubre el pastel empieza la acción.


A partir de aquí, Mortimer empieza una verdadera odisea para tratar de porteger a sus tías. "Lo que quiero decir es que ésto se está convirtiendo en una mala costumbre" les regaña Mortimer a sus tias sobre su "pequeña" cadena de asesinatos.

La única salida que se le ocurre es encerrar en un psiquiátrico a su hermano Teddy. Mientras tanto, las tías Abby y Martha siguen con su obra de "caridad".


Para terminar de rizar el rizo, llega el hermano pródigo, Jonathan, (Raymond Massey) un asesino que monta en cólera cada vez que alguien le dice que se parece a Boris Karloff (éste guiño es uno de los que sólo podían entenderse en la época, pues Boris Karloff era el actor que interpretaba a Jonathan en la obra teatral de Ársenico por compasión) y su compinche el doctor Einstein, el carismático Peter Lorre, que venía de actuar en Casablanca.


El curioso físico de Massey le sirvió para interpreta al presidente Abraham Lincoln.


Personalmente destaco de ésta comedia algunas frases sin parangón, la fotografía del afamado Sol Polito y la impagable presencia de Cary Grant, que no se quedó contento con su interpretación y si muy contrariado con las directrices que le dio Frank Capra para su personaje al que, si tenemos que definir de alguna manera, sería de histriónico. Grant fue la cuarta opción de Capra para interpretar a Mortimer.
Sin embargo y, a pesar de todo, Grant hizo su trabajo y declaró que fue el papel donde más disfrutó.

Grant quería convertirse en un actor de comedia serio. Así que nuestro gentleman, el mejor actor de comedia que haya habido (en mi opinión) tiró de mímica facial exagerada hasta casi degenerar en dibujo animado. Y aún así es lo mejor de la película.



Cada personaje lleva su personalidad al extremo. Mortimer se convierte en el más exéntrico de la película. Las tías Abby y Martha parecen dos de las hadas de La Bella Durmiente (al menos Abby anda igual que una de ellas, lo juro) el tío Teddy es el más loco de los locos y Jonathan el más malo de los malos.

Luego están los secundarios como Elaine y los policias que entran y salen de escena sin demasiada pena ni gloria en ésta obra absolutamente teatral. El principal escenario es el salón de la casa y es curioso que de lo que más se nombra, el sótano, apenas salgan las escaleras unos segundos y nada más. Puro teatro.

Los únicos intérpretes de la obra teatral que repitieron su papel en el cine fueron las tías Abby y Martha y Teddy. Boris Karloff no consiguió el permiso para rodar la película por ser el principal reclamo de la obra de teatro.


Termino ésta entrada reafirmando lo primero que dije, Arsénico por compasión sigue arrancando carcajadas. De hecho, me asombré de que fueran tantas y tan fuertes, gratamente.


Saludos.


miércoles, 17 de agosto de 2011

Encuesta: las mejores parejas del cine.

Buscamos a la mejor pareja de la historia del cine. Más modestamente, queremos saber quienes son las parejas favoritas de nuestros amigos lectores. Hace tiempo, mi compañero de blog y yo pensamos hacer un especial "Parejas de cine". Quizás si sabemos quienes son vuestras favoritas nos sea más fácil elaborarlo. En la parte derecha del blog encontraréis la encuesta.

Como siempre, decir que he intentado reflejar variedad y mis disculpas con antelación por si me dejé algo en el tintero. Gracias :)





Saludos,


miércoles, 10 de agosto de 2011

María Walewska (Conquest, 1937)




Hoy toca hablar de Greta Garbo, una de las actrices favoritas para los autores y lectores de 24 veces por segundo. Y precisamente de una de sus películas menos conocidas. Que la disfruten.



Maria Walewska (Greta Garbo) es una condesa polaca que conquista el corazón del emperador Napoleón Bonaparte (Charles Boyer), en un principio, por conveniencia política, aunque más tarde acabará enamorándose de él. En esos momentos, Polonia atraviesa momentos delicados en cuestiones políticas y estratégicas y necesita de la ayuda del militar francés. Termina convirtiéndose así en la amante de éste y es abandonada por su marido. Sus desgracias, acaban de empezar...






Retrato de Maria Walewska.



Bella foto (no es de esta película, Maria Walewska, sino de Romance, de 1930) de una guapa Greta Garbo.




Pero, ¿quién fue realmente Maria Walewska? Conocida como "la bella extranjera" o "la puta polaca", se dice que fue "la menos guapa de las amantes de Napoleón", no sé como serían las otras amantes del francés, pero la verdad que comparándola con Greta Garbo, sale perdiendo (juzguen ustedes mismos...).

Nacida en Polonia, se cree que en el año 1789, año de la Revolución Francesa, esta hija de unos humildes burgueses polacos llegó a escalar puestos en la sociedad debido en gran parte a su belleza y a los esfuerzos de sus padres por introducirla en los selectos círculos de la aristocracia polaca. Su suerte fue mayúscula cuando un anciano conde Walewska, que por edad podría haber sido perfectamente su abuelo, se casó con ella.
Al llegar las tropas francesas al país, ofrecen una fiesta en honor del emperador y es allí cuando Napoleón cae rendido ante los encantos de la condesa, sin embargo ella no parecía estar interesada en él. Fueron sus propios amigos los que la empujaron a los brazos del militar para asegurarse su ayuda en la guerra contra Rusia. Finalmente, el anciano conde la repudia y ella termina perdidamente enamorada de Napoleón.
Pasa el tiempo y ella se queda embaraza de un niño, muchos la veían ya como reina de Francia y futura emperatriz de Europa, pero una vez más fue repudiada: Napoleón decide casarse con María Luisa de Habsburgo, miembro de una de las casa reales de más solera en el continente, para asegurarse así la legitimidad de su trono. Ella quedó relegada al puesto de amante.





Cuando en 1814 Napoleón es derrotado, la única persona que se desplaza a verle en su destierro en la isla de Elba es ella, que siempre le fue fiel. Su esposa oficial jamás fue a verle, tampoco sus hijos "legítimos".
Maria muere en 1817, a los 28 años, poco más de un año después de la derrota definitiva de Napoleón en Waterloo.




La película está adaptada, entre otros, por la guionista Salka Viertel, una de las amantes de la sueca. Y al igual que otras de las películas con guión de ella, fue un auténtico fracaso en taquilla y crítica (aunque ésta elogió la labor de los actores principales).
Escribió los guiones para las películas de Greta Garbo que fueron un rotundo y sonado fracaso para la MGM, como La reina Cristina de Suecia, El velo pintado, Maria Walewska o La Mujer de las dos caras. La única que se salva de la quema es Ana Karenina, entonces, ¿por qué la Garbo trabajaba con ella? Es algo que jamás entenderé... Aunque lo cierto es que aunque fueran un fracaso en la taquilla (excepto la película basada en la obra de Tolstoi) y crítica, para Greta Garbo siempre había elogios. Lo corroboro: ésta no pasará a la historia por ser la mejor película de la sueca, pero cuando aparece en pantalla, yo por lo menos, me quedo boquiabierto. Su compañero de reparto está que se sale también.

En cifras, la película tardó 127 días en rodarse y costó al estudio 1'4 millones de dólares en pérdidas.




Curiosidades:

- Está basada en la novela Pani Walewska, de Waclaw Gasiorowski.
- Fue dirigida por Clarence Brown y Gustav Machatý, aunque éste último no está acreditado;
- Tras la muerte de Irving Thalberg, la MGM decidió gastarse más dinero en decorados y vestuario y menos en guiones, y ésta fue una de las primeras películas en seguir esa fórmula;
- Estuvo nominada a dos Oscars: Mejor actor principal (Charles Boyer) y Mejor dirección artística;
- La Garbo interpreta a una adúltera por cuarta vez consecutiva (El velo pintado, Anna Karenina y Margarita Gautier fueron sus tres trabajos anteriores a este film).




Bello perfil de la sueca Greta Garbo.



Hasta la próxima entrada corazones.

lunes, 8 de agosto de 2011

Juárez (Juarez, 1939)




Es verano, y la mayoría de los bloggers están de vacaciones, y por extensión, sus blogs. Pero como buena persona maniática que soy, no puedo ver mi blog parado. Pero teniendo en cuenta el periodo estival, hoy publicaremos una entrada más sencillita. Que la disfruten.



Juárez es otra de las películas del año 39 que ha quedado eclipsada por todo el arsenal que se estrenó ese año, por lo que podemos decir que es una joya desconocida del cine. Aunque a decir verdad el 39 no solo fue el mejor año del cine, también fue uno de los mejores de Bette Davis, pues estrenó Amarga victoria, Las vidas privadas de Elizabeth y Essex, La solterona y Juárez.

Nos encontramos ante un drama histórico dirigido por William Dieterle con guión de Aeneas McKenzie, John Huston y Wolfgang Reinhrdt, basado en la obra teatral Juarez y Maximilian de Franz Werfel y también en la novela de Bertita Harding The Phantom Crown.






El emperador Maximiliano I de Habsburgo (Brian Aherne) llega a México con su esposa, Carlota (Bette Davis) para establecer la supremacía francesa sobre la zona, pero tropieza con la oposición del indio zapoteco Benito Juárez (Paul Muni), presidente legítimo del país. Maximiliano, víctima de Napoleón III (Claude Rains) debe confiscar esas tierras que habían sido devueltas a los nativos americanos y castigar a los rebeldes, por lo que decide abdicar, algo que su esposa Carlota le impide.
El heredero de los Habsburgo le ofrece a Juárez el cargo de primer ministro, pero su negativa supone la ruptura de ambos y la guerra. Estados Unidos envía tropas para apoyar al ejército juarista, y es en ese momento cuando Napoleón III decide retirar a los militares franceses de la zona, por lo cual Maximiliano se queda sin ejército. Furiosa, Carlota decide regresar a Francia para implorar la ayuda del emperador francés.




Paul Muni como Benito Juárez.




Brian Aherne como el emperador Maximiliano I de Habsburgo.




Bette Davis como la emperatriz Carlota.



En 1935, Hall B. Wallis propuso al director Max Reinhardt la adaptación cinematográfica de la obra de Werfel arriba mencionada, pero no fue hasta 1937 cuando Jack Warner y Wallis compraron los derechos de ambas obras literarias, así pues, el 30 de septiembre de ese mismo año, Aeneas MacKenzie, bajo la supervisión de Henry Blake se puso adaptar el guión, y para ayudarse y que la historia fuese fiel a las obras y a los sucesos históricos: para ello se leyeron más de trescientes libros relacionados con los hechos, personajes, etc., además, Jack Warner contrató a Herman Lissauer y dos historiadores más.
Así pues nos metemos en agosto del 38, fecha en la que el equipo de producción, encabezado por Hall B. Wallis, viajó a México, concretamente a 15 ciudades en las que Benito Juárez estuvo durante los sucesos que se cuentan en la película, e incluso se entrevistaron con un señor de ¡116 años! que había luchado con Juárez y Porfirio Díaz, esto ayudó mucho a Paul Muni a componer su personaje. También fue muy importante para Perc Wetmore, responsable de maquillaje y caracterización.





El 12 de octubre, mientras rodaba Amarga victoria, a Bette Davis se le propuso este papel. Aunque no se trata de un papel muy extenso, aceptó. Eso no le impidió hacer de las suyas: se negó a presentarse a las pruebas de peluquería, maquillaje y vestuario, no se metería en la piel de un personaje diferente mientras estuviera interpretando otro (cada maestrillo, tiene su librillo...). Se incorporó al rodaje después de Navidad, una vez se divorció de Harm Nelson y se hubo recuperado de un ataque de pleuresía.






Juárez precisó alrededor de 1200 extras y 54 sets de rodaje. El más grande, una réplica de ciudad de México de 11 acres.
En un primer pase para productores y miembros del equipo, no quedaron muy contentos, por lo que tuvieron que montarla de nuevo casi por completo. Se estrenó en Nueva York el 24 de abril del 39, y el 4 de junio, en el resto del país.


La crítica dio una de cal y otra de arena: el montaje y sobre todo la edición no gustaron mucho, sin embargo, el New York Times concluyó: "debe considerarse una película sobresaliente, memorable y socialmente valiosa";
"Bette Davis es la única que tiene fuego en este drama histórico de Warner", Time Out London.

Juárez estuvo nominada a dos Oscars: mejor actor de reparto (Brian Aherne) y mejor dirección artística en b/n.





Hasta la próxima entrada corazones.